Ya es navidad, y ¿que has hecho? Otro año se acaba, y uno nuevo va a empezar. Y ya es navidad, espero que te diviertas, el que está cerca y el querido, el viejo y el jóven.
Y unas muy, muy felices navidades, y un feliz año nuevo. Dar esperanza es bueno, sin ningún miedo.
Y ya es navidad, para los débiles y los fuertes, para los ricos y los pobres. El mundo está tan mal repartido.
Y unas felices navidades, al negro y al blanco, al amarillo y a los rojos. Que se paren todas las luchas.
La guerra ha terminado, si tu lo quieres. La guerra ha terminado ..."
"God is a concept by which we measure our pain. I’ll say it again. God is a concept by which we measure our pain.
I don’t believe in magic I don’t believe in I-ching I don’t believe in bible I don’t believe in tarot I don’t believe in Hitler I don’t believe in Jesus I don’t believe in Kennedy I don’t believe in Buddha I don’t believe in Mantra I don’t believe in Gita I don’t believe in Yoga I don’t believe in kings I don’t believe in Elvis I don’t believe in Zimmerman I don’t believe in Beatles
I just believe in me. Yoko and me, and that’s reality. The dream is over, what can I say? The dream is over.
Yesterday I was the dreamweaver, but now I’m reborn. I was the Walrus, but now I’m John. And so dear friends, you’ll just have to carry on. The dream is over".
"Dios es un concepto que usamos para entender la medida de nuestro dolor. Lo diré otra vez. Dios es un concepto que usamos para entender la medida de nuestro dolor.
No creo en la magia No creo en el I Ching No creo en la biblia No creo en el tarot No creo en Hitler No creo en Jesús No creo en Kennedy No creo en Buda No creo en mantras No creo en el Gita No creo en el yoga No creo en los reyes No creo en Elvis No creo en Zimmerman No creo en los Beatles
Sólo creo en mí. En Yoko y en mí, esa es la realidad. El sueño terminó, ¿qué puedo decir? El sueño terminó.
Ayer yo fui el tejedor de sueños, pero ahora he renacido. Yo fui la morsa, pero ahora soy John. Y entonces, queridos amigos, van a tener que soportarlo. El sueño terminó".
"Remember when you were young, you shone like the sun. Shine on you crazy diamond. Now there's a look in your eyes, like black holes in the sky. Shine on you crazy diamond. You were caught in the cross fire, of childhood and stardom. Blown on the steel breeze. Come on you target for faraway laughter, come on you stranger, you legend, you martyr, and shine!. You reached for the secret too soon, and you cried for the moon. Shine on you crazy diamond. Threatened by shadows at night, and exposed in the light. Shine on you crazy diamond. Well you wore out your welcome. With random precision. Rode on the steel breeze. Come on you raver, you seer of visions, come on you painter, you piper, you prisioner, and shine!".
"Recuerda cuando eras jóven brillabas como el sol. Sigue brillando, diamante loco. Ahora hay una mirada en tus ojos, como agujeros negros en el cielo. Sigue brillando, diamante loco. Quedaste atrapado en el fuego cruzado, de la niñez y el estrellato. Levado por la brisa de acero. Adelante, tú, objetivo de risas lejanas, adelante, tú, leyenda, tú, mártir, y ¡brilla!. Perseguiste el secreto demasiado pronto, y lloraste por la luna. Sigue brillando, diamante loco. Amenazado por las sombras de la noche, e indefenso en la luz. Sigue brillando, diamante loco. Dejaste de ser el bienvenido. Con precisión aleatoria. Cabalgando la brisa de acero. Adelante, tú, loco delirante y visionario, adelante, tú, pintor, tú, gaitero, tú, prisionero, y ¡brilla!". Versos: "Shine on you crazy diamond - Part 1" (Wright-Waters-Gilmour)
Gracias David por la magia ......, y por tanta belleza. .
Who's Next, quinto disco de estudio del grupo británico The Who, fué publicado en 1971 y es considerado por muchos como el mejor álbum de la banda. Fué nombrado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos por la cadena de televisión VH1, colocándolo en el puesto trece, y por la revista musical Rolling Stone, alcanzando la posición veintiocho. Tras su edición, fue considerado como el mejor disco del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice. En 2006, fue elegido por la revista Time, como uno de los cien mejores de todos los tiempos. El álbum tiene sus raíces en el proyecto Lifehouse, que Pete Townshend había descripto como "una ópera-rock futurista", un disco conceptual grabado en directo como música de un proyecto cinematográfico. El proyecto demostró ser intratable a determinados niveles y causó conflictos en el grupo, especialmente entre Townshend y el productor de The Who, Kit Lambert.
Años después, en las notas de la versión remasterizada de Who's Next, Townshend escribió que el fracaso del proyecto lo dejó al borde de una crisis nerviosa. Tras abandonar la grabación de los temas de Lifehouse en Nueva York, The Who retomó el trabajo en el estudio con un nuevo productor, Glyn Johns, comenzando así de nuevo. Si bien el concepto de Lifehouse fue abandonado, algunos retazos del proyecto se mantuvieron vigentes en el trabajo final. La línea introductoria de "Pure and easy"; ( tema que recién aparece en la reedición de 1996 ); que Townshend había descripto como el "pivote de Lifehouse", se nota en las últimas líneas de " The song is over". Un temprano concepto de Lifehouse fue reciclado al tiempo que Townshend usaba las estadísticas demográficas de Meher Baba de forma aleatoria para generar la base de "Baba O'Riley". Si bien en un principio Pete Townshend abandonó el proyecto Lifehouse, en años posteriores continuaría desarrollando los conceptos en diferentes álbumes. En 2006, Townshend abriría una página web llamada "The Lifehouse Method" para aceptar entradas personales de candidatos que pudieran desarrollar autoretratos musicales. El álbum fue reconocido de inmediato por un sonido dinámico. De forma fortuita, se desarrolló en una época que introdujo novedosos avances tecnológicos como la invención, pocos años antes del sintetizador. El resultado fue un sonido absolutamente novedoso para aquella época y que sentó un precedente en la música rock. Townshend usaría los primeros sintetizadores y sonidos de teclados modificados de numerosas formas; como efectos de zumbido en numerosas canciones, notablemente en "Baba O'Riley" y "Won't get fooled again"; o como matraca musical en temas como "The song is over". Asimismo, Townshend modularía el espectro de su guitarra en "Going mobile", dando un distintivo sonido que degeneraría en un ruido burbujeante al final del tema.
El álbum abría con el innovador "Baba O'Riley", que incluía un piano interpretado por Townshend y un violín de Dave Arbus. Titulado en honor del gurú de Townshend, Meher Baba, y del compositor Terry Riley, el tema uniría la experimentación primeriza de Townshend con los sintetizadores y el sonido hard rock tradicional del grupo. Otros temas remarcables y reconocidos son la balada "Behind blue eyes" y la épica "Won't get fooled again". La portada del álbum, tomada en Easington Colliery, muestra a la banda aparentemente después de orinar en un monolito situado dentro de un escorial. Según el fotógrago Ethan A. Russell, algunos de los componentes del grupo no estaban dispuestos para orinar, de modo que se utilizó agua para simular el efecto. La fotografía es vista por algunos como una referencia al monolito descubierto en la luna en la película "2001: A space odyssey", que había sido estrenada apenas tres años antes. En 2003, el canal de televisión por cable VH1 colocó la portada de Who's Next en la segunda posición de las mejores portadas de todos los tiempos. Una versión rechazada para la portada del álbum incluía al batería del grupo, Keith Moon, vestido con ropa interior de mujer, peluca marrón y un látigo de cuero. Who's Next obtuvo un gran éxito comercial y de crítica: "Con sus guitarras acústicas y sus ritmos de batería, este triunfo del hard rock es no más que un álbum de puro hard rock como Tommy", escribió Robert Christgau para su columna de Consumer Guide. Cuando se celebraron las primeras encuestas Pazz & Jop en 1971, Who's Nextobtuvo un sencillo primer puesto, distanciándose de otros álbumes en 208 puntos, cerca del 65%. En una publicación que analizaba los resultados, Christgau escribió: "Todo el mundo llama a Who's Next el mejor álbum de hard rock, aunque contiene varias baladas y algún material que incluye violín y sintetizadores. De cualquier modo, es claramente la pieza maestra más popular del año".
1. "Baba O'Riley" - 5:00 2. "Bargain" - 5:33 3. "Love ain't for keeping" - 2:12 4. "My wife" - 3:41 5. "The song is over" - 6:16 6. "Getting in tune" - 4:50 7. "Going mobile" - 3:42 8. "Behind blue eyes" - 3:42 9. "Won't get fooled again" - 8:32
"Behind blue eyes" "Nadie sabe lo que es, ser el hombre malo, ser el hombre triste, detrás de unos ojos tristes. Y nadie sabe, lo que es ser odiado, lo que es estar marchito, y decir solo mentiras.
Pero mis sueños no son tan vacíos, como parece ser mi conciencia. Tengo horas, únicamente de soledad, mi amor es venganza, eso nunca es un regalo.
Nadie sabe lo que es, tener estas sensaciones. Como yo ¡Y te culpo a ti! Nadie se traga así, su ira. Nadie puede mostrar, la desgracia de mi dolor.
Pero mis sueños no son tan vacíos, como parece ser mi conciencia. Tengo horas, únicamente de soledad. Mi amor es venganza, eso nunca es un regalo.
Nadie sabe lo que es, ser maltratado, estar derrotado, detrás de unos ojos tristes. Nadie sabe como decir, que lo siente, y no te preocupes, no estoy mintiendo.
Pero mis sueños no son tan vacíos, como parece ser mi conciencia. Tengo horas, únicamente de soledad. Mi amor es venganza, eso nunca es un regalo.
Nadie sabe lo que es, ser el hombre malo, ser el hombre triste, detrás de unos ojos tristes".
La idea para la portada del álbum "Animals" de Pink Floyd fué concebida originalmente por Roger Waters, quien sugirió colocar un cerdo inflable flotando entre las chimeneas de la central electrica de Battersea, ubicada en las afueras de Londres.
Pero su intención era hacerlo de verdad, y no que se tratase de un montaje fofográfico, asi que tres equipos de filmación y once fotógrafos fueron contratados para realizar las tomas.
El cerdo de plástico fué inflado y lanzado al aire, mientras era sostenido por hombres con cuerdas desde tierra, pero el viento fué mas fuerte que el caprichoso globo, y ante los ojos atónitos de los presentes, éste se liberó de sus ataduras y desapareció en el cielo londinense.
Un piloto reportó la presencia de un cerdo rosa volador, y las autoridades del aeropuerto de Heatrow, le realizaron pruebas de embriaguez antes de tomar su reporte en serio.
Un helicóptero de la policía siguió al cerdo flotante hasta los 5.000 pies de altura, antes de tener que regresar a la base.
(En la foto de la derecha, el globo promocional en un concierto en Vancouver, Canadá.
Este cerdo es una de las metáforas de la sociedad que Roger Waters incluyó en este álbum, que está basado en el libro "Rebelión en la granja" de George Orwell.)
Las autoridades de la aviación civil lanzaron una advertencia a los pilotos para que tuvieran cuidado con el cerdo volador, mientras el contacto del radar con el mismo, se perdió a los 18.000 pies cerca de Chatham.
Tras ocasionar una enorme confusión entre los pilotos de los aviones que aterrizaban en aquellas horas, el cerdo decidió descender, irónicamente, en una granja cercana, de donde fué rescatado, emparchado, y utilizado para hacer las tomas al día siguiente.
Finalmente la carátula se realizó mediante un montaje fotográfico, una foto de la estación eléctrica tomada ese día fué utilizada para la tapa, pero la imágen del cerdo corresponde a una fotografía tomada el día anterior.
Posiblemente sea una de las portadas mas recordadas de la banda por su originalidad. El cerdo se convirtió en el símbolo de Pink Floyd, y Roger Waters lo utilizó en su gira "In The Flesh Tour", para recordar este grandioso disco.
Luego de la separación, y cuando Pink Floyd resurgió en 1987 con el disco"A Momentary Lapse of Reason", Roger Watersque ya había abandonado el grupo, los demandó porque en la gira sacaban el característico cerdo volador (idea de Waters).
La respuesta de David Gilmour y el resto del grupo fué "implantarle" unos genitales descomunales al famoso globo inflable, quedando así sin efecto el reclamo de Roger Waters.
Paul Mc Cartneyescribió"Blackbird"en su granja de Escocia, y se inspiró al crearla como una reacción a las tensiones raciales que se intensificaban en los Estados Unidos en la primavera de 1968. Poco después, una cálida noche de verano en Londres, se sentó junto a la ventana abierta de su cuarto de música en el piso superior, y cantó la canción acompañándose con guitarra acústica. Para los admiradores reunidos en la oscuridad del otro lado de los portones, el imprevisto concierto gratis fué uno de esos momentos mágicos que compensaba las horas de constante vigilia.
Paul:"La inspiración original provino de una pieza de Bach muy conocida cuyo título nunca supe, que con George habíamos aprendido a tocar de muy jóvenes; él la tocaba mejor que yo, en realidad. Parte de la estructura es una cosa armónica particular entre la melodía y el bajo, que me intrigaba. Bach siempre fué uno de nuestros compositores favoritos; sentíamos que teníamos mucho en común con él. Por alguna razón nos parecía que su música era muy similar a la nuestra, y nos enganchábamos con él con asombrosa rapidez. También nos gustaban las anécdotas de cuando era organista de iglesia y tenía que tocar el mismo material todas las semanas, algo bastante similar a lo que hacíamos nosotros. Nos encantó enterarnos de eso. Desarrollé la melodía en guitarra basándome en la pieza de Bach, y la llevé a otra parte, a otro nivel, y después le agregué la letra. Aquellos eran tiempos del movimiento por los derechos civiles, de modo que ésta fué en realidad una canción que yo le cantaba a una mujer negra, que experimentaba estos problemas en los Estados Unidos: "Permíteme alentarte a seguir intentándolo, a mantener tu fe; hay esperanza". Como suele ocurrir con mis cosas, la disfracé un poco, así que en lugar de decir "mujer negra que vive en Little Rock" y ser muy específico, ella se convirtió en un pájaro, se volvió simbólica, de modo que pudieras aplicarlo a cualquier problema particular. Ésta es una de mis temáticas básicas: tomar una canción triste y hacerla mejor, dejar que la canción te ayude. "Dar ánimo", es una buena manera de describirlo. A través de los años he recibido montones de hermosas cartas de gente que me dice: "Esa canción me ayudó mucho en un período terrible de mi vida". Creo que la dicha mas grande de haber sido músico, y haber formado parte de The Beatles, es la que sientes cuando te llegan esas cartas, y descubres que de veras has ayudado a la gente. Esa es la magia de todo esto, ese es el prodigio, porque yo las escribí pensando a medias que podrían ayudar, pero en realidad me siento muy orgulloso cuando me doy cuenta de que han sido de verdadera importancia para muchos".
El sonido del mirlo (blackbird) en sí, que se escucha cantando de fondo, se extrajo de un disco de sonidos ornitológicos de los archivos de sonido de EMI.
Paul:"El mirlo hizo un muy buen trabajo. Canta muy bien en esa toma".
"Blackbird" se grabó el 11 de junio de 1968 en los estudios Abbey Road, con George Martin como productor y Geoff Emerick como ingeniero de sonido, y fué incluído en el famoso álbum doble The Beatles(1968), también conocido como "White Álbum". Para la ocasión, Mc Cartney utilizó una guitarra acústica Martin D28. Paulreveló en el programa Great Performances (Paul Mc Cartney: Chaos and Creation at Abbey Road) del canal PBS transmitido en 2006, que la guitarra que acompaña a "Blackbird" fue inspirada por "Bouree" en "mi menor" de Bach, una conocida pieza de guitarra clásica.
("Bouree" en "mi menor" de Bach)
En un principio se pensaba que el sonido que se escucha por el canal izquierdo en la canción, y que suena como un pié golpeando el suelo era el de un metrónomo mecánico, sin embargo luego se supo que era efectivamente Paul golpeando el suelo con el pie, y que el tempo fluctúa entre 89 y 94 bpm a lo largo de la canción.
(Fuente: "Paul Mc Cartney - Hace muchos años" / Barry Miles)
"Blackbird singing in the dead of night, take these broken wings and learn to fly. All your life you were only waiting for this moment to arise.
Blackbird singing in the dead of night, take these sunken eyes and learn to see. All your life you were only waiting for this moment to be free.
Blackbird fly, blackbird fly, into the light of the dark black night. Blackbird fly, blackbird fly, into the light of the dark black night.
Blackbird singing in the dead of night take these broken wings and learn to fly. All your life you were only waiting for this moment to arise, you were only waiting for this moment to arise, you were only waiting for this moment to arise".
"Mirlo que cantas en el silencio de la noche, despliega esas alas rotas y aprende a volar. Toda la vida has esperado este momento para alzar vuelo.
Mirlo que cantas en el silencio de la noche, abre esos ojos hundidos y aprende a ver. Toda la vida has esperado este momento para ser libre.
Vuela, mirlo, vuela, en la luz de una noche oscura y negra. Vuela, mirlo, vuela, en la luz de una noche oscura y negra.
Mirlo que cantas en el silencio de la noche, despliega esas alas rotas y aprende a volar. Toda la vida has esperado este momento para alzar vuelo, has esperado este momento para alzar vuelo, has esperado este momento para alzar vuelo".
Joan Manuel Serrat editó esta antología poética en el año 1972, integrando el disco las siguientes canciones:
01 - Menos tu vientre 02 - Elegía 03 - Para la libertad 04 - La boca 05 - Umbrio por la pena 06 - Nanas de la cebolla 07 - Romancillo de mayo 08 - El niño yuntero 09 - Cancion última 10 - Llego con tres heridas
Miguel Hernández Gilabert, nació en Orihuela el 30 de octubre de 1910, y falleció en Alicante (España) el 28 de marzo de 1942. Fué un poeta y dramaturgo de especial relevancia en la literatura española del siglo XX. Aunque tradicionalmente se lo ha encuadrado en la generación del 36, mantuvo una mayor proximidad con la generación anterior hasta el punto de ser considerado como "genial epígono de la generación del 27". El hambre, la miseria, la muerte y la censura, eran partes de la vida cotidiana de la España franquista, especialmente en los primeros años, en los que se castigó y asesinó a sus máximos opositores políticos, o como Miguel Hernández, "difamadores" de propaganda en contra del régimen franquista, en la que se instaba al pueblo a la sublevación, a la lucha, a la no rendición a favor de los fascistas. Miguel Hernández y su familia, sufrieron las consecuencias de esta guerra, como muchísimas otras familias anónimas, que experimentaron el hambre, la pérdida y/o separación de sus seres queridos, y posteriormente, el obligado olvido de estos hechos. En 1939, ya en prisión, y solo dos meses y medio después del fallecimiento de Manuel Ramón su otro hijo, nace Manuel Miguel. Cuando su esposa Josefina le envía a la cárcel de Torrijos de Madrid una foto de su hijo con siete meses, el padre comenta:
"No pasa un momento sin que lo mire y me ría, por muy serio que me encuentre, viendo esa risa tan hermosa que le sale delante de los cortinones y encima del catafalco ese en que está sentado. Esa risa suya es mi mejor compañía aquí y cuanto más la miro más encuentro que se parece a la tuya. Y los ojos, y las cejas y la cara entera. Este hijo nuestro, por quien no debes perder el ánimo y la confianza en esta vida, es más tuyo que mío. El otro era más mío..."
Un mes después, en otra cariñosa carta, la sorprende con estas "Nanas de la cebolla", una de las más trágicas canciones de cuna de toda la poesía española. A Miguel le había afectado la noticia recibida días antes de que Josefina sólo comía pan y cebolla (no cebolla sola, como algunos confunden). Hay que recordar la eterna frase coloquial "contigo pan y cebolla", que en este caso se hace trágicamente verdadera, aunque comenta Josefina que tenía que alegrarse Miguel en aquellas circunstancias, al saber que al menos comía algo de pan. Todo esto, claro está, bajo los efectos de las penurias, desolación, el hambre, los tratos vejatorios, la soledad y la desesperanza que producen a un ser humano, el estar enjaulado y condenado a muerte. Cuando el poeta recibe la carta de Josefina, permaneció recluído con una gran depresión en los dormitorios, sin salir al patio de la prisión. Después de dos días de "autoreclusión", apareció en el patio y recitó de memoria este bello poema a sus compañeros. Así explicaba Miguel en su carta:
"Estos días me los he pasado cavilando sobre tu situación, cada día más difícil. El olor de la cebolla que comes me llega hasta aquí, y mi niño se sentirá indignado de mamar y sacar zumo de cebolla en vez de leche. Para que lo consueles, te mando estas coplillas que le he hecho, ya que aquí no hay para mí otro quehacer que escribiros a vosotros o desesperarme...".
Este ramo de nanas está construído en doce estrofas con aire de seguidilla (versos heptasílabos y pentasílabos con rima asonante), inusual poema largo para un género breve y festivo. Desdramatiza el autor el contenido angustioso con la gracia del ritmo y la ternura de imágenes, en ascética lumbre de verbos y sustantivos ermitaños. Son versos breves y concisos para captar rápidamente la atención del lector, y directos para dar así una imágen de espontaneidad, como si hubiera sido precipitado, sin haberlo meditado demasiado, algo que no se corresponde con la realidad pues es un texto muy elaborado. Utiliza un tono vocativo, y en ocasiones exclamativo, para dar asi más musicalidad y expresividad a esta alegoría. Abundan las frases metafóricas, algunas anáforas, exclamaciones y frases casi exhortativas. Este poema fantástico, con gran carga emocional, nos acerca mucho a esa situación en la que se veían sumidas miles de familias durante y después de la guerra civil española. Al acabar el conflicto, no finalizaron las persecuciones hacia los perdedores (bando republicano) y sus familias, sino que continuaron, fueron duramente amonestados, y en muchas ocasiones pagaron con su vida. En 1942, con solo 31 años Miguel Hernández cae gravemente enfermo, y muere en el reformatorio de adultos de Alicante.
"La cebolla es escarcha cerrada y pobre. Escarcha de tus días y de mis noches. Hambre y cebolla, hielo negro y escarcha grande y redonda.
En la cuna del hambre mi niño estaba. Con sangre de cebolla se amamantaba. Pero tu sangre, escarchada de azúcar, cebolla y hambre.
Una mujer morena resuelta en luna se derrama hilo a hilo sobre la cuna. Ríete, niño, que te traigo la luna cuando es preciso.
Alondra de mi casa, ríete mucho. Es tu risa en tus ojos la luz del mundo. Ríete tanto que mi alma al oírte bata el espacio.
Tu risa me hace libre, me pone alas. Soledades me quita, cárcel me arranca. Boca que vuela, corazón que en tus labios relampaguea.
Es tu risa la espada más victoriosa, vencedor de las flores y las alondras Rival del sol. Porvenir de mis huesos y de mi amor.
La carne aleteante, súbito el párpado, el vivir como nunca coloreado. ¡Cuánto jilguero se remonta, aletea, desde tu cuerpo!
Desperté de ser niño: nunca despiertes. Triste llevo la boca: ríete siempre. Siempre en la cuna, defendiendo la risa pluma por pluma.
Ser de vuelo tan lato, tan extendido, que tu carne es el cielo recién nacido. ¡Si yo pudiera remontarme al origen de tu carrera!
Al octavo mes ríes con cinco azahares. Con cinco diminutas ferocidades. Con cinco dientes como cinco jazmines adolescentes.
Frontera de los besos serán mañana, cuando en la dentadura sientas un arma. Sientas un fuego correr dientes abajo buscando el centro.
Vuela niño en la doble luna del pecho: él, triste de cebolla, tú, satisfecho. No te derrumbes. No sepas lo que pasa ni lo que ocurre".
*(Las estrofas cuarta, séptima y novena, no están incluídas en la canción interpretada por Joan Manuel Serrat)
"Si la sangre fluye cuando carne y acero se unen, secándose como el color del ocaso, la lluvia de la mañana lavará las manchas de la distancia, pero algo quedara para siempre en nuestras mentes.
Quizás este acto final se entienda para rematar el argumento de toda una vida, que nada bueno viene ni vendrá nunca de la violencia, para todos los nacidos bajo una airada estrella, para que no olvidemos lo frágiles que somos.
En la caída de la lluvia igual que las lágrimas de una estrella, como lágrimas de una estrella, la voz de la lluvia nos dirá lo frágiles que somos, lo frágiles que somos.
En la caída de la lluvia igual que las lágrimas de una estrella, como lágrimas de una estrella, la voz de la lluvia nos dirá lo frágiles que somos, cuán frágiles que somos…".
"If blood will flow when flesh and steel are one, drying in the colour of the evening sun, tomorrow's rain will wash the stains away, but something in our minds will always stay.
Perhaps this final act was meant to clinch a lifetime's argument, that nothing comes from violence and nothing ever could, for all those born beneath an angry star, lest we forget how fragile we are.
On and on the rain will fall like tears from a star, like tears from a star on and on the rain will say, how fragile we are, how fragile we are.
On and on the rain will fall like tears from a star, like tears from a star on and on the rain will say how fragile we are, how fragile we are…".
Versos: "Fragile" (Sting)
En memoria de Richard William Wright ( 28-07-43 / 15-09-08 ) .
The White Stripes grupo de garage rock minimalista estadounidense, se formó en 1997 en Detroit. Compuesto por Jack White; (cuyo nombre real de nacimiento es John Anthony Gillis nacido el 9 de julio de 1975); en guitarra, piano y voz principal, y Megan Martha White(nacida el 10 de diciembre de 1974), en batería, percusión y voz, forman parte del resurgimiento del garage rock de los años 60. Son conocidos por sus composiciones y arreglos simples, su sonido de baja fidelidad, e inspirados principalmente por el punk rock, el blues, el folk rock y la música country. Mientras Jacky Megan declaraban ser hermanos, numerosas fuentes afirmaban que en realidad eran una pareja divorciada. Esta pareja, decidió tomar las claves del blues mas añejo y del rock and roll clásico, y llevarlas a un extremo donde conviven el garage y el punk. Su trayectoria, es de una coherencia y una lógica aplastante, en el que cada disco se enriquece con los anteriores y siguientes y donde todo tiene sentido por sí mismo y en conjunto. Cada nuevo álbum supone un paso adelante hacia un destino que sólo ellos saben. Los anteriores fueron sencillos, artísticos y estridentes. La historia empieza con The White Stripes (1999), sigue con De Stijl (2000) en el cual abandonan cierto mainstream rockero, para dirigirse hasta White Blood Cells (2001), el que sería su mejor álbum antes de aparecer Elephant (2003).
("The hardest button to button")
Aquí es evidente que el mayor logro del dúo es haberse despojado de la contención que dominaba De Stijl, y que aún planeaba en ciertos rincones del acerado White Blood Cells. De hecho, se puede intuir que esa contención era deliberada, y que todo llevaba hasta aquí. De nuevo, todo cobra sentido. Esa liberación no podía desembocar más que en este espléndido disco, desbordante, sólido, multidireccional, desquiciado, salvaje, y extenuante. Grabado en los estudios Toerag de Londres, desde los primeros compases del bajo que introduce "Seven nation army"; ese single emblemático y sucio; se vislumbra lo que se avecina, una tormenta de sonidos de a ratos abrumadora. El arte de tapa, está envuelto en extraños simbolismos, (el pie de Meg esta atado, en un guiño a su divorcio; Jack tiene un bate de criquet, ya que se obsesionó con ese deporte durante la grabación), y fue producido por el mismo Jack White al igual que la dirección artística, junto a su amigo Bruce Brand. Con el estridente riff de "Seven nation army", la banda exprime la exploración sonora lo máximo a lo que un duo puede aspirar.
("I just don't know what to do with myself")
Uno puede estar en desacuerdo con algunas de las limitaciones que, en pos de la pureza, se impone el propio White, pero sin duda los White Stripes son una banda notable, con una combinación muy sugestiva de imágen, sonido y actitud, son claros y transparentes sobre sus gustos e intenciones, y Jack White tiene todo su discurso completamente articulado y expuesto. Bandas británicas como The Kinks, Yardbirds, Led Zeppelin, Rolling Stones y Cream, son algunos de los precedentes inmediatos, influencias claras para los Stripes, aunque en este disco suenen por momentos más Led Zeppelin que nunca. Su método; estudio de ocho pistas, con material exclusivamente analógico; recupera viejos recursos basados en el espacio abierto y en el silencio expresivo, que sin duda a veces se echan bastante de menos. Y si bien en ellos todo parece mas rigurosamente pensado que sentido, lo mejor es cuando se dejan llevar, como cuando en "Seven nation army"Jack recurre a un remedo artificial de bajo; guitarra con efecto; para que con ayuda de la propulsiva percusión de Meg puedan plasmar en uno de los singles del año, toda la paranoia que les produce haberse convertido en el centro de atención de la prensa mundial. O cuando se dobla cien veces la voz en "There's no home for you here". O en la serie consecutiva que es el nudo del disco, con Meg Whitey ese guiño repleto de frágil sensualidad de night club que es "In the cold, cold night", con la excelente melodía y la mortal ironía de "I want to be the boy to warm your mother's heart", o en la desnudez de "You've got her in your pocket". Hay más música notable en Elephant. La versión de "I just don't know what to do with myself"de Bacharch, con reminiscencias del after punk que miran de frente hacia Europa, los fogonazos garageros de "Black math", "Hypnotize", la magnífica y delirante "Girl you have no faith in medicine", el dinamismo de "The hardest button to button", más de siete minutos de inteligente blues nocturno y esquinado en "Ball and biscuit", y en ese paisaje, todas las variaciones posibles.
("Seven nation army")
Y dentro de las múltiples fronteras del disco, relucen temas híbridos como "The air near my fingers", o "Little Acorns", con speech radiofónico incluído. Y, para rematar, un divertimento, un trío acústico con la cantante Holly Golightly"It’s true that we love one another" en el que Meg, Holly y Jack cuentan lo mucho que se quieren entre ellos, aunque sea, como canta Hollyun amor fraternal: "I love Jack White like a little brother", tal vez el toque simpático final de este disco que gana con cada nueva escucha, y en el que The White Stripes divierten, excitan y aplastan. Elephantes, por inteligencia, coherencia y solvencia, un gran álbum, aún construído sobre claves de sobra conocidas. Nada nuevo, pero poco tan bueno. Además lanzó a The White Stripes a la fama mundial, y nos demostró que si eres tan bueno en algo, puedes continuar con tu esencia y aún asi vender sin necesidad de ser comercial, ya que a pesar de ser su álbum mas vendido, al mismo tiempo, es el más dinámico, y transmite tanta oscuridad y frustración que solo sirve para definir la grandeza de un clásico. Es una obra visceral fuera de lugar, pero en absoluta sincronicidad con su época. Una encantadora bestia moderna.
"Nuestra relación con Radiohead es muy graciosa, éramos chicos cuando se hicieron famosos y, obviamente, les robamos muchas cosas en nuestros primeros tiempos. A veces siento que ellos abrieron el camino con un machete, y despues aparecimos nosotros cuando estaba todo listo. Todavía daría mi huevo izquierdo por escribir algo tan bueno como "O.K. Computer". Me convertiría en eunuco por "Paranoid android".
"Nos encanta R.E.M.. Me gusta porque siempre están dispuestos a cambiar y porque nunca podés saber de que habla Michael Stipe. Deshicimos las canciones de "Automatic for the people", que aún no hemos plagiado, pero estamos en eso. "Nightswimming" es tan dulce y directa, y no intenta ser cool. Entre todos los ingredientes de cada canción de Coldplay, siempre hay una pizca de R.E.M.".
"En el último año escuché más música de Michael Jackson que de cualquier otra persona, especialmente "Off the wall". Hay tanta percusión ahí. Hay que estudiar estas cosas para hacer que la gente acompañe con los pies".
"¿Por dónde empezar? A Bob Dylan nunca le importó lo que pensaban los demás, ya fuera que cambiara su voz en "Nashville skyline" o se volviera ultracristiano en los 80. Para mi es cool al extremo".
"Intenté cantar como Jeff Buckley. Descubrí su música al poco tiempo de su muerte, así que es algo místico: ¿quien es este muerto angelical que toca estas canciones tan complicadas y canta como una nena?. Si no hubiera muerto, ya sería una superestrella".
"Muchacha ojos de papel, ¿adónde vas?, quédate hasta el alba. Muchacha pequeños pies, no corras más, quédate hasta el alba. Sueña un sueño despacito entre mis manos, hasta que por la ventana suba el sol. Muchacha piel de rayón, no corras más, tu tiempo es hoy. Y no hables más muchacha, corazón de tiza, cuando todo duerma te robare un color. Muchacha voz de gorrión, ¿adonde vas?, quédate hasta el día. Muchacha pechos de miel, no corras más, quédate hasta el día. Duerme un poco y yo entretanto construiré, un castillo con tu vientre hasta que el sol, muchacha te haga reír, hasta llorar, hasta llorar. Y no hables más muchacha, corazón de tiza, cuando todo duerma te robare un color".
(Letra: Luis Alberto Spinetta)
Entrevista al autor
Hablemos de "Muchacha..."
Bueno.
La muchacha de la canción era Cristina Bustamante...
Mi primer gran amor. Ella vivía en el mismo edificio de Emilio Del Guercio y por eso lo conocía de vista. A veces se juntaban los fines de semana a charlar en la puerta, pero sin pasar a ser más que conocidos. Pero una vez nos quedamos solos en la casa de Emilio, porque sus padres habían viajado, y entonces invitamos a las chicas a tomar algo, a bailar, una especie de asalto. Y ahí, por primera vez, me sentí enamorado. En realidad ya me había enamorado varias veces pero siempre habían sido amores imposibles de realizar por diferencia de edad, no sé, me enamoraba de las maestras, de las pibas más grandes y después no pasaba nada, obviamente. Yo era un inepto absoluto en ese momento. Y bueno, todos esos pequeños amores desembocaron en un gran amor que fue el de esta muchacha ojos de papel, que fue un amor correspondido. Porque también ella me quiso mucho. Fue mi primer amor, mi primer gran amor, inolvidable amor. Y me inspiró una canción.
¿Vos tenías idea que el tema fuera a golpear tanto en la gente?
No, porque nada de lo que uno hiciera en ese momento podía tomarse para especular en eso. Pero la canción emocionaba al que la escuchaba, pasaba eso y punto. Y cuando la estrenamos en el Coliseo, fue tan rotundo el éxito de la canción que yo mismo lloraba, no lo podía creer. Aparte, el día que la estrené, por motivo de una rencilla que habíamos tenido, en la mitad de la canción ella se retiró del Coliseo. Yo cantaba la canción y la veía que se iba por el pasillo hacia el fondo. Ese tipo de cosas bien de pubertad, de 18 años. Amor.
No debe haber mejor halago para una mujer que su amado le dedique una canción. Y tratándose de una canción como "Muchacha...", no me es difícil imaginar cómo se habrá sentido Cristina...
Es cierto. Se dio vuelta. Aparte, ella la conocía de antes, yo se la había cantado para ella en forma personal. Pero cuando le arreglamos todos los coros y la estrenamos en vivo, fue tremenda la emoción que sentí. Imborrable. Yo lloraba arriba del escenario, porque sentí que toda la gente se conmocionaba con eso. Al instante. Después vino el éxito. Sentí que la canción traspasaba la gente, lo mismo que cuando estrené "Plegaria" o "Figuración", "Muchacha..." traspasaba la gente. Con Almendra me cansé de ver chicos y chicas llorando, de emoción o de felicidad.
¿Después de aquella pelea y del Coliseo, el romance siguió?
Sí, termina en el "Blues de Cris": "Sus ojos al final olvidaré". El romance se fue deteriorando y tuve que tomar una determinación importantísima en mi vida, porque todas esas pasiones son muy intensas, y si bien uno tiene la adicción de amar, también tiene una cruz tremenda en soportar los embates de todas esas pasiones. Sobre todo cuando es muy joven y no tiene la cabeza tan fría, uno es poseído por eso y posee, y eso trae dolor cuando se desposee y se quitan los ropajes, se caen los roles y quedan los individuos solos frente a frente. Es el momento culminante para todo ser humano. Y para mí, el "Blues de Cris" fue como una auto-declaración de cambio de rumbo. Me fijé olvidar esa mirada, olvidar todo lo que me unía a ella, que en parte había sido, en ese último tiempo, muy doloroso. Y me dispuse a emprender otra vida, descubriendo otras mujeres, otros amores.
¿Cristina te reprochó alguna vez que esa canción que vos le habías regalado, de golpe la hicieras pública y así permitieras que todo el mundo se adueñara de ella?
No. Jamás me reprochó tal cosa. Al contrario, era feliz de que yo obtuviera un éxito a través de eso. Pero en general no quería que yo dijera que se trataba de ella.
(Declaraciones de Luis Alberto Spinetta, durante una entrevista con Víctor Pintos y Guillermo Quintero en los estudios de FMR, en 1984)
Tema incluído en el primer disco de "Almendra", editado en 1969. .
What's the Story) Morning Glory?, segundo álbum de estudio de Oasis, fué lanzado el 21 de octubre de 1995 con un inmediato éxito mundial, alcanzando en el Reino Unido la primera posición y en Estados Unidos la cuarta, y vendiendo veinte millones de copias en todo el mundo. Producido por Owen Morris y Noel Gallager, pasó a ser el segundo álbum más importante en ventas de todos los tiempos en el Reino Unido, y se dice que el título fue inspirado por un amigo de Noel Gallagher, que utilizó la frase durante una conversación telefónica. Para muchos, (What's the Story) Morning Glory? representa un paradigma dentro del movimento del "britpop". La "batalla del britpop" es el título no oficial que se le dio a la disputa en las listas de ventas entre Oasis y Blur, y todo comenzó cuando los singles de ambas bandas fueron lanzados el mismo día; en realidad Blur adelantó el suyo para que coincidieran.
La "batalla" finalmente la ganó Oasis por su álbum de alto impacto en varios sectores, sin embargo en el número de ventas de los singles Blur ganó debido principalmente a que era el primer single de su disco The Great Escape y "Roll with it" ya era el segundo. Aunque a menudo este álbum es citado como inferior a Definitely maybe; primera realización de estudio; en 1997 (What's the Story) Morning Glory? fue nominado el quinto álbum más grande de todos tiempos en la "Music of the Millennium", un sondeo conducido por HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. Además en 1998, los lectores de Q Magazine, lo ubicaron en el octavo lugar. El mismo ha quedado sumamente vigente y popular por casi una década, volviendo a los charts de álbumes de Reino Unido en mayo de 2005 como N° 50, y alcanzando posteriormente el N°44. Algunos críticos han dicho que la tapa estuvo pensada desde Abbey Road, el famoso disco de The Beatles. Al comienzo del álbum se escuchan los primeros acordes de "Wonderwall", que son súbitamente cortados por el atronador volúmen de la canción que abre el disco, "Hello", que toma el riff de la canción "It's good to be back" de Gary Glitter. El segundo tema es "Roll with it", una canción pop muy efusiva que alcanzó el número dos de las listas británicas. El disco continúa con quizás uno de sus puntos más altos, "Wonderwall", que comienza con un rasgueo de guitarra de Noel Gallagherpara dar paso a la magnífica voz de su hermano Liam, mientras de fondo se escuchan violines que se acoplan perfectamente a la canción.
("Wonderwall")
La cuarta pista es "Don't look back in anger", cantada por Noel y que alcanzó el primer puesto de los charts británicos. En las sesiones de grabación del disco Noel le dio a elegir a su hermano entre "Wonderwall" y "Don't look back in anger"para que cantase. Liam al no poder alcanzar las notas altas de esta última se decidió por "Wonderwall".
("Don´t look back in anger")
El álbum sigue con "Hey now", una canción tal vez un poco repetitiva pero que mantiene la calidad del disco. Luego nos encontramos con el primero de los dos instrumentales que tiene el disco, ambos de aproximadamente treinta segundos, y que son una extracción de "The swamp song", lado b de "Wonderwall", más tarde incluído en la recopilación de "caras b" The Masterplan. El séptimo track, "Some might say"; tema que está aparentemente influenciado por T-Rex y/o Small Faces; es el primer single del disco, que alcanzó el número uno en los charts británicos, y fué el último tema en el que el baterista es Tony Mc Carroll, quien fue despedido poco tiempo más tarde. A continuación, "Cast no shadow"es la canción mas melódica de Oasis hasta ese momento, y Noel Gallagherla escribió para su colega y amigo Richard Ashcroft, cantante del grupo The Verve. Un tema infravalorado, ya que es uno de los puntos más altos del disco y a su vez no es muy conocido. Originalmente fue escrito para ser un "lado b". Tras "Cast no shadow" aparece "She's electric", una canción más alejada del rock and roll, con un sonido más suave y con un Liam alcanzando unas cotas de suavidad en su voz maravillosa.
"Morning glory" es la penúltima canción del disco, y es posible que a pesar de tener el nombre del disco sea una los himnos del grupo. Comienza con un sonido muy apocalíptico con helicopteros de fondo, pero luego toma un tinte bastante rock muy al estilo de Oasis. Según cuenta Liam en el DVD del álbum recopilatorio Stop the clocks, la primera frase de "Morning glory"; "all your dreams are made, when you're chained to (your) mirror with (your) razor blade"; es la que más le gusta para empezar los conciertos y entrar en sintonía con el público. El álbum finaliza con la colosal "Champagne supernova", canción definida por los propios miembros de la banda como la mejor de su discografía. Dura 7:28 minutos, y comienza con el romper de las olas en la costa, un efecto muy relajante, y la guitarra de Noelque de a poco se va fusionando a la perfección con la tranquilidad que inspira el mar. Es un tema completamente psicodélico, y el videoclip no lo es menos, inspirado en John Lennon, Liam se deja barba y se pone las gafas de cristal redondo al más puro estilo Lennon. Oasis deleita a los oídos del que la escucha, con unas guitarras que se distorsionan cada vez más con el paso de los segundos y con un Liam cantando con su mejor voz. En el videoclip, los colores vivos que dan vueltas producen una sensación bastante agradable. (clickear aquí para ver el video) Se dice que "Champagne supernova" es en realidad la mezcla de fumar marihuana y beber champagne, y escuchando la psicodélica letra que supuestamente habla de la reencarnación, no es de extrañar.
"Champagne supernova"
¿Cuánta gente especial cambia? ¿Cuántas vidas se viven en forma extraña? Dónde estabas mientras estábamos elevándonos? Lentamente caminando por el pasadizo, más rápido que una bala de cañón... ¿Dónde estabas mientras estábamos elevándonos?
Algún día me encontrarás, capturado debajo del derrumbe, en una supernova de champaña en el cielo. Algún día me encontrarás capturado debajo del derrumbe, en una supernova de champagne, una supernova de champagne, en el cielo.
Despierto al alba y le pregunto por qué un soñador sueña que ella nunca muere. Quita esa lágrima de tu ojo ahora... Lentamente caminando por el pasadizo, más rápido que una bala de cañón... ¿Dónde estabas mientras estábamos elevándonos?
Algún día me encontrarás, capturado debajo del derrumbe, en una supernova de champagne en el cielo. Algún día me encontrarás, capturado debajo del derrumbe, en una supernova de champagne, una supernova de champagne.
Porque nosotros no entendemos que ellos van a irse para el verano, pero tú y yo nunca moriremos. El mundo sigue dando vueltas, y no sabemos por qué, por qué, por qué, por qué, por qué...
¿Cuánta gente especial cambia? ¿Cuántas vidas se viven en forma extraña? ¿Dónde estabas mientras estábamos elevándonos? Lentamente caminando por el pasadizo, más rápido que una bala de cañón... ¿Dónde estabas mientras estábamos elevándonos?
Algún día me encontrarás capturado debajo del derrumbe, en una supernova de champagne en el cielo. Algún día me encontrarás capturado debajo del derrumbe, en una supernova de champagne, una supernova de champaña.
Porque la gente no entiende que ellos van a irse para el verano, pero tú y yo nunca moriremos. El mundo sigue dando vueltas y no sabemos por qué, por qué, por qué, por qué, por qué...
¿Cuánta gente especial cambia? ¿Cuántas vidas se viven en forma extraña? ¿Dónde estabas mientras estábamos elevándonos, estábamos elevándonos... ?.
"Siento que crezco y que subo, y que me veo por dentro, y me toco y me reconozco, y a mi lado estoy yo que me hablo y me entiendo, y que ahora soy sueño, y me acerco y no muero." V.D.
