Los canguros volvieron con todo ...

Es sabido que en materia de rock an roll, todo ya fué inventado, basta repasar su historia y luego remitirnos a la actualidad para darnos cuenta que hace un par de décadas todo se viene reciclando, aveces con pequeñas variantes, detalles y/o elementos tecnológicos, pero lo cierto es que como dijo alguien, "la base está" :D . Por supuesto esto es materia opinable, nadie es el dueño de la verdad absoluta. Tampoco creo que el rock esté muerto, o en vías de extinción, porque es un negocio tan grande que difícilmente pueda desaparecer algún día, a menos que el apocalipsis tan mentado se produzca.
Entre los grupos que han surgido en la década en curso, "Wolfmother" ha decidido encarar seriamente el asunto y tomar las riendas del movimiento.
Este trío australiano de hard rock, originarios de Erskineville- Sydney, con Andrew Stockdale en voz y guitarra, Chris Ross en bajo, teclados y sintetizadores, y Myles Heskett en batería, apareció en escena en el año 2004 en eventos musicales como "Homebake" y el "Big Day Out", y ese mismo año editaron su primer EP homónimo con bastante éxito.
En 2005 partieron hacia Los Ángeles, y trabajaron junto al productor Dave Sardy (Red Hot Chili Peppers, Marilyn Manson, Oasis) para registrar su primer álbúm "Wolfmother", lanzado en octubre de ese mismo año.
Tal como decía al comienzo, la "crítica especializada" ha decidido catalogarlos como "retro-rock" ya que están muy influenciados por algunas bandas de rock de los setenta como, Led Zeppelin, Black Sabbath, y AC/DC, en menor medida, así como por otras bandas más actuales como The White Stripes, The Mars Volta, Soundgarden o Kyuss.
La realidad es que toman lo mejor del hard rock y heavy de los 60 y 70, le dan una vuelta de tuerca, incorporan una fuerte influencia de "Jack White", hasta el punto que la voz del cantante tiene un timbre de voz muy similar; yo diría una mezcla entre White y Cedric Bixler-Zabala de "The Mars Volta"; y engendran un discazo super efectivo que merece la pena ser escuchado, e incorporado a tu discografía.
Si te gustan los discos de metal explosivo, con riffs sucios y potentes, pura adrenalina, y algunas reminiscencias progresivas, psicodélicas, este cumple con todas esas expectativas.
Como dato adicional, podemos agregar que en 2006 editaron un nuevo EP llamado "Dimensions".
El primer video corresponde a uno de los singles editados, "Love train".

En segundo término, toda la potencia de "Woman", tema que aparece entre otros en el videojuego "Tony Hawk´s Project 8", en la parte del skater Bam Margera.

"Wolfmother" realizó varias canciones en los "MTV Movie Awards 2006". Este año actuaron en el "Azkena Rock Festival en Vitoria, España", compartiendo cartel con grandes como Pearl Jam e Iggy Pop.
También fueron teloneros buena parte de la gira europea de Pearl Jam.
Han participado en la banda sonora original de la tercera entrega de "Spiderman" con la canción "Pleased to meet you", y también en la banda sonora del juego "Need For Speed Carbon" con su cancion "Joker and the thief", que también aparece en "Shrek Tercero".

Pescado Rabioso - Todas las hojas son del viento

Cuida bien al niño
cuida bien su mente
dale el sol de enero
dale un vientre blanco
dale tibia leche de tu cuerpo.

Todas las hojas son del viento,
ya que él las mueve hasta en la muerte.
Todas las hojas son del viento,
menos la luz del sol.

Hoy que un hijo hiciste
cambia ya tu mente
cuídalo de drogas
nunca lo reprimas
dale el áurea misma de tu sexo.

Todas las hojas son del viento,
ya que él las mueve hasta en la muerte.
Todas las hojas son del viento,
menos la luz del sol.

En esta oportunidad quise recordar este hermoso tema, editado en el año 1973 en el disco "Artaud", aquel de la tapa "deforme" considerado por muchos el mejor del rock nacional.
Este disco que Luis Alberto Spinetta dedicara al poeta francés Antonín Artaud (1895-1948), apareció en un momento en que en la Argentina la palabra clave era "liberación".
Volvían la democracia y Juan Domingo Perón a escena, y el candidato del justicialismo Hector Cámpora prometía una "patria liberada".
Spinetta buscaba redimir el mensaje nihilista y el contagio de dolor que refleja la obra artaudiana.
"Yo creo mas en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor, que mediante la locura y el sufrimiento" declaró Luis en un momento.
Ahora, en estos tiempos que corren es considerado un ícono, y aquel "Artaud" que no quería ser solo un disco, sino un acto cultural liberador se ha convertido en un referente, con un aura de algo irrepetible, como una forma de hacer rock mas directa y más artística, más artesanal y menos masiva.
(fuente : revista Rolling Stone)



















"Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección, y el amarillo para la descomposición y la decadencia ?."
(Antonín Artaud , carta a Jean Paulhan, París, 1937)

Stairway to heaven

"Stairway to Heaven" es la mas famosa e influyente canción del grupo de rock británico Led Zeppelin, considerado por muchos como uno de los puntos culminantes de la historia del rock.
Es una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio de los EE.UU., fue grabada en su cuarto álbum y no se ha publicado nunca en single.
Esta canción se comenzó a componer durante las sesiones de grabación de "Led Zeppelin III", en Bron-Yr-Aur - Gales, pero fue terminada en Headley Grange - Hampshire, y finalmente grabada en Island Studios, Londres, en diciembre de 1970.
En la famosa revista "Guitar World", el solo de guitarra en "La menor" creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia.
Antes de publicarse "Led Zeppelin IV" , la banda interpretó "Stairway to Heaven" en público por primera vez en un concierto en el Ulster Hall de Belfast el 5 de marzo de 1971. Cuando terminaron de interpretarla, el público se quedó en silencio, y se dice que ante esta situación Robert Plant comentó a los demás integrantes del grupo: "creo que vamos a eliminar esta canción del disco".
Sin embargo, cuando Plant volvió a mirar al público, una atronadora ovación de gente enloquecida pidió que repitieran la canción.
A partir de esa fecha, Led Zeppelin tocó "Stairway to Heaven" en todos sus conciertos hasta el último que dieron en 1980 en Berlín - Alemania, y en esta ocasión se grabó la versión más larga.
Musicalmente, la canción tiene la forma de un conjunto multi-movimiento, con una introducción calma a base de guitarra acústica y un teclado con efecto de flauta, que gradualmente va cediéndole el paso a una sección intermedia eléctrica lenta, para finalizar con una parte vibrante que podemos llamar de rock duro.

El cuarto álbum de Led Zeppelin, que no tiene título oficial que pueda ser pronunciado o escrito como caracteres habituales de texto, es conocido por varios nombres distintos: "Zoso", "Led Zeppelin IV", "Runes", "Four Symbols", "Four", "Sticks" o incluso "Unnamed".
Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una mega-banda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 70, sólo por detrás de "The Wall", y en uno de los más vendidos de todos los tiempos.
Incluye temas como "Black Dog", "When the Levee Breaks", "Going to California","Rock n'roll", pero el más importante es sin duda "Stairway To Heaven", el cual todavía es considerado la pieza definitiva de esa década.
Fué el disco más vendido de la banda y actualmente está en la cuarta ubicación entre los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).
Desde luego este disco es legendario, casi mitológico, con una historia muy particular detrás de cada pequeño detalle.
Para aumentar aún más el misterio, en la funda también aparecían unos extraños símbolos únicos, que ahora sabemos que cada uno es algo así como una firma de cada uno de los integrantes de la banda.

El video, corresponde a la grabación realizada para el film "The song remains the same", durante uno de los tres conciertos brindados en el Madison Square Garden de New York , los días 27, 28, y 29 de julio de 1973.
Si no han tenido la oportunidad de ver la película, se las recomiendo ampliamente.

Vinicius de Moraes

Soneto
Esa mujer que se arroja fría
y lúbrica en los brazos, y a sus senos.
Me aprieta, me besa y balbucea
versos, rezos a Dios, votos obscenos.

Esa mujer, flor de melancolía
que ríe de mis pálidos recelos,
la única entre todas a quien di
caricias que jamás a otra daría.

Esa mujer que a cada amor proclama
la miseria y grandeza de quien ama
y feliz de mis dientes guarda huella.

¡Un mundo, esa mujer! Es una yegua
quizás, pero en el marco de una cama
nunca mujer alguna fue tan bella.




















Mujer al sol
Una mujer al sol es todo mi deseo,
viene del mar, desnuda, con los brazos en cruz
y la flor de los labios abierta para el beso
y en la piel refulgente el polen de la luz.

Una hermosa mujer, los senos en reposo
y caliente de sol, nada más se precisa.
El vientre terso, el pelo húmedo y una sonrisa
en la flor de los labios, abierta para el gozo.

Una mujer al sol sobre quien yo me arroje
y a quien beba y me muerda y con quien me lamente,
y que al someterse se enfurezca y solloce,

e intente rechazarme, y que al sentirme ausente
me busque nuevamente y se quede a dormir
cuando yo, apaciguado, me disponga a partir.

"Marcus Vinicius da Cruz de Melo Moraes"
( Rio de Janeiro - 19 de octubre de 1913 / 9 de julio de 1980)

Appetite for destruction

Entre miles de idas y vueltas con relación al largamente esperado álbum de lo nuevos "Guns N' Roses", "Chinese Democracy",(con Axl como único miembro original), que lleva casi diez años de preparación, y con fecha aún incierta de lanzamiento; se cumplieron veinte años de la edición de "Appetite for destruction", el emblemático disco debut de esta gran banda de hard rock ya convertida en leyenda.
Los "Guns N' Roses" nacieron en Los Angeles en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Tracii Guns e Izzy Stradlin, el bajista Duff Mc Kagan, y el baterista Rob Gardner.
El nombre derivaba de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los "L.A Guns" y los "Hollywood Rose".
"Hollywood Rose" fue la banda creada por Jeffrey Isabell (Izzy Stradlin) y William Rose (Axl Rose) después de dejar Lafayette, Indiana, y establecerse en Los Angeles.
Su primer concierto tuvo lugar el 26 de marzo de 1985 en el Troubador (Hollywood - California).
Posteriormente, siguieron con actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación, mientras vivían y ensayaban todos en una misma habitación.
Los sellos discográficos se empezaron a interesar en ellos y su primer manager oficial fue Vicky Hamilton, la cual los alojó en su apartamento y les consiguió actuaciones y dinero para un equipo decente.
Al tiempo, comenzaron a tener problemas ya que Hamilton les exigía mucho más dinero de lo que habían acordado cuando ella invirtió en el grupo, así que decidieron prescindir de la misma, quien un año más tarde les entabló un pleito reclamándoles un millón de dólares.
En oportunidad del primer concierto en Seattle, en el que Tracii y Robbie no asistieron, Duff llamó al guitarrista Slash y al baterista Steven Adler a quienes había conocido recientemente y quienes tocaban en una banda llamada "Road Crew" y les preguntó si querían tocar. Los dos aceptaron y la formación original del grupo quedó consolidada.
Sin manager y con amenazas legales sacaron un mini LP con su propio sello discográfico "Uzi-Suicide", titulado "Live?! a Like A Suicide", obteniendo un importante éxito.
En abril de 1986 Tom Zutaut, ejecutivo de la casa discográfica Geffen, escuchó un demo y decidió ficharlos para su compañía.
Los "Guns N' Roses" firmaron contrato el 26 de marzo de 1986 con Geffen Records, el sello discográfico de David Geffen un amigo de la familia de Slash. Alan Niven que había trabajado con Great White pasó a ser su nuevo manager.
El 16 de marzo de 1987 hicieron una actuación sorprendente en el Whiskey A Go-Go de Los Angeles donde tocaron temas del disco "Live!? a Like A Suicide".
Después realizaron una serie de conciertos en junio de 1987 en el Marquee Club de Londres visitando por primera vez Europa, pero no les fué demasiado bien.
Finalmente, graban su primer disco de estudio "Appetite for destruction", con producción e ingeniería de Mike Clink y mezclas de Steve Thompson y Michael Barbeiro.
El disco salió a la venta el 21 de julio de 1987, vendió 25 millones de copias en todo el mundo, 15 millones solo en Estados Unidos, tuvo tres canciones entre el Top 10 ("Welcome to the jungle", "Sweet child o'mine" y "Paradise city"), y alcanzó el número uno en las listas.
"Appetite for destruction" es uno de los discos debut más vendidos de la historia.
El nombre del mismo salió de una postal que descubrieron en una tienda, y la portada; en la que aparecía una joven sentada contra un muro, en evidente apariencia de haber sido recientemente violada y de ir bastante pasada de narcóticos, junto a un robot con gabardina (supuestamente autor de la violación) y un ser con puñales por dientes sobrevolando la escena; fue censurada a las dos semanas de ponerse el vinilo a la venta, siendo sustituida por la famosa cruz latina en la que aparecían las calaveras de los cinco componentes de la genial banda californiana.
No obstante, la portada original se incluyó en el interior de la carpeta del disco, junto con las letras, y en las páginas centrales del libreto en la edición en CD.
Hay quien dice que fue esta portada la que motivó la aparición del conocido sello blanquinegro, cuya leyenda "Parental Advisory/Explicit Content" adorna muchos de nuestros discos.
En primer término, les presento el video original de promoción de "Swett child o'mine"

Y seguidamente, otra de las canciones del Top 10 "Wellcome to the jungle".

Despedida y sollozos

Desde el fondo de ti, y arrodillado,
un niño triste, como yo, nos mira.
Por esa vida que arderá en sus venas
tendrían que amarrarse nuestras vidas.
Por esas manos, hijas de tus manos,
tendrían que matar las manos mías.
Por sus ojos abiertos en la tierra
veré en los tuyos lágrimas un día.

Yo no lo quiero, amada.
Para que nada nos amarre
que no nos una nada.
Ni la palabra que aromò tu boca,
ni lo que no dijeron las palabras.
Ni la fiesta de amor que no tuvimos,
ni tus sollozos junto a la ventana.

(Amo el amor de los marineros
que besan y se van.
Dejan una promesa.
No vuelven nunca más.
En cada puerto una mujer espera:
los marineros besan y se van.
Una noche se acuestan con la muerte
en el lecho del mar.

Amo el amor que se reparte
en besos, lecho y pan.
Amor que puede ser eterno
y puede ser fugaz.
Amor que quiere libertarse
para volver a amar.
Amor divinizado que se acerca.
Amor divinizado que se va.)

Ya no se encantarán mis ojos en tus ojos,
ya no se endulzará junto a ti mi dolor.
Pero hacia donde vaya llevaré tu mirada
y hacia donde camines llevarás mi dolor.
Fui tuyo, fuiste mía. Qué más? Juntos hicimos
un recodo en la ruta donde el amor pasò.
Fui tuyo, fuiste mía. Tú serás del que te ame,
del que corte en tu huerto lo que he sembrado yo.
Yo me voy. Estoy triste, pero siempre estoy triste.
Vengo desde tus brazos. No sé hacia dònde voy.
... Desde tu corazòn me dice adiòs un niño.
Y yo le digo adiòs.

"Farewell y los sollozos"
(Crepusculario - 1923)
Pablo Neruda

Música y Voz: Gian Franco Pagliaro
extraída de "A Pablo Neruda - Pequeña antología poética"