Frederic Chopin - Nocturno Opus 9 N° 2

El compositor polaco Frederic Chopin escribió a lo largo de su corta vida veintiún nocturnos para piano. Entre ellos se encuentran algunas de sus piezas más conocidas.
No se publicaron todos reunidos en un mismo conjunto de piezas, sino que pertenecen a varios números distintos de Opus y algunos incluso fueron editados póstumamente.
Los tres primeros nocturnos se encuadran en el Opus 9; los tres siguientes en el Opus 15; en el siguiente el Opus 27, hay sólo dos, igual que en los Opus 32, Opus 37, Opus 48, Opus 55 y Opus 62.
Además, hay un nocturno en el Opus póstumo 72, y hay otros dos nocturnos sin ningún número, uno en do sostenido menor y el otro en do menor.
En total, Chopin tardó en componer todos sus nocturnos un tiempo de unos quince años. Entre ellos no suman más de dos horas de música, aunque eso depende mucho de la interpretación que se les dé. Por tanto, tienen una duración media de algo más de cinco minutos.
El Nocturno Opus 9 N° 2 en mi bemol mayor, es muy conocido y presenta una forma de rondó, aunque la primera parte se repite de manera más ornamentada antes del comienzo de la segunda parte. Cada vez que se repite se vuelve a emplear ornamentación. Así, de esta manera, el nocturno tiene una forma A-A'-B-A'-B-A'-C.
El tempo indicado es un tranquilo andante, algo totalmente inusual al tratarse de un rondó.
El resultado es una melodía tierna y que da la sensación de fluir lentamente. La sección final, concretamente desde el penúltimo pentagrama, se debe tocar con un extraño senza tempo, es decir "sin tempo".

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War is over ?

"Feliz navidad Yoko.
Feliz navidad Julian.

Ya es navidad,
y ¿que has hecho?
Otro año se acaba,
y uno nuevo va a empezar.
Y ya es navidad,
espero que te diviertas,
el que está cerca y el querido,
el viejo y el jóven.

Y unas muy, muy felices navidades,
y un feliz año nuevo.
Dar esperanza es bueno,
sin ningún miedo.

Y ya es navidad,
para los débiles y los fuertes,
para los ricos y los pobres.
El mundo está tan mal repartido.

Y unas felices navidades,
al negro y al blanco,
al amarillo y a los rojos.
Que se paren todas las luchas.

La guerra ha terminado,
si tu lo quieres.
La guerra ha terminado ..."



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God

"God is a concept
by which we measure our pain.
I’ll say it again.
God is a concept
by which we measure our pain.

I don’t believe in magic
I don’t believe in I-ching
I don’t believe in bible
I don’t believe in tarot
I don’t believe in Hitler
I don’t believe in Jesus
I don’t believe in Kennedy
I don’t believe in Buddha
I don’t believe in Mantra
I don’t believe in Gita
I don’t believe in Yoga
I don’t believe in kings
I don’t believe in Elvis
I don’t believe in Zimmerman
I don’t believe in Beatles

I just believe in me.
Yoko and me,
and that’s reality.
The dream is over,
what can I say?
The dream is over.

Yesterday I was the dreamweaver,
but now I’m reborn.
I was the Walrus,
but now I’m John.
And so dear friends,
you’ll just have to carry on.
The dream is over".

















"Dios es un concepto
que usamos para entender la medida de nuestro dolor.
Lo diré otra vez.
Dios es un concepto
que usamos para entender la medida de nuestro dolor.

No creo en la magia
No creo en el I Ching
No creo en la biblia
No creo en el tarot
No creo en Hitler
No creo en Jesús
No creo en Kennedy
No creo en Buda
No creo en mantras
No creo en el Gita
No creo en el yoga
No creo en los reyes
No creo en Elvis
No creo en Zimmerman
No creo en los Beatles

Sólo creo en mí.
En Yoko y en mí,
esa es la realidad.
El sueño terminó,
¿qué puedo decir?
El sueño terminó.

Ayer yo fui el tejedor de sueños,
pero ahora he renacido.
Yo fui la morsa,
pero ahora soy John.
Y entonces, queridos amigos,
van a tener que soportarlo.
El sueño terminó".

La historia de "Blackbird"

Paul Mc Cartney escribió "Blackbird" en su granja de Escocia, y se inspiró al crearla como una reacción a las tensiones raciales que se intensificaban en los Estados Unidos en la primavera de 1968.
Poco después, una cálida noche de verano en Londres, se sentó junto a la ventana abierta de su cuarto de música en el piso superior, y cantó la canción acompañándose con guitarra acústica. Para los admiradores reunidos en la oscuridad del otro lado de los portones, el imprevisto concierto gratis fué uno de esos momentos mágicos que compensaba las horas de constante vigilia.

Paul: "La inspiración original provino de una pieza de Bach muy conocida cuyo título nunca supe, que con George habíamos aprendido a tocar de muy jóvenes; él la tocaba mejor que yo, en realidad.
Parte de la estructura es una cosa armónica particular entre la melodía y el bajo, que me intrigaba.
Bach siempre fué uno de nuestros compositores favoritos; sentíamos que teníamos mucho en común con él. Por alguna razón nos parecía que su música era muy similar a la nuestra, y nos enganchábamos con él con asombrosa rapidez.
También nos gustaban las anécdotas de cuando era organista de iglesia y tenía que tocar el mismo material todas las semanas, algo bastante similar a lo que hacíamos nosotros. Nos encantó enterarnos de eso.
Desarrollé la melodía en guitarra basándome en la pieza de Bach, y la llevé a otra parte, a otro nivel, y después le agregué la letra.
Aquellos eran tiempos del movimiento por los derechos civiles, de modo que ésta fué en realidad una canción que yo le cantaba a una mujer negra, que experimentaba estos problemas en los Estados Unidos: "Permíteme alentarte a seguir intentándolo, a mantener tu fe; hay esperanza". Como suele ocurrir con mis cosas, la disfracé un poco, así que en lugar de decir "mujer negra que vive en Little Rock" y ser muy específico, ella se convirtió en un pájaro, se volvió simbólica, de modo que pudieras aplicarlo a cualquier problema particular.
Ésta es una de mis temáticas básicas: tomar una canción triste y hacerla mejor, dejar que la canción te ayude. "Dar ánimo", es una buena manera de describirlo.
A través de los años he recibido montones de hermosas cartas de gente que me dice: "Esa canción me ayudó mucho en un período terrible de mi vida".
Creo que la dicha mas grande de haber sido músico, y haber formado parte de The Beatles, es la que sientes cuando te llegan esas cartas, y descubres que de veras has ayudado a la gente.
Esa es la magia de todo esto, ese es el prodigio, porque yo las escribí pensando a medias que podrían ayudar, pero en realidad me siento muy orgulloso cuando me doy cuenta de que han sido de verdadera importancia para muchos".

El sonido del mirlo (blackbird) en sí, que se escucha cantando de fondo, se extrajo de un disco de sonidos ornitológicos de los archivos de sonido de EMI.

Paul: "El mirlo hizo un muy buen trabajo. Canta muy bien en esa toma".

"Blackbird" se grabó el 11 de junio de 1968 en los estudios Abbey Road, con George Martin como productor y Geoff Emerick como ingeniero de sonido, y fué incluído en el famoso álbum doble The Beatles (1968), también conocido como "White Álbum".
Para la ocasión, Mc Cartney utilizó una guitarra acústica Martin D28.
Paul reveló en el programa Great Performances (Paul Mc Cartney: Chaos and Creation at Abbey Road) del canal PBS transmitido en 2006, que la guitarra que acompaña a "Blackbird" fue inspirada por "Bouree" en "mi menor" de Bach, una conocida pieza de guitarra clásica.


("Bouree" en "mi menor" de Bach)

En un principio se pensaba que el sonido que se escucha por el canal izquierdo en la canción, y que suena como un pié golpeando el suelo era el de un metrónomo mecánico, sin embargo luego se supo que era efectivamente Paul golpeando el suelo con el pie, y que el tempo fluctúa entre 89 y 94 bpm a lo largo de la canción.

(Fuente: "Paul Mc Cartney - Hace muchos años" / Barry Miles)


"Blackbird singing in the dead of night,
take these broken wings and learn to fly.
All your life
you were only waiting for this moment to arise.

Blackbird singing in the dead of night,
take these sunken eyes and learn to see.
All your life
you were only waiting for this moment to be free.

Blackbird fly, blackbird fly,
into the light of the dark black night.
Blackbird fly, blackbird fly,
into the light of the dark black night.

Blackbird singing in the dead of night
take these broken wings and learn to fly.
All your life
you were only waiting for this moment to arise,
you were only waiting for this moment to arise,
you were only waiting for this moment to arise".


"Mirlo que cantas en el silencio de la noche,
despliega esas alas rotas y aprende a volar.
Toda la vida
has esperado este momento para alzar vuelo.

Mirlo que cantas en el silencio de la noche,
abre esos ojos hundidos y aprende a ver.
Toda la vida
has esperado este momento para ser libre.

Vuela, mirlo, vuela,
en la luz de una noche oscura y negra.
Vuela, mirlo, vuela,
en la luz de una noche oscura y negra.

Mirlo que cantas en el silencio de la noche,
despliega esas alas rotas y aprende a volar.
Toda la vida
has esperado este momento para alzar vuelo,
has esperado este momento para alzar vuelo,
has esperado este momento para alzar vuelo".


("Blackbird" - Paul Mc Cartney - Live in Japan)
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Smoke on the water

La verdadera historia detrás de la canción es absolutamente verídica. El 7 de diciembre de 1971, en Montreux - Suiza, se produjo un incidente que dió paso a la creación de una de las canciones mas importantes, reconocidas y recordadas por la memoria de todos los amantes del rock.
Deep Purple se encontraba en esa ciudad, para grabar su nuevo disco.
La banda había alcanzado un gran renombre después de álbumes como "In Rock"(1970), y "Fireball"(1971). En ese entonces, el grupo alineaba su formación clásica e histórica denominada Mark I o Mk I, con Ritchie Blackmore en guitarras, Ian Paice en batería, Jon Lord en teclados, Roger Glover en bajo, y Ian Gillan como cantante.
Sonaban como demonios, pero no lograban trasladar la excitación del escenario al disco.
Su idea era grabar los temas que darían vida a "Machine Head"(1972), su obra de mayor éxito comercial, llamada a hacer historia, y que contiene varios de sus "himnos" mas conocidos, como "Highway star", "Pictures of home", "Lazy", y "Smoke on the water".

El Casino de Montreux a orillas del lago Ginebra, había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva placa.
La noche anterior a la grabación, Deep Purple había ido al lugar; enteramente construído en madera; a ver un show de Frank Zappa & The Mothers of Invention.
De pronto, alguien disparó una pistola de bengalas de esas que se usan en algunas misiones al aire libre para determinar una posición, y el techo del casino se prendió fuego convirtiendo el lugar en un infierno.
La gente comenzó desesperadamente a salir por las ventanas mientras Frank Zappa llamaba desde el escenario a conservar la calma.
Asi, todo el mundo fue evacuado y dos asistentes de Deep Purple atinaron a alejar la camioneta con el estudio móvil de grabación de los Rolling Stones, que tenían en el estacionamiento del lugar.
"Se quemó todo el casino, murió con un sonido espantoso, Funky Claude corría de aquí para allá, sacando chicos del suelo. Cuando todo terminó, tuvimos que buscar otro lugar".

"Funky Claude" era Claude Nobs, el operador de sonido que ayudó a salir a varios chicos desmayados por el humo. No hubo que lamentar víctimas, pero Zappa perdió todos sus equipos y Deep Purple debió cambiar de planes.
Primero fueron al teatro Pavilion donde solo pudieron grabar una canción, ya que los vecinos se quejaron por el ruido.
"La policía tenía un montón de patrulleros afuera y nos martillaban la puerta, pero no les queríamos abrir hasta que hubiéramos registrado la toma perfecta", recordó tiempo más tarde Blackmore.
Se trataba de una canción escrita de apuro y que no sabían si debían editar. "Teníamos miedo que por el título, la gente pensara que trataba sobre drogas".
Pero no, "Smoke on the water" se refería al incendio y al humo flotando sobre la superficie del lago Ginebra, explicó Roger Glover.
Finalmente, Deep Purple pudo alquilar el Grand Hotel Montreux, casi vacío en invierno. Había una sola inquilina, una anciana, y sorda para más datos.
Los amplios salones y las escaleras en espiral, sirvieron como cámara de eco natural. Un largo pasillo fue bloqueado y acondicionado con colchones, y roperos reacondicionados que funcionaron como parlantes naturales.
La canción era tan simple que casi queda fuera de "Machine head", disco que los posicionaría dentro de las bandas más importantes del rock inglés. Para el estilo de Deep Purple, la simpleza del riff no estaba acorde con sus arreglos sofisticados y con el aire progresivo siempre presente en sus temas.
Sin embargo, a último momento la banda decidió incluirlo como apertura del lado "B".
El resto es historia conocida, todo aquel que sepa usar un solo dedo en la guitarra puede tocar el riff de "Smoke on the water", que llegó al número 4 de los charts americanos y transformó a Deep Purple en uno de los grupos más grandes de su tiempo.
Del reflejo del fuego sobre el agua y las columnas de humo abriéndose hacia el cielo, surgió uno de los riffs más famosos de la historia del rock.

Salimos hacia Montreux
a orillas del Lago Ginebra
para grabar con una unidad móvil.
No disponíamos de mucho tiempo.
Frank Zappa y The Mothers
estaban en el mejor sitio,
pero algún estúpido con un lanzabengalas
hizo que ardiera el lugar hasta los cimientos.
Humo en el agua, fuego en el cielo...

Incendiaron el casino.
Se consumió con un ruido terrible.
Funky Claude entraba y salía corriendo
sacando fuera a los niños.
Cuando todo terminó
tuvimos que buscar otro sitio,
pero el tiempo en Suiza se agotaba.
Parecía que íbamos a perder la carrera.
Humo en el agua, fuego en el cielo...

Acabamos en el Gran Hotel.
Estaba vacío, frío y desamueblado,
pero con el camión de los Rolling Stones afuera.
Hacíamos ahí nuestra música.
Con unas pocas luces rojas y camas viejas,
conseguimos un lugar donde sudar.
No importa lo que saquemos de esto,
sé bien que nunca lo olvidaremos.
Humo en el agua, fuego en el cielo...

We all came out to Montreux,
On the Lake Geneva shoreline.
To make records with a mobile,
We didn't have much time.
But Frank Zappa and the Mothers,
Were at the best place around,
But some stupid with a flare gun,
Burned the place to the ground.
Smoke on the water, a fire in the sky.
Smoke on the water...

They burned down the gambling house,
It died with an awful sound.
(uh) Funky Claude was running in and out,
Pulling kids out the ground.
When it all was over,
We had to find another place.
But Swiss time was running out,
It seemed that we would lose the race.
Smoke on the water, a fire in the sky.
Smoke on the water...

We ended up at the Grand Hotel.
It was empty cold and bare.
But with the Rolling truck Stones thing just outside,
Making our music there.
With a few red lights, a few old beds,
We made a place to sweat.
No matter what we get out of this,
I know I know we'll never forget.
Smoke on the water, a fire in the sky.
Smoke on the water...

The Beatles - La verdad de Lucy

Ya sé que con este post no voy a descubrir nada nuevo, pero quizás algunos no conozcan la historia de esta hermosa canción de The Beatles, o tal vez la hayan recibido tergiversada. De todas maneras, para aquel que esté interesado, esta es la versión oficial contada por uno de sus autores.
"Lucy in the sky whith diamonds" fué una de las canciones del álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" que más rápido grabaron.
Demoraron un día en grabar las pistas de fondo, uno para sobregrabar los instrumentales y las voces, y un último día para mezclar.
Fué también una de las canciones mas controvertidas porque, algo que pasó inadvertido a los Beatles en ese momento; el título contenía las iniciales "LSD"; dió como resultado que se la prohibiera en muchas emisoras de radio del mundo.
Por cierto la canción hablaba del ácido, pero la referencia del título no fué intencional.

Paul: "Fuí a la casa de John en Weybridge. Cuando llegué tomamos una taza de té y el me dijo : "Mira que dibujo genial ha hecho Julian. ¡Mira el título!".
Me mostró un dibujo hecho en una hoja de papel escolar, un papel de doce por dieciocho centímetros, en el que se veía una nena con muchas estrellas, y en la parte de arriba tenía escrito, con una letra infantil muy prolija, creo que en lápiz: "Lucy in the sky with diamonds".
Así que le pregunté: "Que significa ?", y pensé: "Vaya, ¡qué título fantástico!".
Y John me respondió: "Es Lucy, una amiga de él, de la escuela. Y está en el cielo".
Julian había dibujado estrellas, y después le pareció que eran pequeños diamantes.
Eran estrellas infantiles; hay una manera de dibujarlas con dos triángulos, pero el decía que eran diamantes porque se las podía interpretar como diamantes o estrellas.
Y nos encantó y la nena estaba en el cielo, y a nosotros nos pareció algo similar a un "viaje". Así que subimos y nos pusimos a componerla.
Mas tarde la gente creyó que "Lucy in the sky with diamonds" quería decir "LSD".
Juro que no lo notamos cuando salió la canción ; la verdad, si quieres ser pedante tendría que ser "LITSWD", pero por supuesto "LSD" resultaba mucho mas conveniente".

Lo mas probable es que las letras del título las hubiera copiado en un cuaderno la maestra de Julian, ya que el tenía apenas cuatro años. El dibujo representaba a Lucy O'Donnell, la nenita que se sentaba con él en uno de los antiguos pupitres escolares de la escuela Heath House, una guardería infantil privada de Weybridge.
John dijo que las imágenes psicodélicas se las inspiró el capítulo "Lana y agua" de "A través del espejo", de Lewis Caroll, donde dice: "...descubrió que estaban en un pequeño bote, deslizándose entre orillas, de manera que no tenía mas remedio que hacer lo posible...".
También refleja las lánguidas y cambiantes imágenes del poema final incluído en el libro :

"Un bote, bajo un cielo soleado,
avanza soñoliento
en un anochecer de julio..."

Paul: "John tenía el título y la primera estrofa. Comenzaba muy tipo "Alicia en el país de las maravillas": "Picture yourself in a boat on a river..." (Imagínate en un bote, en un río). Es muy Alicia. Los dos habíamos leído los libros de Alicia y siempre nos referíamos a ellos, siempre estábamos hablando de "Jabberwocky", y en realidad conocíamos esos libros más que ningún otro.
Y cuando llegó la psicodelia, la calidad embriagadora de ese material resultó perfecta. Así que seguimos con eso. Me senté y la escribí con él. Yo propuse "cellophane flowers" (flores de celofán) y "newspaper taxis" (taxis de papel de diario), y John replicó con "kaleidoscope eyes" (ojos calidoscópicos).
Recuerdo qué era de quien porque intercambiábamos palabras, como hacíamos siempre.
Y en nuestra mente era algo de Alicia que a los dos nos encantaba".
(Fuente: "Paul Mc Cartney - Hace muchos años" (Barry Miles)

Tecnicamente la canción tiene un arreglo complejo, típico de las últimas composiciones de Lennon/McCartney.
La mayor parte de la canción está en compás de 3/4, excepto el estribillo, donde cambia a 4/4. Se dice que fue la primera canción rock escrita en dos compases diferentes.
Consiste en una melodía muy simple; rememorando una canción infantil; cantada por Lennon sobre un cada vez más complicado arreglo instrumental, que contiene un sitar tocado por George Harrison, y un órgano Hammond cuyo sonido fue alterado por Lennon y el productor George Martin.

Imaginate en una barca en un río
con mandarinos y cielos de mermelada.
Alguien te llama, respondes despacio,
una chica con ojos de caleidoscopio.

Flores de celofán amarillo y verde,
amontonándose sobre tu cabeza.
Buscas a la chica con el sol en los ojos
y se ha ido.

Estribillo
Lucy en el cielo con diamantes
Lucy en el cielo con diamantes
Lucy en el cielo con diamantes ah, ah

La sigues hasta un puente junto a una fuente,
donde gente con caballos de madera comen tartas de malvavisco.
Todos te sonríen mientras la deriva te lleva a través de las flores
que crecen increíblemente altas.

Taxis de papel de periódico aparecen en la orilla,
esperando recogerte.
Te subes detrás con tu cabeza en las nubes
y te has ido.

Estribillo

Imagínate en un tren en una estación
con porteros de plastilina que llevan corbatas que parecen de cristal.
De repente hay alguien allí en el torno,
la chica con los ojos de caleidoscopio.

Estribillo

Picture yourself in a boat on a river,
With tangerine trees and marmalade skies
Somebody calls you, you answer quite slowly,
A girl with kaleidoscope eyes.

Cellophane flowers of yellow and green,
Towering over your head.
Look for the girl with the sun in her eyes,
And she's gone.

Refrain
Lucy in the sky with diamonds
Lucy in the sky with diamonds
Lucy in the sky with diamonds
Ah... Ah...

Follow her down to a bridge by a fountain
Where rocking horse people eat marshmallow pies,
Everyone smiles as you drift past the flowers,
That grow so incredibly high.
Newspaper taxis appear on the shore,
Waiting to take you away.
Climb in the back with your head in the clouds,
And you're gone.

Refrain

Picture yourself on a train in a station,
With plasticine porters with looking glass ties,
Suddenly someone is there at the turnstile,
The girl with kaleidoscope eyes.

Refrain repeated and faded

Radiohead - Creep

"Creep" es el primer single (sin contar con el "Drill EP") lanzado por Radiohead, y uno de los temas incluídos en su álbum debut, "Pablo Honey" (1993).
Cuando se emitió por primera vez en septiembre de 1992, Radio 1 la encontró "demasiado depresiva", y la eliminaron de su repertorio despues de emitirla tan sólo dos veces. Aún así, se convirtió en el primer gran éxito de la banda.
Thom Yorke escribió el tema mientras estudiaba en la universidad de Exeter.
De acuerdo con sus declaraciones, cuenta la historia de un hombre ebrio que intenta llamar la atención de la mujer por la que se siente atraído, persiguiéndola por todas partes. Al final, pierde la confianza en si mismo para alcanzarla.
Cuando se le preguntó sobre "Creep" en 1993, Yorke declaró :"Tengo un gran problema, siendo un hombre en los 90... cualquier hombre con sensibilidad o conciencia hacia el sexo opuesto tendría un problema.
Imponerte en un modo masculino sin parecer que estás en una banda de rock duro es, de hecho, una cosa muy difícil de hacer... Se trata de la música que hacemos, que no es afeminada, pero tampoco brutal en su arrogancia. Es una de las cosas que siempre estoy intentando: Confirmar una imágen sexual y por el otro lado negarla".
El tema ha sido lanzado en varias ocasiones, con distintas versiones, puesto que el original contiene la frase "you're so fucking special" (eres tan jodidamente especial); una versión para la radio que cambia esta frase por "you're so very special" (eres tan especial) aparece en varias compilaciones y es una pista extra en la versión americana de "Pablo Honey".
Aparentemente, Yorke ha dicho que la banda estuvo disgustada con esta versión, que ha conducido a la canción a perder su ira.
Otra versión de "Creep" lanzada como cara B incluye una actuación del club "The Town & Country" de Londres del 14 de Marzo de 1993 (también en la versión japonesa del álbum), y una versión acústica interpretada sólo por Yorke para la KROQ en Los Angeles el 13 de julio de 1993, con la versión censurada de la letra, que ha sido también incluida en los EPs "Itch" y "My Iron Lung" en varios paises.
La canción es mundialmente conocida por los tres acordes muertos de guitarra que preceden el estribillo.
Durante las primeras sesiones de ensayo de la canción, Jonny Greenwood estaba aparentemente harto de la lentitud y paz de la canción e intentó sabotearla al insertarle ese ruido. Ed O'Brian dijo "Ese es el sonido de Jonny intentando joder la canción... A él realmente no le gustó la primera vez que la tocamos, e intentó arruinarla. Y eso hizo la canción".
Seguidamente les presento una excelente versión en vivo.

Como dato realmente curioso, podemos decir que la canción es similar al tema de 1974 "The Air That I Breathe" escrito por Albert Hammond y Mike Hazelwood y popularizado por "The Hollies". La canción tiene una voz de bajo casi identica, y los versos tienen la misma estructura de acordes y una melodia similar.
Como resultado, en los créditos se incluye a Hammond y Hazelwood además de los cinco miembros de Radiohead.
Si quieren comparar, aquí tienen el video del tema original en cuestión "The Air That I Breathe".

Hoy, hace 67 años nacía un grande

Mother, you had me, but I never had you
I wanted you, you didn't want me
So I, I just got to tell you
Goodbye, goodbye

Father, you left me, but I never left you
I needed you, you didn't need me
So I, I just got to tell you
Goodbye, goodbye

Children, don't do what I have done
I couldn't walk and I tried to run
So I, I just got to tell you
Goodbye, goodbye

Mama don't go
Daddy come home

Pescado Rabioso - Todas las hojas son del viento

Cuida bien al niño
cuida bien su mente
dale el sol de enero
dale un vientre blanco
dale tibia leche de tu cuerpo.

Todas las hojas son del viento,
ya que él las mueve hasta en la muerte.
Todas las hojas son del viento,
menos la luz del sol.

Hoy que un hijo hiciste
cambia ya tu mente
cuídalo de drogas
nunca lo reprimas
dale el áurea misma de tu sexo.

Todas las hojas son del viento,
ya que él las mueve hasta en la muerte.
Todas las hojas son del viento,
menos la luz del sol.

En esta oportunidad quise recordar este hermoso tema, editado en el año 1973 en el disco "Artaud", aquel de la tapa "deforme" considerado por muchos el mejor del rock nacional.
Este disco que Luis Alberto Spinetta dedicara al poeta francés Antonín Artaud (1895-1948), apareció en un momento en que en la Argentina la palabra clave era "liberación".
Volvían la democracia y Juan Domingo Perón a escena, y el candidato del justicialismo Hector Cámpora prometía una "patria liberada".
Spinetta buscaba redimir el mensaje nihilista y el contagio de dolor que refleja la obra artaudiana.
"Yo creo mas en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor, que mediante la locura y el sufrimiento" declaró Luis en un momento.
Ahora, en estos tiempos que corren es considerado un ícono, y aquel "Artaud" que no quería ser solo un disco, sino un acto cultural liberador se ha convertido en un referente, con un aura de algo irrepetible, como una forma de hacer rock mas directa y más artística, más artesanal y menos masiva.
(fuente : revista Rolling Stone)



















"Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección, y el amarillo para la descomposición y la decadencia ?."
(Antonín Artaud , carta a Jean Paulhan, París, 1937)

Appetite for destruction

Entre miles de idas y vueltas con relación al largamente esperado álbum de lo nuevos "Guns N' Roses", "Chinese Democracy",(con Axl como único miembro original), que lleva casi diez años de preparación, y con fecha aún incierta de lanzamiento; se cumplieron veinte años de la edición de "Appetite for destruction", el emblemático disco debut de esta gran banda de hard rock ya convertida en leyenda.
Los "Guns N' Roses" nacieron en Los Angeles en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Tracii Guns e Izzy Stradlin, el bajista Duff Mc Kagan, y el baterista Rob Gardner.
El nombre derivaba de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los "L.A Guns" y los "Hollywood Rose".
"Hollywood Rose" fue la banda creada por Jeffrey Isabell (Izzy Stradlin) y William Rose (Axl Rose) después de dejar Lafayette, Indiana, y establecerse en Los Angeles.
Su primer concierto tuvo lugar el 26 de marzo de 1985 en el Troubador (Hollywood - California).
Posteriormente, siguieron con actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación, mientras vivían y ensayaban todos en una misma habitación.
Los sellos discográficos se empezaron a interesar en ellos y su primer manager oficial fue Vicky Hamilton, la cual los alojó en su apartamento y les consiguió actuaciones y dinero para un equipo decente.
Al tiempo, comenzaron a tener problemas ya que Hamilton les exigía mucho más dinero de lo que habían acordado cuando ella invirtió en el grupo, así que decidieron prescindir de la misma, quien un año más tarde les entabló un pleito reclamándoles un millón de dólares.
En oportunidad del primer concierto en Seattle, en el que Tracii y Robbie no asistieron, Duff llamó al guitarrista Slash y al baterista Steven Adler a quienes había conocido recientemente y quienes tocaban en una banda llamada "Road Crew" y les preguntó si querían tocar. Los dos aceptaron y la formación original del grupo quedó consolidada.
Sin manager y con amenazas legales sacaron un mini LP con su propio sello discográfico "Uzi-Suicide", titulado "Live?! a Like A Suicide", obteniendo un importante éxito.
En abril de 1986 Tom Zutaut, ejecutivo de la casa discográfica Geffen, escuchó un demo y decidió ficharlos para su compañía.
Los "Guns N' Roses" firmaron contrato el 26 de marzo de 1986 con Geffen Records, el sello discográfico de David Geffen un amigo de la familia de Slash. Alan Niven que había trabajado con Great White pasó a ser su nuevo manager.
El 16 de marzo de 1987 hicieron una actuación sorprendente en el Whiskey A Go-Go de Los Angeles donde tocaron temas del disco "Live!? a Like A Suicide".
Después realizaron una serie de conciertos en junio de 1987 en el Marquee Club de Londres visitando por primera vez Europa, pero no les fué demasiado bien.
Finalmente, graban su primer disco de estudio "Appetite for destruction", con producción e ingeniería de Mike Clink y mezclas de Steve Thompson y Michael Barbeiro.
El disco salió a la venta el 21 de julio de 1987, vendió 25 millones de copias en todo el mundo, 15 millones solo en Estados Unidos, tuvo tres canciones entre el Top 10 ("Welcome to the jungle", "Sweet child o'mine" y "Paradise city"), y alcanzó el número uno en las listas.
"Appetite for destruction" es uno de los discos debut más vendidos de la historia.
El nombre del mismo salió de una postal que descubrieron en una tienda, y la portada; en la que aparecía una joven sentada contra un muro, en evidente apariencia de haber sido recientemente violada y de ir bastante pasada de narcóticos, junto a un robot con gabardina (supuestamente autor de la violación) y un ser con puñales por dientes sobrevolando la escena; fue censurada a las dos semanas de ponerse el vinilo a la venta, siendo sustituida por la famosa cruz latina en la que aparecían las calaveras de los cinco componentes de la genial banda californiana.
No obstante, la portada original se incluyó en el interior de la carpeta del disco, junto con las letras, y en las páginas centrales del libreto en la edición en CD.
Hay quien dice que fue esta portada la que motivó la aparición del conocido sello blanquinegro, cuya leyenda "Parental Advisory/Explicit Content" adorna muchos de nuestros discos.
En primer término, les presento el video original de promoción de "Swett child o'mine"

Y seguidamente, otra de las canciones del Top 10 "Wellcome to the jungle".

The Beatles - The long and winding road

The long and winding road
That leads to your door
Will never disappear
I´ve seen that road before
It always leads me here
leads me to your door

The wild and windy night
That the rain washed away
Has left a pool of tears
Crying for the day
Why leave me standing here
Let me know the way

Many times I´ve been alone
And many times I´ve cried
Anyway you´ll never know
The many ways I´ve tried
But still they lead me back
To the long and winding road
You left me waiting here
A long long time ago
Don´t leave me standing here
Lead me to you door




El largo y tortuoso camino
Que conduce a tu puerta
Nunca desaparecerá
Ya he visto ese camino antes
Siempre me trae aquí
Me conduce a tu puerta

La noche de viento y tormenta
Que la lluvia se llevó
Ha dejado un charco de lágrimas
Llorando por el día
¿Por qué me dejas plantado aquí?
Muéstrame el camino

Muchas veces he estado solo
Y muchas veces he llorado
De cualquier forma tú nunca sabrás
La cantidad de caminos que he intentado tomar
Pero a pesar de todo, ellos me devuelven
Al largo y tortuoso camino
Tú me dejaste plantado aquí
Hace mucho, mucho tiempo
No me dejes aquí esperando
Llévame a tu puerta

Aerosmith - Pink

Hoy les dejo un excelente video que habrán visto un montón de veces, pero que nunca está de más recordar. Pertenece al cd ¨Nine lives¨ del año 1997, un muy buen disco que tuvo que cargar con el peso de ser el sucesor del multipremiado ¨Get a grip¨.



Particularmente, prefiero el Aerosmith de la primera época, aquellos discos de la década del 70 que no estaban poblados de tantas baladas pop para quinceañeras.
Pero bueno, el surgimiento de MTV y todo su aparato publicitario, los motivó a elegir entre el negocio o la calidad musical.
De todas maneras, debo reconocer que el video es muy creativo con ese desfile de personajes, algunos con la cara de los integrantes de la banda.

Rod Stewart - Hot legs

!!Ja,ja,ja,ja, buenísimo este video, noten al comienzo el camión trasladando a todos los trolos de la VP Blogger Band, ja,jajaj !!!
Hablando en serio, señores aguante el viejo Rod, en esa época 1977 jovencísimo, y retrolazo con el jardinero rojo, pero un ídolo total, treinta años después sigue llenándose de guita sacando un disco por año. Le encontró la vuelta a la música melódica y con su maravillosa voz aguardentosa es un capo.



El tema ¨Hot legs¨, lo elegí el año pasado para una muestra de alumnos que se presentó en el bar ¨Notorious¨, y salió muy bien, estuve ensayando como tres meses, ya que tiene un solo de guitarra inicial tan bueno como jodido, al menos para mi.
Elijan ustedes de que perra serían las ¨piernas sugestivas o calientes¨ que aparecen en el video.

Red Hot Chili Peppers - Scar tissue

Lunes, con pocas ganas, busqué y busqué, y me decidí por este video de "Californication" , mi disco preferido de los Peppers.
El que marcó el regreso de John Frusciante a la banda, luego de un oscuro período de drogas. Se notaba su ausencia. Si bien el cd "One hot minute" que grabaron con la guitarra de Dave Navarro no es malo, Frusciante le da un toque especial a la banda, es uno de los jóvenes guitarristas con mas potencia, tiene un estilo muy hendrixiano.



Scar tissue, estás entre los temas que mas me gustan del disco, es muy melódico, y ese toque de "slide" que tiene en un pasaje le da un sentimiento especial.
Me encanta la sensación de libertad que tiene el video, filmado en un paisaje tan árido, los pelos al viento y ese hermoso atardecer.

Motley Crue - Girls, girls, girls.

Ja, ja, ja, ja, este video habla por si solo. !! Perras, perras, perras !!!

Sledgehammer - Peter Gabriel

Señoras y señores, un clásico en el recuerdo, dedicado a CCDSY mi ¨padrino bloggero¨, a quien le encantan las animaciones aunque esta no sea de plastilina, y a la dama ¨turística¨ a la que le gusta Don Peter. Un gran video por cierto que hacía rato que no veía.

The Beatles - Something · Eric Clapton - Layla

Primera entrada, todo un drama, cuesta viejo. Si miran estos dos videos verán que tienen un punto en común. Espero que les gusten.