Amy Winehouse

Amy Jade Winehouse nacida el 14 de septiembre de 1983 en Enfield (Londres), Reino Unido es una cantante y compositora británica de jazz y soul, cuyo álbum debut, "Frank" (2003), fue nominado a los premios "Mercury Music" y ganó un "Ivor Novello Award" en 2004 por su single "Stronger than me".
En 2006, editó su segundo álbum, "Back to black", y el 14 de febrero de 2007 ganó un Brit Award en la categoría de "Mejor Artista Británica".
En junio de 2007, Winehouse fué nuevamente nominada a los Mercury por "Back to black", álbum que ha alcanzado el platino en Estados Unidos. Y como broche de oro consiguió tres nominaciones a los "MTV Video Music Awards" de 2007. Ese mismo año en noviembre lanzó "Back To black" (Deluxe Edition), reedición de su exitoso disco, y su primer DVD titulado "Told You I Was Trouble".

"You know i'm no good"

El 10 de febrero del 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los premios "Grammy 2008", en que Amy resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: "Mejor artista nuevo", "Grabación del año", "Canción del año", "Mejor interpretación femenina de pop" por "Rehab", además de "Mejor álbum pop vocal" por "Back to black", pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que Estados Unidos le negó el visado, por lo que lo tuvo que ver la ceremonia de entrega en su casa en Londres.
La artista de 24 años, completó su "presencia" en la velada con una actuación vía satélite, en la que abordó dos de sus canciones más exitosas.

"Back to black"

Winehouse nació en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz, Se crió en los suburbios de Southgate, al norte de Londres, y fue al colegio Ashmole School.
Con solo diez años, fundó una banda de rap llamada "Sweet 'n' Sour", describiendo esta aventura como "los pequeños salt 'n' pepa judíos".
Acudió a la escuela de teatro Sylvia Young Theatre School a los 12 años, pero fue expulsada a los 13 por "no aplicarse" y hacerse un piercing en la nariz.
Más tarde fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon.
Creció escuchando distintos tipos de música desde salt 'n' pepa, a Sarah Vaughan, y le regalaron su primera guitarra a los 13 años. Como dato curioso, solía actuar en directo en pequeños pubs de Londres, por la zona del famoso mercado de Camden.
Su amigo el cantante Tyler James, le dió su demo a un productor, comenzando su carrera profesional a los 16 años, firmando su primer contrato con la discográfica Island/Universal.

"Back to black" tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la "motown-era R&B".
La revista Rolling Stone dijo que en este álbum Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop.
La revista anglosajona "People" afirmó que "Back to black" es un disco mejor cada vez que lo escuchamos. "The New Statesmen" remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como "un impresionante trabajo de soul".
Según varias revistas y artículos de opinión de muchos críticos musicales de renombre, se ha catalogado a Amy como "la mayor representante del soul moderno".
De hecho, muchas de estas críticas de opinión han despertado curiosidad debido a que se ha señalado que cadenas de televisión musical como MTV, solo pasan videos de soul en los que figura la cantante Amy Winehouse.
Esto no es del todo cierto, pero si algo cabe destacar, es que al menos en la cadena MTV Latinoamerica, la única cantante de soul-pop cuyos videos han visto la luz es Amy.

"Love is a losing game"

La cantante ha aparecido recientemente en los tabloides británicos en situaciones polémicas vinculadas con el consumo de drogas. Ha sido relacionada con problemas de adicción a las drogas y el alcohol.
El escándalo explotó cuando dieron públicamente la noticia de que su marido Blake Fielder había sido encarcelado. Ante esta noticia, le sucedió otra en la que se anunciaba que Amy había decidido que si no dejaban a su esposo en libertad, ella se suicidaría.
Actualmente, se encuentra en rehabilitación por su adicción a las drogas y anorexia nerviosa, y su entrada al centro se produjo después que el periodico "The Sun" publicara un video de la cantante consumiendo diversas drogas.
Al ser una de las voces de habla inglesa más impactantes en la actualidad, y por tener una capacidad para interpretar canciones con el estilo propio del soul, muchos cantantes le han expresado su apoyo. Recientemente afirmó que ha dejado el consumo de drogas y alcohol y ha participado en diversas campañas.

Patti Smith

Patricia Lee, mas conocida como "Patti" Smith, cantante y poetisa norteamericana, nació en Chicago el 30 de diciembre de 1946, y saltó a la fama impactando al mundo durante el auge del movimiento punk, con su disco debut Horses(1975).
Llamada "la poetisa laureada del punk rock", trajo un punto de vista feminista e intelectual a la musica punk de New York, y se convirtió en una de las artistas más influyentes dentro de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat y rompiendo los esquemas de una simple cantante.
Sus alusiones introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafiaron a la "era Disco".

Seguidamente, se reproducen algunos fragmentos de una entrevista realizada en Londres, y extraída de "ELPAIS.COM" de España, con motivo del lanzamiento de su último álbum "Twelve".

Sinceramente la misma no tiene desperdicios y la pinta a Patti de cuerpo entero.

Un tótem del rock, ahora ha vuelto tan crítica como siempre, o casi, con "Twelve", un disco de 12 temas para oponerse a la era del miedo "made in Bush".
Ésta no es la inflamada Patti Smith de los setenta, en los últimos tiempos ha depurado su imagen, eliminando aspectos polémicos.
Por ejemplo, se negó a participar en "Por favor, mátame", la historia coral del punk rock de Nueva York ; traducida incompleta en 1996, se ha reeditado íntegra a través de Discos Crudos.
Tal vez eso explique que en el libro sea tratada como una arribista y, ¿con cierta admiración?, como infalible seductora de chicos guapos, de Tom Verlaine a Jim Carroll.

¿Ha leído "Por favor, mátame"?

No tengo mucha simpatía por ese libro. Conozco a los autores (Legs McNeil y Gillian McCain) e imaginé que no estaban interesados en una historia cultural del downtown neoyorquino. Se han conformado con una crónica de sexo y drogas.
Es correcto, todo eso ocurría. Finalmente, me parece triste. Es como si hicieras una historia del París artístico y sólo contaras cuántas mujeres se llevó a la cama Picasso o lo que tomaba Modigliani.

¿Tenía conciencia de que aquellos años eran una edad de oro del rock?

No, eso se piensa retrospectivamente. Me parece más impresionante haber conocido el Chelsea Hotel en 1969. Allí te cruzabas con Janis Joplin, Jimi Hendrix, Allen Ginsberg, William Burroughs, Leonard Cohen, Sam Sheppard y yo éramos los recién llegados, con ojos muy abiertos.
Pero todos los escritores beat estaban en activo y funcionaban como guías espirituales. Puede que esa cadena se rompiera con los punkis, que no reconocían fácilmente predecesores fuera del rock de garaje.
La excepción fue The Clash, donde había vocación política y una enorme cultura musical.

¿En qué se diferenciaba su planteamiento creativo del de, digamos, The Ramones?

Eran críos de barrio, no muy diferentes de lo que yo misma era a mediados de los sesenta. Ellos con mucha más energía, desde luego.
Pero en 1975 ya llevaba bastante tiempo en Manhattan, en un ambiente muy artístico. Tenía casi treinta años cuando saqué mi primer álbum. No tomaba drogas, no bebía, no aceptaba el nihilismo.
Para mí, el rock and roll no era un fin en sí mismo: era un medio para transmitir belleza, trascendencia, visiones.

Usted articulaba un rechazo de las religiones organizadas.
"Gloria" comenzaba con una declaración demoledora: "Jesucristo murió por los pecados de alguien, pero no por los míos".

Oh!!, por favor !!. Eso era parte de un poema que escribí en 1970. No podía imaginarme que, casi cuarenta años después, tuviera que seguir definiéndome por esos versos.
Ahora lo expresaría de otra manera, no quisiera ofender las creencias de los cristianos o la memoria de Jesucristo. Más que un rechazo de las religiones, era una proclama personal, una afirmación del deseo de crearme una vida fuera de las expectativas que nos legaron nuestros mayores.

Me da la sensación de que ahora pretende limar sus aristas. Imagino que me dirá que, para usted, "White rabbit", de The Jefferson Airplane, ya no tiene connotaciones psicodélicas.

Si se le quita las evocaciones hippies, es un trozo de "Alicia en el país de las maravillas".
Yo no estoy en contra de las drogas, pueden ser instrumentos valiosos para el conocimiento del mundo y de nosotros mismos. Lo que no soporto es el uso recreativo de sustancias peligrosas, hemos perdido el respeto por sus poderes.
Las drogas son sacramentos y deben ser tomadas como parte de rituales sagrados, igual que en la antigüedad o en las tribus indias.
De todas formas, he cantado "White rabbit" como reconocimiento a Grace Slick.
En Jefferson Airplane, ella saltaba las fronteras de su sexo. Antes había grandes cantantes femeninas que expresaban sufrimiento o sexualidad. Pero Grace entraba en territorio masculino con gran naturalidad. Recuerdo haber pensado: "Hmmmm, esto es interesante".

Ya que lo menciona, usted también rompía esquemas sexuales.
Aparte de su imagen andrógina, también hacía canciones lesbianas, tanto en su primer disco, "Horses", como en las letras que escribía para Blue Öyster Cult. Es una temática que luego abandonó, pero que ha sido reivindicada por muchas rockeras militantes.

Era una forma de provocación. Actuábamos en New York, y el problema principal consistía en sacar al público de su impavidez cool.
En realidad, no merezco ser modelo de las riot girls y movimientos similares, soy aburridamente heterosexual.

No está exagerando su normalidad. En 1980, sin siquiera una gira de despedida, Patti abandonó el mundo del rock.
Se casó con Fred Sonic Smith, guitarrista de una banda antaño revolucionaria, MC5, y se retiraron a vivir anónimamente en Detroit, urbe en decadencia industrial.
Durante 15 años no se supo prácticamente nada de ella. Precisemos, sí, sacó un disco "Dream of life"(1988), pero era tan convencional en mensajes y sonidos que apenas parecía conectar con el pasado del matrimonio.

Cuesta pensar que no había un plan maestro en su retiro a Detroit.

[Risa sarcástica]. Sí, el plan maestro era formar una familia. Me pareció más importante que mantener la fantasía de ser una estrella del rock and roll. Había vivido todo lo que me podía ofrecer la música. Empecé recitando con un guitarrista, en pequeñas librerías del downtown, y terminé actuando en grandes estadios.
Tener dos hijos me resultó mucho más estimulante que lograr discos de platino.
¡No fue un sacrificio! Bueno, sí en algunos aspectos; no teníamos mucho dinero; no teníamos asistentes o chofer.

Quiero decir, había probado otras formas de expresión antes de llegar al rock; poesía, pintura, periodismo, teatro. Pero lo dejó de la noche a la mañana.

Eso es inexacto. En Detroit mejoré mi técnica con la voz, la guitarra, el clarinete. Fred también me impulsó a componer sin ideas preconcebidas. No dejé el rock. Esencialmente, el rock es expresión, no un estilo de vida estereotipado.
Puedes hacer rock sin salir del sótano de tu casa. Fred y yo éramos dos ciudadanos más, con un pasado interesante, pero con vidas tranquilas.

De golpe, el castillo se derrumbó. Fallecieron su amante (el fotógrafo Robert Mapplethorpe), su teclista (Richard Sohl), su marido y su hermano Todd.
Tras pasar por tratamiento psicológico, hizo las maletas y se volvió a instalar en New York, donde retomó la carrera musical.

¿Cómo se sintió al regresar a su ciudad adoptiva?

Decepcionada. El alcalde Giuliani estaba convirtiendo Manhattan en un parque temático para turistas. Económicamente, estaba echando a los artistas fuera de la isla.
Ahora, en Manhattan sólo pueden vivir decentemente los millonarios. Y les gusta presumir de que son los amos. Creo que una ciudad creativa necesita la convivencia de todas las clases, como en Europa.

De todos modos, la ciudad la recibió como una hija pródiga.
El pasado año le correspondió el honor de ofrecer la última actuación en el CBGB, el antro que acogió a la insurrección punk.
En tres horas y media repasó su repertorio clásico, recordó a la quinta del imperdible y hasta tocó canciones de su próximo disco.

¿Cómo confeccionó la lista de las canciones que terminaron en "Twelve"?

Cuando intentas hacer un disco de versiones, quieres cubrir diferentes necesidades. Rendir tributo a tus maestros, desde luego, y situarte respecto a ellos. En mi caso, también quería tratar del presente, que es la guerra de Irak.
Luego, están las coincidencias. Yo suelo soñar con canciones. Una noche soñé que estaba escuchando a los Doors tocando "Soul kitchen".
Al día siguiente me crucé con un camión enorme y en la cabina estaba sonando "Soul kitchen".
Durante una semana la escuché en muchos lugares. Así que miré hacia arriba y dije: "De acuerdo, Jim Morrison, ya entiendo tu sugerencia".

Es curioso, en "Por favor, mátame" se habla del punk rock como algo que pretendía acabar con las canciones de Paul Simon y ese civilizado pop que parece pensado para lectores de "The New Yorker" y espectadores de Woody Allen. Y aquí llega usted con un tema de Paul Simon, "The boy in the bubble"?.

Yo quería iluminar el momento que vivimos. Esa canción habla del terrorismo, de la vigilancia con cámaras, de amenazas que creíamos propias de otros países y que ahora sufrimos en nuestras carnes.

Para usted, las letras son decisivas, ¿verdad?

Son un espejo que refleja nuestro tiempo. Por su gran poder sintético, su capacidad de evocación. En realidad, "Twelve" se centra en las letras.
Bastantes de esas canciones tenían originalmente mucha producción, un sonido tan embriagador que no apreciabas su mensaje; he quitado capas de música para quedarme con el núcleo.
"Within you, without you", de los Beatles, estaba tan llena de aromas orientales que ahora puedes oírla como una pieza de época, huele a incienso.
Si lo tocas con los mínimos instrumentos, como hemos hecho nosotros, descubres que George Harrison decía cosas hermosas sobre el poder redentor del amor.

("Within you without you)

Su disco comienza con "Are you experienced ?", un tema poco interpretado de Jimi Hendrix, un Hendrix hasta reflexivo.

Le conocí fuera del escenario y no se parecía en nada al Hendrix salvaje de la leyenda. Era tímido y con una gran curiosidad intelectual, le interesaba cultivarse, preguntaba por poetas sin acomplejarse.
Tenía ideas estéticamente revolucionarias, hablaba de juntar músicos de diferentes lugares para crear una "Orquesta del Mundo".
Había revolucionado la guitarra eléctrica y creo que buscaba una nueva misión, quería crear un esperanto musical.

Recupera uno de los himnos generacionales de los Rolling Stones, "Gimme shelter".

Es una canción tan arrolladora, tan buena para bailar, que quizá olvidamos que ofrece opciones. Canta Mick Jagger: "La guerra está a un tiro de distancia". Pero también dice lo de "el amor está a la distancia de un beso".
Puedes usar un arma para matar a alguien, pero también puedes abrazar a alguien.
Es una forma muy simple, pero muy poderosa, para recordar nuestras posibilidades. La letra comienza de forma ominosa; cuando la canto se me vienen a la cabeza fragmentos del Guernica, de Picasso.
Es un cuadro que me obsesiona. Lo veía regularmente cuando estaba en New York y no dejo de visitarlo cuando paso por Madrid.

("Gimme shelter")

No podía faltar un tema de Bob Dylan, ¿verdad?

Creo que no hay nadie que me haya influido tanto, desde la forma de vestir hasta las técnicas para componer. Además, Bob me ayudó cuando volví a actuar, en 1995.
Me sacó de gira en un momento muy duro. Y cada noche me besaba en el escenario.
Me faltan las palabras para describir mi agradecimiento. A veces me trata como un padre a una hija. Y debo recordárselo: "Bob, sólo me llevas dos años".

¿Tiene una teoría respecto a ese ritmo infernal de Dylan? Se tira casi todo el año girando, y no es por necesidades financieras.

Creo que es lo que justifica su vida. Es un hombre muy reservado, no está en su naturaleza el ir a fiestas o a conciertos. Su forma de conectar con el mundo consiste en actuar. Es un trovador y debe poner en práctica su oficio.

Bruce Springsteen es la notable ausencia entre los autores de "Twelve".
El mayor éxito comercial de Patti fue "Because the night", una apasionada composición de Bruce que ella adaptó.
Aquello ocurrió en 1978, la primera vez que una pieza de Springsteen llegaba a la zona alta de las listas. Dado que ambos venían de New Jersey, se les atribuyó una similitud en trayectorias que ella hoy niega.

Sólo coincidimos en New York, no en New Jersey. Él es del norte del Estado, yo soy del sur, que tira hacia lo rural. Creo que su familia era católica, mientras en la mía eran testigos de Jehová.
Dos mundos diferentes. Me ocurre lo mismo cuando veo "Los Soprano", que se supone que también transcurre en New Jersey: "Esta gente no eran vecinos míos"(risas).

Sin embargo, se pueden ver paralelismos con Bruce. Dos solitarios que son salvados por el rock.

Habría que matizar. El rock era una exclusiva de gente con un ego enorme, que presumía de su seguridad emocional o sexual. Puede que en los setenta apareciéramos personas más frágiles, con muchas dudas y carencias.
La primera vez que actué fuera de Estados Unidos fue aquí, en Londres. Aunque hablemos el mismo idioma, no creía que me entendieran.
Cuando me aplaudieron, sentí que se me despejaba el horizonte: "Esto funciona".
No sé si el rock me salvó, pero sí creo que me ha permitido llevar una vida interesante. Cuando voy a Granada y me enseñan la casa de Lorca, creo que todo ha valido la pena.
The end. :)
El último video pertenece justamente a "Because the night", es acompañada en piano por Sarah Mc Lachlan, y con un presentador de lujo.

Por último, consultada por la revista Rolling Stone sobre: ¿Que cosas creía que había cambiado su generación para bien ? Declaró :

El movimiento de mujeres continúa siendo fuerte. Es activo y observante. A nadie se le ocurriría interferir con lo cambios que las mujeres hicimos desde los 60. Habría una protesta universal.
El rock and roll, es más que música. Es una consciencia que se mezcla con nuestras ideologías; las marchas por los derechos civiles, Vietnam.
La música de los 60 era un sinónimo de lo que estaba pasando en el mundo. Y aquella música, conscientemente o no, seguirá siendo un molde del activismo.
En estos días es difícil incluso tener esperanzas, pero yo sigo rezando y agradeciéndole a Dios, por la gente que no solo es consciente, sino que además trabaja para cambiar el mundo.

Fiona Apple - Never is a promise

Tu nunca verás el valor que yo conozco.
La riqueza de sus colores no aparecerá en tu mirada.
Nunca brillaré de la forma que tu brillas.
Tu presencia domina los prejuicios que te hacen.

Pero mientras el escenario crece, veo diferentes luces.
Las sombras y las formas se ondulan ante mi percepción.
Mis sentimientos se estiran y se hinchan, lo observo de grandes alturas.
Entiendo que todavia sigo siendo muy orgullosa, como para mencionarte.

Tu dirás que entiendes, pero nunca entenderás.
Dirás que nunca te darás por vencido, hasta que veas ojo por ojo.
Pero nunca es una promesa y no te puedes animar a mentir.

Tu nunca tocarás, estas cosas que sostengo.
La piel de mis emociones yace debajo de mi misma.
Tu nunca sentirás el calor de esta alma.
Mi fiebre me quema tan profundamente mas de lo que alguna vez te mostré.

Me dirás que no le tema a los miedos, que es mas fácil de lo que parece.
Dirás que nunca dejarás caer mis esperanzas de muy alto.
Pero nunca es una promesa y no te puedes animar a mentir.

Tu nunca vivirás la vida que yo vivo.
Nunca viviré una vida que me despierte en la noche.
Nunca escucharás los mensajes que te doy.
Dirás que tal vez me daré por vencida en esta pelea.

Pero mientras el escenario crece, veo diferentes luces.
Las sombras y las formas se ondulan ante mi percepción.
Mis sentimientos se estiran y se hinchan, lo observo de grandes alturas.
Me doy cuenta que ahora soy muy inteligente para mencionarte.

Tu dirás que entiendes, pero nunca entenderás.
Yo diré que nunca me despertaré sabiendo como y o por que.
No se que creer, tu no sabes quien soy.
Dirás que necesito apaciguamiento cuando empiece a llorar.
Pero nunca es una promesa y nunca necesitaré una mentira.


Álbum : "Tidal" (1996)

Joni Mitchell - Blue

Joni Mitchell; nacida como Roberta Joan Anderson el 7 de noviembre de 1943, en Alberta; es una cantante y pintora canadiense.
Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste de Canadá, relacionándose posteriormente con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta.
A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo en especial su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo veinte.
Mitchell es también una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, autodescribiéndose como una "pintora descarrilada por las circunstancias".
Desde muy joven se interesó tanto por la pintura como por instrumentos musicales como el piano, la guitarra y el ukelele. El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965.
Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra.
Personales y a veces conscientemente poéticas, sus canciones se vieron reforzadas por la calidad de su voz, extraordinariamente amplia en registros (con una amplitud de tono que cubre al mismo tiempo más de cuatro octavas), y por su estilo único de guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas.
El enfoque confesional de Mitchell se notó más en el álbum "Blue"(1971), ampliamente considerado el mejor de este período.
Con tantas canciones de lamento y desolación, mas la foto de tapa que la muestra al borde de las lágrimas, es posible que este sea el disco de amor fallido por excelencia. Mitchell convierte la tristeza en exquisito arte. Además su minimalismo es el mejor logro musical.
"En el disco "Blue" no hay ni un dejo de deshonestidad en la voz. En esa etapa de mi vida no tenía defensas personales, me sentía como el envoltorio de celofán que rodea a un atado de cigarrillos. Sentía que no le guardaba absolutamente ningún secreto al mundo, y en mi vida no podía hacerme la fuerte, ni la feliz", declaró en 1979.
(fuentes: Wikipedia, revista Rolling Stone)
En el siguiente video, correspondiente al tema que da título al famoso álbum, Joni Mitchell describe como se sentía cuando creó esta bellisima canción en 1970.



En "California" también del disco "Blue", durante un concierto para la BBC del año 1970, Joni se acompaña de un "zhiter".

Finalmente también de ese clásico álbum y del mismo concierto, "My old man".

Tori Amos - Smells like teen spirit

Sinceramente, me puse a buscar el cover de este mismo tema por Patti Smith, pero las versiones en vivo disponibles no me gustaron.
Recomiendo para el que le interese, el cd "Twelve" de Patti, recientemente editado, es un álbum con doce covers excelentes, versionando temas de The Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Bob Dylan, Nirvana y otros más.
De todas maneras, esta versión de "Smells like teen spirit" de Nirvana, ejecutada solo en piano por Tori Amos, es hermosísima.



No tengo mucho conocimiento sobre la discografía de esta pianista y cantante estadounidense, y quizás no le esté haciendo honor a su trayectoria al mostrar un cover, teniendo seguramente muchos temas hermosos en su haber, pero bueno, me gustó la versión y quería compartirla.
En otra oportunidad, y ya interiorizándome mas sobre su biografía, les presentaré alguna de sus realizaciones incluidas en sus mas de diez álbumes de estudio.

Regina Spektor - Samson / Ode to divorce / Fidelity

Regina Spektor nació el 18 de febrero de 1980 en Moscú, a los 9 años su familia se trasladó a Estados Unidos y actualmente vive en el Bronx, Nueva York.
Viene de una familia muy musical, su padre fue violinista y su madre profesora de música.
Su familia salió de Rusia en 1989 durante la Perestroika, alli Regina tocaba el piano desde que tenía seis años, y escuchaba bandas de rock como The Beatles y Queen.
Regina cuenta que de pequeña, soñaba con ser concertista clásica de piano y que los primeros años de su nueva vida en América, habiendo tenido que dejar su instrumento en su lejano país de nacimiento, los pasaba practicando escalas en cualquier superficie plana, ya fuera el tablero de una mesa o el alféizar de una ventana.
Durante su adolescencia fue descubriendo nuevas músicas, básicamente pop y jazz, que fueron dirigiendo sus pasos hacia terrenos alejados de su formación clásica.
Una tarde sorprendió a sus compañeros universitarios cuando a los veinte años confesó que nunca había escuchado a Radiohead. A partir de ese momento y gracias a la solidaridad de algunos de sus compañeros, se fué encontrando con artistas como Johnny Cash, Velvet Underground, Tom Waits y The Strokes, con los que quedó fascinada.
Gordon Raphael, productor entre otros de los dos primeros discos de The Strokes, conoció sus primeros discos "11:11" y "Songs" grabados de forma casera y autoeditados por Regina, y se sintió hechizado por la capacidad expresiva y los extraños registros de su voz, y le propuso grabar unas canciones en su estudio.
Se hizo amiga, y fué telonera de The Strokes ( y voz femenina en "Modern Girls And Old Fashion Men", canción que interpretó a dúo con Julian Casablancas ).
En los últimos años ha pasado de tocar ante pequeñas pero entregadas audiencias en lugares como el Sidewalk Café ( uno de los centros neurálgicos de la movida anti-folk en Manhattan ) y otros garitos similares del Lower East Side neoyorkino a llenar lugares con aforos superiores a las mil personas como el "Irving Plaza" de New York o el "Shepherd´s Bush Empire" de Londres.
Tras editar en 2003 "Soviet Kitsch" su primer álbum comercial, Regina ha dado un nuevo paso en su carrera hacia la normalización de un sonido que hasta ahora siempre se había basado en los timbres de su voz, su versátil técnica al piano, y ocasionalmente, una baqueta con la que golpea, la silla donde se sienta mientras toca el teclado.
"Begin To Hope" su cuarto álbum, fué editado en 2006 y grabado durante dos meses, mucho más tiempo del que se había tomado hasta ahora para registrar uno de sus discos, ya que "Songs" se grabó en un solo día, y "Soviet Kistch" en diez, en un estudio profesional con la ayuda del productor David Kahne.
A éste último disco, pertenece el primer video del tema "Samson", grabado como tercer track, pero que ya había editado anteriormente en su cd "Songs".



Ha declarado que después de su primer concierto, todos se acercaron para decirle que les recordaba a alguien, y le nombraron a Joni Mitchell, Bjork, Cat Power, Janis Joplin, Billie Holiday, Nina Simone, Tori Amos, y ella se quedó perpleja, porque ninguna de esas artistas se parecen entre sí.
El segundo video corresponde al tema "Ode to divorce", de su tercer disco "Soviet kitsch".



Se comenta que ver a Regina Spektor en escena es un espectáculo increíble, toca el piano con violencia, se lanza en diatribas surrealistas y ataca con percusiones delirantes con ese modo agridulce de interpretar el folk.
Como regalo adicional, también de su cd "Begin to hope", uno de sus videos mas recientes, "Fidelity".



Recientemente declaró, "a mi lo único que me interesa, es la simplicidad de una buena melodía", y ella sabe muy bien que su secreto, es que tiene "algo" que la distingue de otras artistas.
Espero que puedan apreciar su hermosa voz y todo su talento.

Janis Joplin - Cry baby

Este video pertenece a una grabación en Toronto de 1970 poco antes de su muerte, debido a una sobredosis de heroína.
Una de las integrantes más del ¨club de los 27¨, una deslumbrante voz, no creo que haya surgido nadie con su carisma, su expresividad, y su fuerza arriba de un escenario.



El tema pertenece al disco ¨Pearl¨, el último grabado oficialmente, conocido como su testamento ya que fué editado unas semanas despues de su desaparición. Que más puedo decir, solo escúchenla y verán lo que les digo.

Bjork - All is full of love

Viernes, y tengo mucha fiaca, me puse a mirar algunos videos, y me acordé de este.
Bjork tiene en realidad muy buenos videos, pero debo ser sincero, no soy seguidor de su discografía, ni siquiera tengo un cd de ella. Nadie es perfecto.
Asi que amigos, si tienen ganas, aporten ustedes los datos que quieran, laburen un poco, que este sea un blog participativo. Creo que el video es bastante reciente, debe ser de uno de sus últimos discos.



Además y como dije que soy muy abierto a las nuevas tendencias, si alguien quiere sugerirme por donde empezar para conocer la música de esta bonita islandesa, voy a quedar enteramente agradecido. Muy buen fin de semana para todos.