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The Allman Brothers Band - At Fillmore East























The Allman Brothers Band; banda seminal del denominado rock sureño junto a Lynyrd Skynyrd; es originaria de Macon-Georgia, Estados Unidos, y fué descripta por el salón de la fama del rock como "los principales arquitectos del rock sureño".
El grupo formado en Jacksonville-Florida el 26 de marzo de 1969 se destacó por su habilidad y coherencia instrumental, su estilo a medio camino entre el blues, el blues rock y el jazz, y por su infinita capacidad colectiva para la improvisación ( jamming ).
Todas estas características son especialmente notorias en sus discos en vivo, y bien ejemplificadas por su álbum "At Fillmore East", donde improvisaciones como "Whipping Post" superan los veinte minutos.
La formación original estaba compuesta por Duane Allman (guitarras solistas y slide), Gregg Allman (voces y teclados), Dickey Betts ( Guitarras rítmicas y solistas, voces), Berry Oakley (Bajo eléctrico), Butch Trucks (percusión) y Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (percusión).
Los hermanos Allman, Duane y Gregg, formaron inicialmente una banda de garage llamada "The Escorts", posteriormente los "Allman Joys" y finalmente "The Hour Glass", con los que trabajaron en dos álbumes para la discográfica Liberty Records y un tercero que no llegó a editarse.
El grupo fue liberado del contrato con Liberty, a excepción de Gregg para quien la discográfica pensaba que tenía un mayor potencial comercial.
Duane Allman compatibilizó su trabajo como músico de estudio para el álbum de Johnny Jenkins "Ton-Ton Macoute!", donde puede oírse la primera grabación de un solo de guitarra de Duane.















The Allman Brothers Band recorrió el sur de los Estados Unidos realizando numerosas actuaciones en directo antes de grabar su álbum debut homónimo.
Este primer álbum obtuvo la aclamación general de la crítica especializada, aunque las ventas fueron escasas y únicamente llegó a los seguidores de culto del blues rock.
La mayor parte del álbum estaba formado por piezas de clásico blues rock, pero se destacaba por su importancia "Dreams" un tema en 12/8 tiempos que proporcionaría la estructura rítmica de muchas de sus "jams" en directo.
Su segundo trabajo, "Idlewild South" (1970), producido por Tom Down, obtuvo un masivo éxito de crítica y una importante mejoría en las ventas. Temas como "Revival" o "Midnight Rider" con un sonido más próximo, facilitaron la popularización de la banda, y fue tras la grabación de este álbum cuando Duane Allman participó en la grabación del célebre álbum de Derek and the Dominos "Layla and Other Assorted Love Songs" (banda formada por Eric Clapton), lo que aumentó la fama del grupo y facilitó su éxito en Europa.
















("Layla and Other Assorted Love Songs")

El año 1971 catapultó al grupo a la altura de "leyendas del rock", ya que durante los conciertos que el grupo realizó en la sala Fillmore East el 12 y 13 de marzo, se grabó la esencia del virtuosismo y capacidad de improvisación del grupo.
Aquellas sesiones quedaron registradas finalmente en el doble álbum "At Fillmore East" incluído por la revista Rolling Stone dentro de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
"At Fillmore East" fue un vehículo de presentación mundial de la rica mixtura de jazz, música clásica, hard rock y blues que eran los The Allman Brothers Band.
El álbum está conformado por canciones de enorme factura, comenzando por "Statesboro blues", con un solo al inicio, Duane luciéndose con sus "yeites" arrasadores y luego acompañandose de la voz de Gregg, en un duelo entre voz y guitarra, seguida de unos pegajosos y pequeños solos de Duane y convirtiéndose en un rock muy elaborado.
"In memory of Elizabeth Reed" se destaca por el crescendo continuo de la canción, con un tempo disminuido llegando a aumentar considerablemente, y es ahí donde la improvisación musical hace una entrada totalmente espectacular, nuevamente duelos de guitarra entre Dickey Betts y Duane, compitiendo con los de Gregg al órgano y piano.

("In memory of Elizabeth Reed")

"Done somebody wrong" es una canción compuesta por los caracteristicos riffs de Duane, con participación de Dickey Betts y una armónica tocada por Thom Doucette.
"Stormy monday", un blues enorme, presenta un brillante solo de armónica de Doucette, y que destaca también el solo en la parte intermedia de Duane, dando paso luego a un cambio de ritmo acompañado del órgano, para seguir con otro solo de Duane y finalizar con la voz fuerte y rasposa de Gregg.
"You Don't Love" que cierra el primer disco, presenta esa fuerza que se le imprime a los jams, una improvisación a nota perfecta.
Tiene muchos cambios de ritmo, con una parte intermedia con solo de batería; en realidad dos solos al unísono; de ambos bateristas Butch Trucks y Jai Johanson, lo que le da especial realce, ademas de los solos de Duane y Dickey Betts.
"Hot 'Lanta" primer tema del segundo dico, es un jam algo corto a comparación de los demás tracks de este disco pero igualmente potente, y con una participación igualmente deslumbrante de todos.
"Whipping post", uno de los jams más largos del disco abre con un compás de 11/8; algo raro para una banda de rock; dando lugar a uno de los más grandes jams de la historia.

("Whipping post")
Fragmento grabado en el Fillmore East

"Mountain jam", con sus "monstruosos" más de treinta y tres minutos, y "Drunken hearted boy" dan por finalizada esta gran obra.
Aunque pueda pasar desapercibido para el público común, muy pocos discos dejan una huella tan clara y marcada. Un álbum que lleva en cada nota de cada canción una fuerza desmedida con un sabor tremendo de dosis jazzeras inmersas en una solución de blues y rock sureño y que conforman una realización grande entre las grandes.
Justamente el año de edición, 1971, habría sido el mejor de la historia del grupo de no ser por la desgracia que les esperaba a la vuelta de la esquina, ocho meses después de los recitales en el Fillmore East, el 29 de octubre, Duane, el fundador, líder y principal artífice de los sonidos del grupo muere con su motocicleta en un accidente de tránsito.
Duane Allman transformó la poesía de la improvisación, aplicando el mismo espíritu negro y el mismo fuego rebelde que había exhibido en las extensas investigaciones de los Allman en covers de Muddy Waters y Blind Willie Mc Tell.
Del mismo modo encaró la interacción psicodélico-jazzera con el segundo guitarrista Dickey Betts.
El grupo Lynyrd Skynyrd le dedicó la canción "Free bird".
La muerte del guitarrista no puso fin a la carrera de sus compañeros que cosecharon importantes éxitos con posterioridad con temas como el instrumental "Jessica", aparecido en el disco "Brothers and sisters"(1973).
La banda continuó editando periódicamente trabajos hasta 1981, y tras casi una década de descanso, reapareció en 1990 con el álbum "Seven turns".
Han obtenido once discos de oro y cinco de platino entre 1971 y 2005, y siguen activos en la actualidad, incluso algunos de sus miembros continúan haciendo también blues rock en "Gov't mule".
(Fuentes: Rolling Stone - Music Jukebox)

















Sugerido por mi amigo Wallace y dedicado a él.

Pink Floyd - Meddle

Un nuevo comienzo.
"Sunshine reloaded...". Sobran las palabras.

















"Meddle" es el séptimo álbum de Pink Floyd. Editado en 1971 ésta realización marca un quiebre con respecto a sus discos anteriores; cuyos géneros principales eran el rock psicodélico y el sinfónico; ya que predomina el rock progresivo, siendo la base para sus siguientes trabajos.
Fué grabado durante la gira de "Atom Heart Mother", y la banda estaba abocada a encontrar un nuevo sonido, que produjera un cambio radical en su música.
Con "Meddle" lo logra, ya que posee el estilo característico del grupo que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, eliminando la orquesta que tanto protagonismo tuvo justamente en "Atom Heart Mother".
"One of these days", el tema de apertura es instrumental con sonidos graves y una guitarra con muy elevada distorsión.
Durante el mismo, se escucha a Nick Mason, a través de una amplificador de guitarra, con un efecto de pedal, decir: "one of these days, i'm going to cut you into little pieces" (uno de estos días, voy a cortarte en pedacitos). Originalmente el tema era más largo y luego fue acortado.


Luego aparecen las apacibles "A pillow of winds" y "Fearless", en la cual se escuchan hacia el final, grabaciones de las tribunas del equipo de fútbol Liverpool, cantando "You'll Never Walk Alone", su himno.
Continúa con la elegante "San Tropez" y "Seamus", un blues en el que se escuchan los aullidos del perro del mismo nombre. Este tema fue previamente llamado "Mademoiselle Nobs", y asi fue titulada la version que grabaron para el show de Pompeya.


El álbum finaliza con "Echoes", un tema muy extenso de veintitrés minutos de duración, resultado de la combinación de treinta y seis fragmentos independientes, que fueron siendo reinterpretados y editados para formar la pieza final que se conoce, y que fuera descripta por Roger Waters como un "poema sónico" debido a sus constantes efectos de sonido, y considerada como una de sus mejores piezas.
Entre los nombres previos se conocen: "Nothing: Parts one to thirty six", "We won the double" y "Return of the son of nothing".


El disco fue grabado entre enero y agosto de 1971 en los estudios, Abbey Road, Air Studios, y Morgan Sound Studios.
Los ingenieros de sonido fueron, Peter Bown, John Leckie, (Abbey Road y Air studios) y Rob Black y Roger Quested (Morgan Studios). La razón de estos cambios de estudios se debe a que Pink Floyd ha utilizado para este disco tecnología de dieciséis canales, que no se encontraba en Abbey Road.
La mezcla del disco se terminó en septiembre, mes durante el cual también se realizó una mezcla cuadrafónica, que aún no ha sido editada.
Salió a la venta finalmente el 30 de octubre de 1971 en Estados Unidos a través de Harvest/Capitol, y el 5 de noviembre en Reino Unido a través de Harvest/EMI.
Alcanzó el tercer lugar en las listas de Reino Unido, y fué certificado disco de oro en 1973 y doble disco de platino en 1994.
Una edición remasterizada fue editada en 1984 en vinilo de alta calidad y casette.
En 1992 se editó una versión remasterizada digitalmente en disco compacto, como parte del box set "Shine on", y fue editado fuera del set "Shine on" en 1994 en Europa, y en 1995 en Estados Unidos.





The Doors - The end



The end.
El fin.
El fin de algo.
El fin de una etapa.
El fin de "Sunshine" ... se cierran las puertas ...
no hay mas que decir ... solo gracias a todos ...
mejor sin comentarios.
Un abrazo conjunto.

The Velvet Underground and Nico























"The Velvet Underground and Nico" fué el primer álbum de la banda neoyorkina The Velvet Underground que contó con la colaboración en la parte vocal de Nico.
Se considera hoy en día uno de los álbumes de rock más influyentes de todos los tiempos.
Salió al mercado en marzo de 1967, aunque había sido grabado casi un año antes, encontrándose luego con distintos problemas, primero de censura y posteriormente de realización por la inusual portada.
Al final, consiguieron un contrato con el sello de jazz Verve Records, subsidiaria de la MGM Records, que en aquella época también editó discos de The Mothers of Invention, el grupo de rock vanguardista de Frank Zappa.
Este disco es muy famoso también por el diseño de portada de Andy Warhol, entonces mánager del grupo.
Se trata de la imagen de un plátano pop, al más puro estilo del artista, con una invitación a que se lo pele ("Peel slowly and see").
En diferentes ediciones del álbum, incluida la primera, el plátano es una calcomanía que tapa una imagen fálica ("plátano" rosado sin cáscara).
La contraportada de la primera edición contenía una proyección del show "Exploding Plastic Inevitable", del mismo Warhol.
El álbum, que se encontraba en el puesto 171 del Billboard y en franco ascenso, desapareció de las tiendas prácticamente de la noche a la mañana.
Fue impopular desde su realización, pero se ha convertido en uno de los discos más aclamados por la crítica en la historia del rock.
Apareció en el número 13 de la lista de los 500 mejores álbumes realizado por la revista Rolling Stone, y fue añadido en el 2006 a la National Recording Registry de la biblioteca del congreso de los Estados Unidos.
"The Velvet Underground and Nico" fue grabado con la primera alineación de The Velvet Underground, que incluía a Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker; con Nico; quien en ocasiones era la voz principal, y bajo la instigación del mentor y manager de la banda, Andy Warhol.
















Nico fue la voz principal en tres tracks del disco "Femme fatale", "All tomorrow's parties", y "I'll be your mirror", y acompañante en "Sunday Morning".

"Sunday morning"

En 1966, mientras el álbum estaba siendo grabado, esta fue la alineación que actuaría en vivo como parte de la "Exploding Plastic Inevitable" de Warhol.
La mayor parte de las canciones que formaría parte del disco se grabaron a mediados de abril de 1966, durante un período de cuatro días en Scepter Studios, y una menor parte en un estudio de Nueva York. Esta sesión última fue financiada por Warhol y el ejecutivo de ventas de la Columbia Records,
Aunque el costo total del proyecto se desconoce, se estima que fue entre $ 1500 y $ 3000 dólares estadounidenses.
"The Velvet Underground and Nico" se caracterizó por su abierta y honesta descripción de temas como el uso y abuso de dogras, la prostitución, el sadismo, el masoquismo, y las desviaciones sexuales.
"I'm waiting for the man" describe los esfuerzos realizados por un hombre para obtener heroina mientras que "Venus in furs" es una interpretación casi literal de la novela del siglo XIX del mismo nombre; que a su vez es una prominente interpretación de la BDSM.

"Venus in furs"

BDSM es la denominación usualmente empleada para designar una serie de prácticas y aficiones sexuales relacionadas entre sí y vinculadas a lo que se denomina sexualidad extrema-no convencional.
El término se emplea a menudo en forma equivocada como sinónimo de sadomasoquismo.
En realidad, es un acrónimo que abarca prácticas de sexualidad no convencional, y que da nombre a lo que hoy en día es considerado como una subcultura específica. Actualmente, e independientemente de su génesis, el acrónimo se entiende formado por las iniciales de algunas de dichas prácticas:

* Bondage: B
* Disciplina: D
* Dominación y Sumisión: D&S
* Sadomasoquismo: S&M













El collar D&S: símbolo de sumisión y entrega en la subcultura BDSM.

"Run Run Run" también esta en torno de la cultura de las drogas como premisa.
Una de los más conocidos tracks del álbum es "Heroin", una canción que detalla el uso y la experiencia de sentir los efectos cuando se consume esta droga.

"Heroin"

Lou Reed, quien escribió la mayoría de las canciones del disco, nunca tuvo la intención de escribir únicamente sobre temas controversiales debido a la gran polémica que estos presentan.
Reed, un fanático de escritores y poetas como William Burroughs, Allen Ginsberg, y Hubert Selby, no vió la razón de por qué el contenido de sus canciones no podían ser trasladadas al rock and roll.
Además, estudió una Licenciatura en Artes en la Universidad de Siracusa, y dijo en una entrevista que la unión entre los dos; el contenido polémico y la música; era "obvia".
"Ese es el tipo de cosas que deberías leer. ¿Porqué no lo escucharías? Te diviertes al leerlo, y te divierte al rockear con ello".
Aunque el contenido oscuro del álbum es hoy considerado revolucionario, muchas de sus canciones están relacionadas con otros temas.
Varias de la canciones escritas por Reed fueron basadas en observaciones de los miembros de "Factory Superstars" de Andy Warhol.
"Femme fatale" en particular fue inspirada por Edie Sedgwick bajo la solicitud de Warhol.
"I'll be your mirror", inspirada por Nico, es una tierna canción que contrasta con otras como "Heroin".
Un error que se comete comúnmente es creer que "All tomorrow's parties" fue escrita por Reed a petición de Warhol.
Parece ser que la canción es otra observación sobre la "Factory...", ya que Reed había escrito la canción antes de conocer a Warhol, y ésta es incluída en el demo de la banda de 1965 que forma parte del Disco 1 de "Peel slowly and see"(box set), grabada antes de que Warhol conociera a la banda.
Gran parte del sonido del álbum fue creado por John Cale, quien hizo hincapié en las cualidades de experimentación de la banda.
Cale, estaba muy influenciado por su trabajo con "La Monte Young", por John Cage y tempranamente por el movimiento Fluxus (del inglés to flow: fluir), que fué un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura que tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX, y que se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fué informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978), y tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.
Fluxus, que se desarrolló en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no miraba a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretendía hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretendía la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos.
El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como "arte total".
John Cale entonces, alentó el uso de nuevas maneras de producir en la música. Su pensamiento y creatividad, encajaba muy bien con la de Lou Reed, quien ya había experimentado con diversas afinaciones.
Por ejemplo, Reed "inventó" la guitarra "ostrich" para una canción escrita por él llamada "The Ostrich"(El avestruz) para la fugaz banda The Primitives.
La Ostrich guitar consistía en que todas las cuerdas estuvieran afinadas en la misma nota.
El método fue utilizado en las canciones "Venus in furs" y "All tomorrow's parties". A menudo, las guitarras se hacían más graves, produciendo un sonido muy bajo que Cale denominaba "sexy".




















"The Velvet Underground and Nico" es algunas veces llamado el "banana album" debido a la pintura realizada por Warhol en el cover del disco, justamente una banana.
Las primeras copias del álbum invitaban al propietario a "Peel slowly and see" (Pelarlo lentamente y ver); pelando a la banana se podía observar un plátano de color carne por debajo.























Una máquina especial fue necesaria para la elaboración de éstas carátulas; y una de las causas de la demora de la salida de esta producción; pero la MGM pagó los costos de ésto sabiendo que cualquier cosa que estuviera vinculado con Warhol elevaría las ventas del álbum.
En la republicación del CD en 1996, la imágen de la banana pasó a ser la portada del disco, mientras que la de la banana fálica, la imágen del interior del mismo.

Seguidamente se reproduce artículo parcial, publicado en el suplemento de la revista Rolling Stone "Los 500 mejores discos de todos los tiempos".

"Queríamos hacer algo tipo Phil Spector, con la menor cantidad de instrumentos posible" , dijo sobre el disco John Cale.
Y no era pura fanfarronería. Muchas cosas del rock que damos por sentadas no existirían de no ser por ésta banda neoyorquina y éste trascendente disco: la sexualidad andrógina del glitter, el noir crudo del punk, el gruñido de los riffs del grunge, y el noise rock.
Es un disco con un alcance enorme y con profundidad lírica.
El cantautor Lou Reed testimonió el deseo carnal y la adicción a las drogas con una sabiduría pop que aprendió cuando componía canciones a sueldo para Pickwick Records.
John Cale incorporó la potencia del pulso y el murmullo monocorde, el guitarrista Sterling Morrison y la baterista Maureen Tucker tocaron con fuerza salvaje, y Nico, la cantante alemana agregada transitoriamente al grupo por Andy Warhol, aportó una feminidad gélida al acalorado hastío de las canciones de Reed.
Tildado de "nihilista" por los hippies del 67, es el álbum de rock mas profético de todos los tiempos.

Smoke on the water



















La verdadera historia detrás de la canción es absolutamente verídica. El 7 de diciembre de 1971, en Montreux - Suiza, se produjo un incidente que dió paso a la creación de una de las canciones mas importantes, reconocidas y recordadas por la memoria de todos los amantes del rock.
Deep Purple se encontraba en esa ciudad, para grabar su nuevo disco.
La banda había alcanzado un gran renombre después de álbumes como "In Rock"(1970), y "Fireball"(1971). En ese entonces, el grupo alineaba su formación clásica e histórica denominada Mark I o Mk I, con Ritchie Blackmore en guitarras, Ian Paice en batería, Jon Lord en teclados, Roger Glover en bajo, y Ian Gillan como cantante.
Sonaban como demonios, pero no lograban trasladar la excitación del escenario al disco.
Su idea era grabar los temas que darían vida a "Machine Head"(1972), su obra de mayor éxito comercial, llamada a hacer historia, y que contiene varios de sus "himnos" mas conocidos, como "Highway star", "Pictures of home", "Lazy", y "Smoke on the water".


















El Casino de Montreux a orillas del lago Ginebra, había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva placa.
La noche anterior a la grabación, Deep Purple había ido al lugar; enteramente construído en madera; a ver un show de Frank Zappa & The Mothers of Invention.
De pronto, alguien disparó una pistola de bengalas de esas que se usan en algunas misiones al aire libre para determinar una posición, y el techo del casino se prendió fuego convirtiendo el lugar en un infierno.
La gente comenzó desesperadamente a salir por las ventanas mientras Frank Zappa llamaba desde el escenario a conservar la calma.
Asi, todo el mundo fue evacuado y dos asistentes de Deep Purple atinaron a alejar la camioneta con el estudio móvil de grabación de los Rolling Stones, que tenían en el estacionamiento del lugar.
"Se quemó todo el casino, murió con un sonido espantoso, Funky Claude corría de aquí para allá, sacando chicos del suelo. Cuando todo terminó, tuvimos que buscar otro lugar".



















"Funky Claude" era Claude Nobs, el operador de sonido que ayudó a salir a varios chicos desmayados por el humo. No hubo que lamentar víctimas, pero Zappa perdió todos sus equipos y Deep Purple debió cambiar de planes.
Primero fueron al teatro Pavilion donde solo pudieron grabar una canción, ya que los vecinos se quejaron por el ruido.
"La policía tenía un montón de patrulleros afuera y nos martillaban la puerta, pero no les queríamos abrir hasta que hubiéramos registrado la toma perfecta", recordó tiempo más tarde Blackmore.
Se trataba de una canción escrita de apuro y que no sabían si debían editar. "Teníamos miedo que por el título, la gente pensara que trataba sobre drogas".
Pero no, "Smoke on the water" se refería al incendio y al humo flotando sobre la superficie del lago Ginebra, explicó Roger Glover.
Finalmente, Deep Purple pudo alquilar el Grand Hotel Montreux, casi vacío en invierno. Había una sola inquilina, una anciana, y sorda para más datos.
Los amplios salones y las escaleras en espiral, sirvieron como cámara de eco natural. Un largo pasillo fue bloqueado y acondicionado con colchones, y roperos reacondicionados que funcionaron como parlantes naturales.
La canción era tan simple que casi queda fuera de "Machine head", disco que los posicionaría dentro de las bandas más importantes del rock inglés. Para el estilo de Deep Purple, la simpleza del riff no estaba acorde con sus arreglos sofisticados y con el aire progresivo siempre presente en sus temas.
Sin embargo, a último momento la banda decidió incluirlo como apertura del lado "B".
El resto es historia conocida, todo aquel que sepa usar un solo dedo en la guitarra puede tocar el riff de "Smoke on the water", que llegó al número 4 de los charts americanos y transformó a Deep Purple en uno de los grupos más grandes de su tiempo.
Del reflejo del fuego sobre el agua y las columnas de humo abriéndose hacia el cielo, surgió uno de los riffs más famosos de la historia del rock.

Salimos hacia Montreux
a orillas del Lago Ginebra
para grabar con una unidad móvil.
No disponíamos de mucho tiempo.
Frank Zappa y The Mothers
estaban en el mejor sitio,
pero algún estúpido con un lanzabengalas
hizo que ardiera el lugar hasta los cimientos.
Humo en el agua, fuego en el cielo...

Incendiaron el casino.
Se consumió con un ruido terrible.
Funky Claude entraba y salía corriendo
sacando fuera a los niños.
Cuando todo terminó
tuvimos que buscar otro sitio,
pero el tiempo en Suiza se agotaba.
Parecía que íbamos a perder la carrera.
Humo en el agua, fuego en el cielo...

Acabamos en el Gran Hotel.
Estaba vacío, frío y desamueblado,
pero con el camión de los Rolling Stones afuera.
Hacíamos ahí nuestra música.
Con unas pocas luces rojas y camas viejas,
conseguimos un lugar donde sudar.
No importa lo que saquemos de esto,
sé bien que nunca lo olvidaremos.
Humo en el agua, fuego en el cielo...

We all came out to Montreux,
On the Lake Geneva shoreline.
To make records with a mobile,
We didn't have much time.
But Frank Zappa and the Mothers,
Were at the best place around,
But some stupid with a flare gun,
Burned the place to the ground.
Smoke on the water, a fire in the sky.
Smoke on the water...

They burned down the gambling house,
It died with an awful sound.
(uh) Funky Claude was running in and out,
Pulling kids out the ground.
When it all was over,
We had to find another place.
But Swiss time was running out,
It seemed that we would lose the race.
Smoke on the water, a fire in the sky.
Smoke on the water...

We ended up at the Grand Hotel.
It was empty cold and bare.
But with the Rolling truck Stones thing just outside,
Making our music there.
With a few red lights, a few old beds,
We made a place to sweat.
No matter what we get out of this,
I know I know we'll never forget.
Smoke on the water, a fire in the sky.
Smoke on the water...