Radiohead - OK Computer

OK Computer es el tercer álbum de estudio del grupo británico Radiohead, y fue lanzado inicialmente en el Reino Unido el 16 de junio de 1997 por medio de la compañía discográfica Parlophone.
Fue un gran éxito comercial, traducido en un enorme crecimiento de la popularidad de la banda a nivel mundial, y marcando el ingreso de Radiohead en el mercado estadounidense de aquel momento, donde debutó en la 21ª posición.
Debido a su inesperada popularidad, OK Computer se convirtió en el último álbum de Radiohead con lanzamiento diferido fuera del Reino Unido.
Según datos de enero de 2007, OK Computer ha sido certificado con doble disco de platino en Estados Unidos, y triple disco de platino en el Reino Unido.
La popularidad del disco se basa en los temas de alienación del mundo moderno. Aclamado por la crítica, es usualmente citado como el mejor trabajo de Radiohead y como punto de referencia musical de los años 90.
En 1998 fue nominado a los premios Grammy como "Álbum del año", ganando además la categoría al "Mejor álbum de música alternativa".
Aunque sirvió para poner al grupo británico al frente de la música rock moderna, es apartado de los estilos populares de britpop y de rock alternativo de ese momento, exponiéndose como un trabajo preliminar para los siguientes álbumes, los cuales fueron más abstractos.
De acuerdo a lo expresado por el cantante Thom Yorke, también representó un cambio en su estilo de escribir la letra de las canciones, lejos de las preocupaciones personales de Pablo Honey y The Bends.

















Para algunos expertos y críticos musicales, puede que este sea uno de los mejores álbumes después de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles, en cuanto a cambio se refiere, ya que ambos fueron intensas transiciones de un estilo musical a otro más puro y maduro.
También ha sido considerado el "Dark Side of the Moon" de la década del 90, y se presenta como el salto cualitativo y cuantitativo de esta banda, que hasta el segundo álbum solamente presentaba cuadros regulares y clásicos del rock de los 90. Sin embargo, el concepto propositivo y de ruptura de las bases que hasta entonces se marcaron en el rock contemporáneo se rompen con este disco.
El bajista Colin Greenwood expresó al respecto : "el único concepto que teníamos para este álbum era que queríamos grabarlo fuera de la ciudad, y esperábamos grabarlo por nuestra propia cuenta."
The Bends había sido un éxito, por lo que la compañía discográfica Parlophone les permitió la libertad de trabajar con el ingeniero de sonido Nigel Godrich.













Aunque Godrich era menor que cualquiera de los miembros del grupo, y virtualmente desconocido, asistió a John Leckie en The Bends y además ya había producido varios lados-b de Radiohead, así como el sencillo promocional "Lucky" (1995).
"A mas de diez años de su edición, aún parece música del futuro.
"Airbag" el tema de apertura del álbum, es una canción inspirada en trabajos de DJ Shadow, de hecho, suena una especie de "scratch" que recuerda a este DJ.
El título que en un principio tendria esta canción era Last Night an Airbag Saved My Life, pero finalmente quedó solo en "Airbag".
Es uno de los temas más movidos del disco, con una genial guitarra de Jonny Greenwood. Como curiosidad, Thom Yorke, cantante y líder de la banda, quería comenzar esta canción con campanas de trineo, pero el resto no estaban de acuerdo. Aún así, suenan algunas debilmente.
La segunda canción, "Paranoid android" es una de las mejores de la historia, según la revista Rolling Stone, y entre las 500 mejores de siempre, junto a "Fake plastic trees" de The Bends.

("Paranoid android")

Es el tema más largo de Radiohead, pero aún así fue el primer single que los de Oxford sacaron de este álbum, y se compone de tres partes diferentes que pegaron en una sola pista.
Esta idea está sacada de la canción "Happiness is a warm gun" de The Beatles, en la que John Lennon junta tres canciones diferentes en una sola.
El videoclip del tema es también muy famoso, una historia de dibujos animados realizada por Magnus Carlsson, y la deprimente letra que trata sobre la muerte.
El siguiente corte, "Subterranean homesick alien", es una de las canciones más discretas del álbum, y su título hace referencia al tema "Subterranean homesick blues", de Bob Dylan, incluída en su famoso álbum "Bringing it all back home".
"Exit Music"(For a film), fue escrita para la banda sonora de la película Romeo y Julieta, y suena durante los créditos de la misma, sin embargo no fue incluída en el CD de la banda sonora; ya que "Talk show host" fue la canción elegida para aparecer en los discos; porque Yorke la consideraba muy personal.
Es una tímida canción que al principio solo tiene la voz y la guitarra de Yorke, pero que poco a poco crece hasta acabar en una genial sinfonía que empieza cuando entra una impresionante batería de Phil Selway, con una letra tan asfixiante como su música.
Continúa con "Let down", una de las favoritas de los fans, y cuya complejidad hace que se toque muy poco en directo. Las bellas guitarras de Jonny Greenwood y Ed O’Brien se superponen constantemente, y combinadas con la perfecta voz de Yorke se crea un ambiente alegre que contrasta con la frialdad de las letras.
El álbum sigue con la canción tal vez más conocida de Radiohead (junto con "Creep"), "Karma police", es uno de los grandes himnos de la década, conocida de sobra por su piano y por su videoclip. Fue el segundo single del álbum, y la letra una vez más, bizarra y chocante.

("Karma police")

"Fitter happier" es más un intermedio que una canción, aunque igualmente el piano que suena de fondo merece la pena ser escuchado con atención.
Esta "canción" es "cantada" por un sintetizador de voz de Apple, que recita un poema que realmente pone los pelos de punta.
Luego del impacto de lo expresado por esa máquina, continúa con "Electioneering", que trata sobre política y manipulación, y es un llamado de atención para lo que sigue.
"Climbing up the walls", puede generar tanto amor como odio, con una fuerte secuencia de sintetizador es un tema que se encuadraría muy bien en los posteriores Kid A o Amnesiac. Incluye una parte en la que los violines toman el protagonismo, y llaman la atención también el solo de guitarra y por supuesto la letra.
"No surprises", es el tercer y último single de OK Computer.
Yorke quería cerrar el álbum con esta canción, pero sus compañeros insistieron en incluir también las dos que siguen .
"No surprises" tiene un videoclip memorable, como los otros dos singles de este disco. En él puede verse a Thom Yorke dentro de una pecera cantando, cuando poco a poco esta empieza a llenarse de agua, llegando a sumergir su cabeza por completo durante unos segundos.

("No surprises")

Posee una melodía facil de guitarra y xilofón, casi infantil, que choca fuertemente con la letra. Es una canción triste sobre el vacío de la vida actual, y destaca la linea de bajo de Colin Greenwood.
"Lucky" es una canción optimista, y fué grabada un par de años antes que el resto del álbum, para un disco de ayuda humanitaria. La utilizaban con frecuencia para abrir conciertos en aquellos años, con un muy buen solo y efectos de guitarra en general, y al ser de esa época, tiene un sabor a The Bends.
OK Computer culmina con el único tema que no está escrito por Yorke, sino por Jonny Greenwood, quien compuso "The tourist" sentado en un banco de París.
Al ver que los turistas no se paraban a observar el paisaje con tranquilidad, se le ocurrieron los versos "hey man, slow down, slow down" que se repiten varias veces durante el tema.
En el último suspiro del disco se escucha una sorpresa que hace que cuando termine el álbum te quede un sabor dulce en la boca".
(Fuente: uSónica - where music live -)

Post dedicado a mi "padrino" blogger CCDSY .
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Lou Reed - Transformer

Lewis Allen Reed, mas conocido com Lou Reed, nació el 2 de marzo de 1942 en Freeport-Long Island (Nueva York). Cantante y escritor de rock, es considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego como solista.
Tuvo una enorme influencia en el arte pop desde la década del 60, y sus principales discos son Transformer, y Rock'n Roll Animal, destacándose además el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival, "Perfect Night Live in London".
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música pop, como "Heroin", "Rock and roll" y "Sweet Jane".
Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues, que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante, y había grabado un disco sencillo de estilo "doo wop" como miembro de The Shades.
Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien lo animó a convertirse en escritor. Reed también incursionó en el "free jazz" y en la "música experimental", afirmando que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la gran novela americana" en un disco.
Cuando se trasladó a la ciudad de Nueva York, trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records, y luego cofundó The Velvet Underground como guitarrista, vocalista y letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker.
Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.




















Después de dejar la Velvet Underground en agosto de 1970, tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana.
Sin embargo un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración de músicos del grupo Yes, como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe.
El álbum, simplemente titulado Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas, y que pueden encontrarse editadas en el box set Peel Slowly and See.
Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.
Luego del fracaso de su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie.
Con él, Reed se adelantó a su tiempo en la elección de los temas, ya que la música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los 70, pero incluso entonces sus canciones eran únicas.
Ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, incluso sórdidas, que otros letristas no trataban.
"Perfect day", solo por dar un ejemplo, es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluída en la banda sonora de la película Trainspotting.

("Perfect day" - Video film "Trainspotting")

En el material que escogía, Reed seguía y actualizaba a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. Su personalidad también fué avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista, incluso en la época hippie.

"A veces el destino resulta caprichoso, Lou Reed encontró el éxito de la manera más insospechada y con uno de sus discos menos característicos.
Aparentemente condenado a habitar los márgenes para siempre, a no encontrar una vía directa de conexión con el gran público, tuvo que ser David Bowie quien lo rescatara. La gran estrella del momento, recibió encantado el encargo de producir a un artista del que era absoluto fan desde los tiempos del debut de la Velvet Underground.
Como intentó con los Stooges y finalmente consiguió con Iggy Pop, la operación rescate se desarrolló con un plan claro y con cierta manipulación del personaje en cuestión.
El talento del guitarrista Mick Ronson, las canciones de Reed, y una producción extravagante pero por momentos genial, le otorgaron a Reed el papel de ícono oscuro del rock and roll. La versión cruda, auténtica y callejera de la ambigüedad sexual, el aroma decadente y el perverso mensaje del glam rock, hasta que él propio Reed se decidió a ser otra cosa.
Había en Transformer alguna referencia al rock and roll crudo que caracterizó a Reed con su grupo original.
La fantástica "Vicious", es puro Velvet, con sus punteos estridentes y nerviosos, y su cínica letra. "Hangin round", con su riff característico y desfavorecedor, y retrato de personajes mediante, mantiene el hilo con un glorioso pasado.
"Wagon wheel" y "I’m so free" pueden significar un puente entre el sonido de Reed y los nuevos tiempos que el "glam rock" estaba imponiendo.
Pero sobre todo, Bowie y Ronson dieron con una imágen completamente distinta de Lou Reed, hasta insertar su peculiar voz en ideas tan extravagantes como el aire de cabaret decadente de cosas como "Goodnight ladies", y "New York telephone conversation", o el acompañamiento de tuba de "Make up".
Sin duda, algunas de esas ideas pudieron funcionar mejor que otras, pero las canciones estaban allí, y por momentos los aportes de Bowie y Ronson tenían, y aún tienen, madera de clásicos.
No es necesario referirse demasiado a algo tan original como "Walk on the wild side", en la que Reed repasa, a modo de saludo irónico y gráfico, una galería de personajes del entorno de la Factory de Warhol con toda su crudeza característica.

("Walk on the wild side")

Pero conviene examinar con interés la producción, y preguntarse si "eso" es rock and roll, al menos tal y como se entendía hasta entonces, con esos arreglos de cuerda, el tratamiento de las voces y el solo de saxo.
Y siempre es un placer escuchar la expresiva interacción entre el característico recitado de Reed y el contrabajo de Herbie Flowers, tal y como sucede también en la estupenda "Andy’s chest".
En "Satellite of love", su recargada producción y delicada melodía puede distraer de la celosa paranoia del protagonista. Pero estos contrastes están en la esencia del negro sentido del humor que ha hecho tan grande a Reed.

("Satellite of love")

Y queda para el final la verdadera joya de la corona, "Perfect Day", la gran canción a medida que Frank Sinatra se murió sin grabar, y una de las mayores cumbres de la música pop.
Como en toda gran canción de Reed, las cosas no son lo que parecen, y por debajo de los suntuosos arreglos de cuerdas de Ronson, de la aparente cursilería de las visitas al zoo, del cine, de la sangría a medias en el parque, del perfecto día en pareja, late algo más.
Ya lo advierte el narrador, hay algo que no encaja, "Un día tan perfecto, que me hiciste olvidarme de mí mismo, me hiciste creer que era alguien distinto, alguien bueno".
Por eso cuando llegan los momentos finales, cuando el piano gotea notas y las ampulosas cuerdas le dan todo el dramatismo del mundo al asunto, oímos a Reed reiterar enigmáticamente que, "vas a recoger lo que has sembrado".
Y de alguna manera ya no estamos tan cómodos, todo parece terriblemente triste, terriblemente hermoso, y terriblemente real.
Así creó Lou Reed su obra maestra, Transformer es, sin dudas, un disco especial y distinto, imperfecto e irrepetible, y nos muestra un lado de Reed que no volveríamos a ver jamás, y la verdad es que a veces se echa de menos".

(Fuente: Feedback-Zine - Texto: Enrique Martinez-02/2004)

Amy Winehouse

Amy Jade Winehouse nacida el 14 de septiembre de 1983 en Enfield (Londres), Reino Unido es una cantante y compositora británica de jazz y soul, cuyo álbum debut, "Frank" (2003), fue nominado a los premios "Mercury Music" y ganó un "Ivor Novello Award" en 2004 por su single "Stronger than me".
En 2006, editó su segundo álbum, "Back to black", y el 14 de febrero de 2007 ganó un Brit Award en la categoría de "Mejor Artista Británica".
En junio de 2007, Winehouse fué nuevamente nominada a los Mercury por "Back to black", álbum que ha alcanzado el platino en Estados Unidos. Y como broche de oro consiguió tres nominaciones a los "MTV Video Music Awards" de 2007. Ese mismo año en noviembre lanzó "Back To black" (Deluxe Edition), reedición de su exitoso disco, y su primer DVD titulado "Told You I Was Trouble".

"You know i'm no good"

El 10 de febrero del 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los premios "Grammy 2008", en que Amy resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: "Mejor artista nuevo", "Grabación del año", "Canción del año", "Mejor interpretación femenina de pop" por "Rehab", además de "Mejor álbum pop vocal" por "Back to black", pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que Estados Unidos le negó el visado, por lo que lo tuvo que ver la ceremonia de entrega en su casa en Londres.
La artista de 24 años, completó su "presencia" en la velada con una actuación vía satélite, en la que abordó dos de sus canciones más exitosas.

"Back to black"

Winehouse nació en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz, Se crió en los suburbios de Southgate, al norte de Londres, y fue al colegio Ashmole School.
Con solo diez años, fundó una banda de rap llamada "Sweet 'n' Sour", describiendo esta aventura como "los pequeños salt 'n' pepa judíos".
Acudió a la escuela de teatro Sylvia Young Theatre School a los 12 años, pero fue expulsada a los 13 por "no aplicarse" y hacerse un piercing en la nariz.
Más tarde fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon.
Creció escuchando distintos tipos de música desde salt 'n' pepa, a Sarah Vaughan, y le regalaron su primera guitarra a los 13 años. Como dato curioso, solía actuar en directo en pequeños pubs de Londres, por la zona del famoso mercado de Camden.
Su amigo el cantante Tyler James, le dió su demo a un productor, comenzando su carrera profesional a los 16 años, firmando su primer contrato con la discográfica Island/Universal.

"Back to black" tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la "motown-era R&B".
La revista Rolling Stone dijo que en este álbum Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop.
La revista anglosajona "People" afirmó que "Back to black" es un disco mejor cada vez que lo escuchamos. "The New Statesmen" remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como "un impresionante trabajo de soul".
Según varias revistas y artículos de opinión de muchos críticos musicales de renombre, se ha catalogado a Amy como "la mayor representante del soul moderno".
De hecho, muchas de estas críticas de opinión han despertado curiosidad debido a que se ha señalado que cadenas de televisión musical como MTV, solo pasan videos de soul en los que figura la cantante Amy Winehouse.
Esto no es del todo cierto, pero si algo cabe destacar, es que al menos en la cadena MTV Latinoamerica, la única cantante de soul-pop cuyos videos han visto la luz es Amy.

"Love is a losing game"

La cantante ha aparecido recientemente en los tabloides británicos en situaciones polémicas vinculadas con el consumo de drogas. Ha sido relacionada con problemas de adicción a las drogas y el alcohol.
El escándalo explotó cuando dieron públicamente la noticia de que su marido Blake Fielder había sido encarcelado. Ante esta noticia, le sucedió otra en la que se anunciaba que Amy había decidido que si no dejaban a su esposo en libertad, ella se suicidaría.
Actualmente, se encuentra en rehabilitación por su adicción a las drogas y anorexia nerviosa, y su entrada al centro se produjo después que el periodico "The Sun" publicara un video de la cantante consumiendo diversas drogas.
Al ser una de las voces de habla inglesa más impactantes en la actualidad, y por tener una capacidad para interpretar canciones con el estilo propio del soul, muchos cantantes le han expresado su apoyo. Recientemente afirmó que ha dejado el consumo de drogas y alcohol y ha participado en diversas campañas.

The Allman Brothers Band - At Fillmore East

The Allman Brothers Band; banda seminal del denominado rock sureño junto a Lynyrd Skynyrd; es originaria de Macon-Georgia, Estados Unidos, y fué descripta por el salón de la fama del rock como "los principales arquitectos del rock sureño".
El grupo formado en Jacksonville-Florida el 26 de marzo de 1969 se destacó por su habilidad y coherencia instrumental, su estilo a medio camino entre el blues, el blues rock y el jazz, y por su infinita capacidad colectiva para la improvisación ( jamming ).
Todas estas características son especialmente notorias en sus discos en vivo, y bien ejemplificadas por su álbum "At Fillmore East", donde improvisaciones como "Whipping Post" superan los veinte minutos.
La formación original estaba compuesta por Duane Allman (guitarras solistas y slide), Gregg Allman (voces y teclados), Dickey Betts ( Guitarras rítmicas y solistas, voces), Berry Oakley (Bajo eléctrico), Butch Trucks (percusión) y Jai Johanny "Jaimoe" Johanson (percusión).
Los hermanos Allman, Duane y Gregg, formaron inicialmente una banda de garage llamada "The Escorts", posteriormente los "Allman Joys" y finalmente "The Hour Glass", con los que trabajaron en dos álbumes para la discográfica Liberty Records y un tercero que no llegó a editarse.
El grupo fue liberado del contrato con Liberty, a excepción de Gregg para quien la discográfica pensaba que tenía un mayor potencial comercial.
Duane Allman compatibilizó su trabajo como músico de estudio para el álbum de Johnny Jenkins "Ton-Ton Macoute!", donde puede oírse la primera grabación de un solo de guitarra de Duane.















The Allman Brothers Band recorrió el sur de los Estados Unidos realizando numerosas actuaciones en directo antes de grabar su álbum debut homónimo.
Este primer álbum obtuvo la aclamación general de la crítica especializada, aunque las ventas fueron escasas y únicamente llegó a los seguidores de culto del blues rock.
La mayor parte del álbum estaba formado por piezas de clásico blues rock, pero se destacaba por su importancia "Dreams" un tema en 12/8 tiempos que proporcionaría la estructura rítmica de muchas de sus "jams" en directo.
Su segundo trabajo, "Idlewild South" (1970), producido por Tom Down, obtuvo un masivo éxito de crítica y una importante mejoría en las ventas. Temas como "Revival" o "Midnight Rider" con un sonido más próximo, facilitaron la popularización de la banda, y fue tras la grabación de este álbum cuando Duane Allman participó en la grabación del célebre álbum de Derek and the Dominos "Layla and Other Assorted Love Songs" (banda formada por Eric Clapton), lo que aumentó la fama del grupo y facilitó su éxito en Europa.
















("Layla and Other Assorted Love Songs")

El año 1971 catapultó al grupo a la altura de "leyendas del rock", ya que durante los conciertos que el grupo realizó en la sala Fillmore East el 12 y 13 de marzo, se grabó la esencia del virtuosismo y capacidad de improvisación del grupo.
Aquellas sesiones quedaron registradas finalmente en el doble álbum "At Fillmore East" incluído por la revista Rolling Stone dentro de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
"At Fillmore East" fue un vehículo de presentación mundial de la rica mixtura de jazz, música clásica, hard rock y blues que eran los The Allman Brothers Band.
El álbum está conformado por canciones de enorme factura, comenzando por "Statesboro blues", con un solo al inicio, Duane luciéndose con sus "yeites" arrasadores y luego acompañandose de la voz de Gregg, en un duelo entre voz y guitarra, seguida de unos pegajosos y pequeños solos de Duane y convirtiéndose en un rock muy elaborado.
"In memory of Elizabeth Reed" se destaca por el crescendo continuo de la canción, con un tempo disminuido llegando a aumentar considerablemente, y es ahí donde la improvisación musical hace una entrada totalmente espectacular, nuevamente duelos de guitarra entre Dickey Betts y Duane, compitiendo con los de Gregg al órgano y piano.

("In memory of Elizabeth Reed")

"Done somebody wrong" es una canción compuesta por los caracteristicos riffs de Duane, con participación de Dickey Betts y una armónica tocada por Thom Doucette.
"Stormy monday", un blues enorme, presenta un brillante solo de armónica de Doucette, y que destaca también el solo en la parte intermedia de Duane, dando paso luego a un cambio de ritmo acompañado del órgano, para seguir con otro solo de Duane y finalizar con la voz fuerte y rasposa de Gregg.
"You Don't Love" que cierra el primer disco, presenta esa fuerza que se le imprime a los jams, una improvisación a nota perfecta.
Tiene muchos cambios de ritmo, con una parte intermedia con solo de batería; en realidad dos solos al unísono; de ambos bateristas Butch Trucks y Jai Johanson, lo que le da especial realce, ademas de los solos de Duane y Dickey Betts.
"Hot 'Lanta" primer tema del segundo dico, es un jam algo corto a comparación de los demás tracks de este disco pero igualmente potente, y con una participación igualmente deslumbrante de todos.
"Whipping post", uno de los jams más largos del disco abre con un compás de 11/8; algo raro para una banda de rock; dando lugar a uno de los más grandes jams de la historia.

("Whipping post")
Fragmento grabado en el Fillmore East

"Mountain jam", con sus "monstruosos" más de treinta y tres minutos, y "Drunken hearted boy" dan por finalizada esta gran obra.
Aunque pueda pasar desapercibido para el público común, muy pocos discos dejan una huella tan clara y marcada. Un álbum que lleva en cada nota de cada canción una fuerza desmedida con un sabor tremendo de dosis jazzeras inmersas en una solución de blues y rock sureño y que conforman una realización grande entre las grandes.
Justamente el año de edición, 1971, habría sido el mejor de la historia del grupo de no ser por la desgracia que les esperaba a la vuelta de la esquina, ocho meses después de los recitales en el Fillmore East, el 29 de octubre, Duane, el fundador, líder y principal artífice de los sonidos del grupo muere con su motocicleta en un accidente de tránsito.
Duane Allman transformó la poesía de la improvisación, aplicando el mismo espíritu negro y el mismo fuego rebelde que había exhibido en las extensas investigaciones de los Allman en covers de Muddy Waters y Blind Willie Mc Tell.
Del mismo modo encaró la interacción psicodélico-jazzera con el segundo guitarrista Dickey Betts.
El grupo Lynyrd Skynyrd le dedicó la canción "Free bird".
La muerte del guitarrista no puso fin a la carrera de sus compañeros que cosecharon importantes éxitos con posterioridad con temas como el instrumental "Jessica", aparecido en el disco "Brothers and sisters"(1973).
La banda continuó editando periódicamente trabajos hasta 1981, y tras casi una década de descanso, reapareció en 1990 con el álbum "Seven turns".
Han obtenido once discos de oro y cinco de platino entre 1971 y 2005, y siguen activos en la actualidad, incluso algunos de sus miembros continúan haciendo también blues rock en "Gov't mule".

(Fuentes: Rolling Stone - Music Jukebox)

















Sugerido por mi amigo Wallace y dedicado a él.

Pink Floyd - Meddle

Un nuevo comienzo.
"Sunshine reloaded...". Sobran las palabras.

"Meddle" es el séptimo álbum de Pink Floyd. Editado en 1971 ésta realización marca un quiebre con respecto a sus discos anteriores; cuyos géneros principales eran el rock psicodélico y el sinfónico; ya que predomina el rock progresivo, siendo la base para sus siguientes trabajos.
Fué grabado durante la gira de "Atom Heart Mother", y la banda estaba abocada a encontrar un nuevo sonido, que produjera un cambio radical en su música.
Con "Meddle" lo logra, ya que posee el estilo característico del grupo que llevaría a su máxima expresión en discos venideros, eliminando la orquesta que tanto protagonismo tuvo justamente en "Atom Heart Mother".
"One of these days", el tema de apertura es instrumental con sonidos graves y una guitarra con muy elevada distorsión.
Durante el mismo, se escucha a Nick Mason, a través de una amplificador de guitarra, con un efecto de pedal, decir: "one of these days, i'm going to cut you into little pieces" (uno de estos días, voy a cortarte en pedacitos). Originalmente el tema era más largo y luego fue acortado.


Luego aparecen las apacibles "A pillow of winds" y "Fearless", en la cual se escuchan hacia el final, grabaciones de las tribunas del equipo de fútbol Liverpool, cantando "You'll Never Walk Alone", su himno.
Continúa con la elegante "San Tropez" y "Seamus", un blues en el que se escuchan los aullidos del perro del mismo nombre. Este tema fue previamente llamado "Mademoiselle Nobs", y asi fue titulada la version que grabaron para el show de Pompeya.


El álbum finaliza con "Echoes", un tema muy extenso de veintitrés minutos de duración, resultado de la combinación de treinta y seis fragmentos independientes, que fueron siendo reinterpretados y editados para formar la pieza final que se conoce, y que fuera descripta por Roger Waters como un "poema sónico" debido a sus constantes efectos de sonido, y considerada como una de sus mejores piezas.
Entre los nombres previos se conocen: "Nothing: Parts one to thirty six", "We won the double" y "Return of the son of nothing".

El disco fue grabado entre enero y agosto de 1971 en los estudios, Abbey Road, Air Studios, y Morgan Sound Studios.
Los ingenieros de sonido fueron, Peter Bown, John Leckie, (Abbey Road y Air studios) y Rob Black y Roger Quested (Morgan Studios). La razón de estos cambios de estudios se debe a que Pink Floyd ha utilizado para este disco tecnología de dieciséis canales, que no se encontraba en Abbey Road.
La mezcla del disco se terminó en septiembre, mes durante el cual también se realizó una mezcla cuadrafónica, que aún no ha sido editada.
Salió a la venta finalmente el 30 de octubre de 1971 en Estados Unidos a través de Harvest/Capitol, y el 5 de noviembre en Reino Unido a través de Harvest/EMI.
Alcanzó el tercer lugar en las listas de Reino Unido, y fué certificado disco de oro en 1973 y doble disco de platino en 1994.
Una edición remasterizada fue editada en 1984 en vinilo de alta calidad y casette.
En 1992 se editó una versión remasterizada digitalmente en disco compacto, como parte del box set "Shine on", y fue editado fuera del set "Shine on" en 1994 en Europa, y en 1995 en Estados Unidos.