Pink Floyd Pictures, Images and Photos

La famosa portada de "Animals"




















La idea para la portada del álbum "Animals" de Pink Floyd fué concebida originalmente por Roger Waters, quien sugirió colocar un cerdo inflable flotando entre las chimeneas de la central electrica de Battersea, ubicada en las afueras de Londres.
Pero su intención era hacerlo de verdad, y no que se tratase de un montaje fofográfico, asi que tres equipos de filmación y once fotógrafos fueron contratados para realizar las tomas.




















El cerdo de plástico fué inflado y lanzado al aire, mientras era sostenido por hombres con cuerdas desde tierra, pero el viento fué mas fuerte que el caprichoso globo, y ante los ojos atónitos de los presentes, éste se liberó de sus ataduras y desapareció en el cielo londinense.
Un piloto reportó la presencia de un cerdo rosa volador, y las autoridades del aeropuerto de Heatrow, le realizaron pruebas de embriaguez antes de tomar su reporte en serio.
Un helicóptero de la policía siguió al cerdo flotante hasta los 5.000 pies de altura, antes de tener que regresar a la base.













(En la foto de la derecha, el globo promocional en un concierto en Vancouver, Canadá.
Este cerdo es una de las metáforas de la sociedad que Roger Waters incluyó en este álbum, que está basado en el libro "Rebelión en la granja" de George Orwell.)


Las autoridades de la aviación civil lanzaron una advertencia a los pilotos para que tuvieran cuidado con el cerdo volador, mientras el contacto del radar con el mismo, se perdió a los 18.000 pies cerca de Chatham.
Tras ocasionar una enorme confusión entre los pilotos de los aviones que aterrizaban en aquellas horas, el cerdo decidió descender, irónicamente, en una granja cercana, de donde fué rescatado, emparchado, y utilizado para hacer las tomas al día siguiente.
Finalmente la carátula se realizó mediante un montaje fotográfico, una foto de la estación eléctrica tomada ese día fué utilizada para la tapa, pero la imágen del cerdo corresponde a una fotografía tomada el día anterior.
Posiblemente sea una de las portadas mas recordadas de la banda por su originalidad. El cerdo se convirtió en el símbolo de Pink Floyd, y Roger Waters lo utilizó en su gira "In The Flesh Tour", para recordar este grandioso disco.
Luego de la separación, y cuando Pink Floyd resurgió en 1987 con el disco "A Momentary Lapse of Reason", Roger Waters que ya había abandonado el grupo, los demandó porque en la gira sacaban el característico cerdo volador (idea de Waters).
La respuesta de David Gilmour y el resto del grupo fué "implantarle" unos genitales descomunales al famoso globo inflable, quedando así sin efecto el reclamo de Roger Waters.
(Fuente: El Anecdotario del Rock)


La historia de "Blackbird"

























Paul Mc Cartney escribió "Blackbird" en su granja de Escocia, y se inspiró al crearla como una reacción a las tensiones raciales que se intensificaban en los Estados Unidos en la primavera de 1968.
Poco después, una cálida noche de verano en Londres, se sentó junto a la ventana abierta de su cuarto de música en el piso superior, y cantó la canción acompañándose con guitarra acústica. Para los admiradores reunidos en la oscuridad del otro lado de los portones, el imprevisto concierto gratis fué uno de esos momentos mágicos que compensaba las horas de constante vigilia.

Paul: "La inspiración original provino de una pieza de Bach muy conocida cuyo título nunca supe, que con George habíamos aprendido a tocar de muy jóvenes; él la tocaba mejor que yo, en realidad.
Parte de la estructura es una cosa armónica particular entre la melodía y el bajo, que me intrigaba.
Bach siempre fué uno de nuestros compositores favoritos; sentíamos que teníamos mucho en común con él. Por alguna razón nos parecía que su música era muy similar a la nuestra, y nos enganchábamos con él con asombrosa rapidez.
También nos gustaban las anécdotas de cuando era organista de iglesia y tenía que tocar el mismo material todas las semanas, algo bastante similar a lo que hacíamos nosotros. Nos encantó enterarnos de eso.
Desarrollé la melodía en guitarra basándome en la pieza de Bach, y la llevé a otra parte, a otro nivel, y después le agregué la letra.
Aquellos eran tiempos del movimiento por los derechos civiles, de modo que ésta fué en realidad una canción que yo le cantaba a una mujer negra, que experimentaba estos problemas en los Estados Unidos: "Permíteme alentarte a seguir intentándolo, a mantener tu fe; hay esperanza". Como suele ocurrir con mis cosas, la disfracé un poco, así que en lugar de decir "mujer negra que vive en Little Rock" y ser muy específico, ella se convirtió en un pájaro, se volvió simbólica, de modo que pudieras aplicarlo a cualquier problema particular.
Ésta es una de mis temáticas básicas: tomar una canción triste y hacerla mejor, dejar que la canción te ayude. "Dar ánimo", es una buena manera de describirlo.
A través de los años he recibido montones de hermosas cartas de gente que me dice: "Esa canción me ayudó mucho en un período terrible de mi vida".
Creo que la dicha mas grande de haber sido músico, y haber formado parte de The Beatles, es la que sientes cuando te llegan esas cartas, y descubres que de veras has ayudado a la gente.
Esa es la magia de todo esto, ese es el prodigio, porque yo las escribí pensando a medias que podrían ayudar, pero en realidad me siento muy orgulloso cuando me doy cuenta de que han sido de verdadera importancia para muchos"
.

El sonido del mirlo (blackbird) en sí, que se escucha cantando de fondo, se extrajo de un disco de sonidos ornitológicos de los archivos de sonido de EMI.

Paul: "El mirlo hizo un muy buen trabajo. Canta muy bien en esa toma".

"Blackbird" se grabó el 11 de junio de 1968 en los estudios Abbey Road, con George Martin como productor y Geoff Emerick como ingeniero de sonido, y fué incluído en el famoso álbum doble The Beatles (1968), también conocido como "White Álbum".
Para la ocasión, Mc Cartney utilizó una guitarra acústica Martin D28.
Paul reveló en el programa Great Performances (Paul Mc Cartney: Chaos and Creation at Abbey Road) del canal PBS transmitido en 2006, que la guitarra que acompaña a "Blackbird" fue inspirada por "Bouree" en "mi menor" de Bach, una conocida pieza de guitarra clásica.


("Bouree" en "mi menor" de Bach)

En un principio se pensaba que el sonido que se escucha por el canal izquierdo en la canción, y que suena como un pié golpeando el suelo era el de un metrónomo mecánico, sin embargo luego se supo que era efectivamente Paul golpeando el suelo con el pie, y que el tempo fluctúa entre 89 y 94 bpm a lo largo de la canción.
(Fuente: "Paul Mc Cartney - Hace muchos años" / Barry Miles)


"Blackbird singing in the dead of night,
take these broken wings and learn to fly.
All your life
you were only waiting for this moment to arise.

Blackbird singing in the dead of night,
take these sunken eyes and learn to see.
All your life
you were only waiting for this moment to be free.

Blackbird fly, blackbird fly,
into the light of the dark black night.
Blackbird fly, blackbird fly,
into the light of the dark black night.

Blackbird singing in the dead of night
take these broken wings and learn to fly.
All your life
you were only waiting for this moment to arise,
you were only waiting for this moment to arise,
you were only waiting for this moment to arise"
.


"Mirlo que cantas en el silencio de la noche,
despliega esas alas rotas y aprende a volar.
Toda la vida
has esperado este momento para alzar vuelo.

Mirlo que cantas en el silencio de la noche,
abre esos ojos hundidos y aprende a ver.
Toda la vida
has esperado este momento para ser libre.

Vuela, mirlo, vuela,
en la luz de una noche oscura y negra.
Vuela, mirlo, vuela,
en la luz de una noche oscura y negra.

Mirlo que cantas en el silencio de la noche,
despliega esas alas rotas y aprende a volar.
Toda la vida
has esperado este momento para alzar vuelo,
has esperado este momento para alzar vuelo,
has esperado este momento para alzar vuelo".


("Blackbird" - Paul Mc Cartney - Live in Japan)
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Miguel Hernández / Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla















Joan Manuel Serrat editó esta antología poética en el
año 1972, integrando el disco las siguientes canciones:

01 - Menos tu vientre
02 - Elegía
03 - Para la libertad
04 - La boca
05 - Umbrio por la pena
06 - Nanas de la cebolla
07 - Romancillo de mayo
08 - El niño yuntero
09 - Cancion última
10 - Llego con tres heridas

Miguel Hernández Gilabert, nació en Orihuela el 30 de octubre de 1910, y falleció en Alicante (España) el 28 de marzo de 1942.
Fué un poeta y dramaturgo de especial relevancia en la literatura española del siglo XX. Aunque tradicionalmente se lo ha encuadrado en la generación del 36, mantuvo una mayor proximidad con la generación anterior hasta el punto de ser considerado como "genial epígono de la generación del 27".
El hambre, la miseria, la muerte y la censura, eran partes de la vida cotidiana de la España franquista, especialmente en los primeros años, en los que se castigó y asesinó a sus máximos opositores políticos, o como Miguel Hernández, "difamadores" de propaganda en contra del régimen franquista, en la que se instaba al pueblo a la sublevación, a la lucha, a la no rendición a favor de los fascistas.
Miguel Hernández y su familia, sufrieron las consecuencias de esta guerra, como muchísimas otras familias anónimas, que experimentaron el hambre, la pérdida y/o separación de sus seres queridos, y posteriormente, el obligado olvido de estos hechos.
En 1939, ya en prisión, y solo dos meses y medio después del fallecimiento de Manuel Ramón su otro hijo, nace Manuel Miguel.
Cuando su esposa Josefina le envía a la cárcel de Torrijos de Madrid una foto de su hijo con siete meses, el padre comenta:

"No pasa un momento sin que lo mire y me ría, por muy serio que me encuentre, viendo esa risa tan hermosa que le sale delante de los cortinones y encima del catafalco ese en que está sentado. Esa risa suya es mi mejor compañía aquí y cuanto más la miro más encuentro que se parece a la tuya. Y los ojos, y las cejas y la cara entera. Este hijo nuestro, por quien no debes perder el ánimo y la confianza en esta vida, es más tuyo que mío. El otro era más mío..."

Un mes después, en otra cariñosa carta, la sorprende con estas "Nanas de la cebolla", una de las más trágicas canciones de cuna de toda la poesía española.
A Miguel le había afectado la noticia recibida días antes de que Josefina sólo comía pan y cebolla (no cebolla sola, como algunos confunden).
Hay que recordar la eterna frase coloquial "contigo pan y cebolla", que en este caso se hace trágicamente verdadera, aunque comenta Josefina que tenía que alegrarse Miguel en aquellas circunstancias, al saber que al menos comía algo de pan.
Todo esto, claro está, bajo los efectos de las penurias, desolación, el hambre, los tratos vejatorios, la soledad y la desesperanza que producen a un ser humano, el estar enjaulado y condenado a muerte.
Cuando el poeta recibe la carta de Josefina, permaneció recluído con una gran depresión en los dormitorios, sin salir al patio de la prisión.
Después de dos días de "autoreclusión", apareció en el patio y recitó de memoria este bello poema a sus compañeros. Así explicaba Miguel en su carta:

"Estos días me los he pasado cavilando sobre tu situación, cada día más difícil.
El olor de la cebolla que comes me llega hasta aquí, y mi niño se sentirá indignado de mamar y sacar zumo de cebolla en vez de leche. Para que lo consueles, te mando estas coplillas que le he hecho, ya que aquí no hay para mí otro quehacer que escribiros a vosotros o desesperarme...".

Este ramo de nanas está construído en doce estrofas con aire de seguidilla (versos heptasílabos y pentasílabos con rima asonante), inusual poema largo para un género breve y festivo. Desdramatiza el autor el contenido angustioso con la gracia del ritmo y la ternura de imágenes, en ascética lumbre de verbos y sustantivos ermitaños.
Son versos breves y concisos para captar rápidamente la atención del lector, y directos para dar así una imágen de espontaneidad, como si hubiera sido precipitado, sin haberlo meditado demasiado, algo que no se corresponde con la realidad pues es un texto muy elaborado.
Utiliza un tono vocativo, y en ocasiones exclamativo, para dar asi más musicalidad y expresividad a esta alegoría. Abundan las frases metafóricas, algunas anáforas, exclamaciones y frases casi exhortativas.
Este poema fantástico, con gran carga emocional, nos acerca mucho a esa situación en la que se veían sumidas miles de familias durante y después de la guerra civil española.
Al acabar el conflicto, no finalizaron las persecuciones hacia los perdedores (bando republicano) y sus familias, sino que continuaron, fueron duramente amonestados, y en muchas ocasiones pagaron con su vida.
En 1942, con solo 31 años Miguel Hernández cae gravemente enfermo, y muere en el reformatorio de adultos de Alicante.


"La cebolla es escarcha
cerrada y pobre.
Escarcha de tus días
y de mis noches.
Hambre y cebolla,
hielo negro y escarcha
grande y redonda.

En la cuna del hambre
mi niño estaba.
Con sangre de cebolla
se amamantaba.
Pero tu sangre,
escarchada de azúcar,
cebolla y hambre.

Una mujer morena
resuelta en luna
se derrama hilo a hilo
sobre la cuna.
Ríete, niño,
que te traigo la luna
cuando es preciso.

Alondra de mi casa,
ríete mucho.
Es tu risa en tus ojos
la luz del mundo.
Ríete tanto
que mi alma al oírte
bata el espacio.

Tu risa me hace libre,
me pone alas.
Soledades me quita,
cárcel me arranca.
Boca que vuela,
corazón que en tus labios
relampaguea.

Es tu risa la espada
más victoriosa,
vencedor de las flores
y las alondras
Rival del sol.
Porvenir de mis huesos
y de mi amor.

La carne aleteante,
súbito el párpado,
el vivir como nunca
coloreado.
¡Cuánto jilguero
se remonta, aletea,
desde tu cuerpo!

Desperté de ser niño:
nunca despiertes.
Triste llevo la boca:
ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma.

Ser de vuelo tan lato,
tan extendido,
que tu carne es el cielo
recién nacido.
¡Si yo pudiera
remontarme al origen
de tu carrera!

Al octavo mes ríes
con cinco azahares.
Con cinco diminutas
ferocidades.
Con cinco dientes
como cinco jazmines
adolescentes.

Frontera de los besos
serán mañana,
cuando en la dentadura
sientas un arma.
Sientas un fuego
correr dientes abajo
buscando el centro.

Vuela niño en la doble
luna del pecho:
él, triste de cebolla,
tú, satisfecho.
No te derrumbes.
No sepas lo que pasa ni
lo que ocurre".

*(Las estrofas cuarta, séptima y novena, no están incluídas en la canción interpretada por Joan Manuel Serrat)

Fragile





















"Si la sangre fluye cuando carne y acero se unen,
secándose como el color del ocaso,
la lluvia de la mañana lavará las manchas de la distancia,
pero algo quedara para siempre en nuestras mentes.

Quizás este acto final se entienda
para rematar el argumento de toda una vida,
que nada bueno viene ni vendrá nunca de la violencia,
para todos los nacidos bajo una airada estrella,
para que no olvidemos lo frágiles que somos.

En la caída de la lluvia
igual que las lágrimas de una estrella, como lágrimas de una estrella,
la voz de la lluvia nos dirá
lo frágiles que somos, lo frágiles que somos.

En la caída de la lluvia
igual que las lágrimas de una estrella, como lágrimas de una estrella,
la voz de la lluvia nos dirá
lo frágiles que somos, cuán frágiles que somos…".




"If blood will flow when flesh and steel are one,
drying in the colour of the evening sun,
tomorrow's rain will wash the stains away,
but something in our minds will always stay.

Perhaps this final act was meant
to clinch a lifetime's argument,
that nothing comes from violence and nothing ever could,
for all those born beneath an angry star,
lest we forget how fragile we are.

On and on the rain will fall
like tears from a star, like tears from a star
on and on the rain will say,
how fragile we are, how fragile we are.

On and on the rain will fall
like tears from a star, like tears from a star
on and on the rain will say
how fragile we are, how fragile we are…".


Versos: "Fragile" (Sting)













En memoria de Richard William Wright
( 28-07-43 / 15-09-08 )
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The White Stripes - Elephant
























The White Stripes grupo de garage rock minimalista estadounidense, se formó en 1997 en Detroit.
Compuesto por Jack White; (cuyo nombre real de nacimiento es John Anthony Gillis nacido el 9 de julio de 1975); en guitarra, piano y voz principal, y Megan Martha White (nacida el 10 de diciembre de 1974), en batería, percusión y voz, forman parte del resurgimiento del garage rock de los años 60.
Son conocidos por sus composiciones y arreglos simples, su sonido de baja fidelidad, e inspirados principalmente por el punk rock, el blues, el folk rock y la música country.
Mientras Jack y Megan declaraban ser hermanos, numerosas fuentes afirmaban que en realidad eran una pareja divorciada.
Esta pareja, decidió tomar las claves del blues mas añejo y del rock and roll clásico, y llevarlas a un extremo donde conviven el garage y el punk.
Su trayectoria, es de una coherencia y una lógica aplastante, en el que cada disco se enriquece con los anteriores y siguientes y donde todo tiene sentido por sí mismo y en conjunto.
Cada nuevo álbum supone un paso adelante hacia un destino que sólo ellos saben. Los anteriores fueron sencillos, artísticos y estridentes.
La historia empieza con The White Stripes (1999), sigue con De Stijl (2000) en el cual abandonan cierto mainstream rockero, para dirigirse hasta White Blood Cells (2001), el que sería su mejor álbum antes de aparecer Elephant (2003).


("The hardest button to button")

Aquí es evidente que el mayor logro del dúo es haberse despojado de la contención que dominaba De Stijl, y que aún planeaba en ciertos rincones del acerado White Blood Cells.
De hecho, se puede intuir que esa contención era deliberada, y que todo llevaba hasta aquí. De nuevo, todo cobra sentido. Esa liberación no podía desembocar más que en este espléndido disco, desbordante, sólido, multidireccional, desquiciado, salvaje, y extenuante.
Grabado en los estudios Toerag de Londres, desde los primeros compases del bajo que introduce "Seven nation army"; ese single emblemático y sucio; se vislumbra lo que se avecina, una tormenta de sonidos de a ratos abrumadora.
El arte de tapa, está envuelto en extraños simbolismos, (el pie de Meg esta atado, en un guiño a su divorcio; Jack tiene un bate de criquet, ya que se obsesionó con ese deporte durante la grabación), y fue producido por el mismo Jack White al igual que la dirección artística, junto a su amigo Bruce Brand.
Con el estridente riff de "Seven nation army", la banda exprime la exploración sonora lo máximo a lo que un duo puede aspirar.


("I just don't know what to do with myself")

Uno puede estar en desacuerdo con algunas de las limitaciones que, en pos de la pureza, se impone el propio White, pero sin duda los White Stripes son una banda notable, con una combinación muy sugestiva de imágen, sonido y actitud, son claros y transparentes sobre sus gustos e intenciones, y Jack White tiene todo su discurso completamente articulado y expuesto.
Bandas británicas como The Kinks, Yardbirds, Led Zeppelin, Rolling Stones y Cream, son algunos de los precedentes inmediatos, influencias claras para los Stripes, aunque en este disco suenen por momentos más Led Zeppelin que nunca.
Su método; estudio de ocho pistas, con material exclusivamente analógico; recupera viejos recursos basados en el espacio abierto y en el silencio expresivo, que sin duda a veces se echan bastante de menos.
Y si bien en ellos todo parece mas rigurosamente pensado que sentido, lo mejor es cuando se dejan llevar, como cuando en "Seven nation army" Jack recurre a un remedo artificial de bajo; guitarra con efecto; para que con ayuda de la propulsiva percusión de Meg puedan plasmar en uno de los singles del año, toda la paranoia que les produce haberse convertido en el centro de atención de la prensa mundial.
O cuando se dobla cien veces la voz en "There's no home for you here".
O en la serie consecutiva que es el nudo del disco, con Meg White y ese guiño repleto de frágil sensualidad de night club que es "In the cold, cold night", con la excelente melodía y la mortal ironía de "I want to be the boy to warm your mother's heart", o en la desnudez de "You've got her in your pocket".
Hay más música notable en Elephant. La versión de "I just don't know what to do with myself" de Bacharch, con reminiscencias del after punk que miran de frente hacia Europa, los fogonazos garageros de "Black math", "Hypnotize", la magnífica y delirante "Girl you have no faith in medicine", el dinamismo de "The hardest button to button", más de siete minutos de inteligente blues nocturno y esquinado en "Ball and biscuit", y en ese paisaje, todas las variaciones posibles.


("Seven nation army")

Y dentro de las múltiples fronteras del disco, relucen temas híbridos como "The air near my fingers", o "Little Acorns", con speech radiofónico incluído.
Y, para rematar, un divertimento, un trío acústico con la cantante Holly Golightly "It’s true that we love one another" en el que Meg, Holly y Jack cuentan lo mucho que se quieren entre ellos, aunque sea, como canta Holly un amor fraternal: "I love Jack White like a little brother", tal vez el toque simpático final de este disco que gana con cada nueva escucha, y en el que The White Stripes divierten, excitan y aplastan.
Elephant es, por inteligencia, coherencia y solvencia, un gran álbum, aún construído sobre claves de sobra conocidas. Nada nuevo, pero poco tan bueno.
Además lanzó a The White Stripes a la fama mundial, y nos demostró que si eres tan bueno en algo, puedes continuar con tu esencia y aún asi vender sin necesidad de ser comercial, ya que a pesar de ser su álbum mas vendido, al mismo tiempo, es el más dinámico, y transmite tanta oscuridad y frustración que solo sirve para definir la grandeza de un clásico.
Es una obra visceral fuera de lugar, pero en absoluta sincronicidad con su época.
Una encantadora bestia moderna.
























(Fuentes: Muzikalia, Músico latino, Feedback-zine.)