Patti Smith

Patricia Lee, mas conocida como "Patti" Smith, cantante y poetisa norteamericana, nació en Chicago el 30 de diciembre de 1946, y saltó a la fama impactando al mundo durante el auge del movimiento punk, con su disco debut Horses(1975).
Llamada "la poetisa laureada del punk rock", trajo un punto de vista feminista e intelectual a la musica punk de New York, y se convirtió en una de las artistas más influyentes dentro de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat y rompiendo los esquemas de una simple cantante.
Sus alusiones introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafiaron a la "era Disco".

Seguidamente, se reproducen algunos fragmentos de una entrevista realizada en Londres, y extraída de "ELPAIS.COM" de España, con motivo del lanzamiento de su último álbum "Twelve".

Sinceramente la misma no tiene desperdicios y la pinta a Patti de cuerpo entero.

Un tótem del rock, ahora ha vuelto tan crítica como siempre, o casi, con "Twelve", un disco de 12 temas para oponerse a la era del miedo "made in Bush".
Ésta no es la inflamada Patti Smith de los setenta, en los últimos tiempos ha depurado su imagen, eliminando aspectos polémicos.
Por ejemplo, se negó a participar en "Por favor, mátame", la historia coral del punk rock de Nueva York ; traducida incompleta en 1996, se ha reeditado íntegra a través de Discos Crudos.
Tal vez eso explique que en el libro sea tratada como una arribista y, ¿con cierta admiración?, como infalible seductora de chicos guapos, de Tom Verlaine a Jim Carroll.

¿Ha leído "Por favor, mátame"?

No tengo mucha simpatía por ese libro. Conozco a los autores (Legs McNeil y Gillian McCain) e imaginé que no estaban interesados en una historia cultural del downtown neoyorquino. Se han conformado con una crónica de sexo y drogas.
Es correcto, todo eso ocurría. Finalmente, me parece triste. Es como si hicieras una historia del París artístico y sólo contaras cuántas mujeres se llevó a la cama Picasso o lo que tomaba Modigliani.

¿Tenía conciencia de que aquellos años eran una edad de oro del rock?

No, eso se piensa retrospectivamente. Me parece más impresionante haber conocido el Chelsea Hotel en 1969. Allí te cruzabas con Janis Joplin, Jimi Hendrix, Allen Ginsberg, William Burroughs, Leonard Cohen, Sam Sheppard y yo éramos los recién llegados, con ojos muy abiertos.
Pero todos los escritores beat estaban en activo y funcionaban como guías espirituales. Puede que esa cadena se rompiera con los punkis, que no reconocían fácilmente predecesores fuera del rock de garaje.
La excepción fue The Clash, donde había vocación política y una enorme cultura musical.

¿En qué se diferenciaba su planteamiento creativo del de, digamos, The Ramones?

Eran críos de barrio, no muy diferentes de lo que yo misma era a mediados de los sesenta. Ellos con mucha más energía, desde luego.
Pero en 1975 ya llevaba bastante tiempo en Manhattan, en un ambiente muy artístico. Tenía casi treinta años cuando saqué mi primer álbum. No tomaba drogas, no bebía, no aceptaba el nihilismo.
Para mí, el rock and roll no era un fin en sí mismo: era un medio para transmitir belleza, trascendencia, visiones.

Usted articulaba un rechazo de las religiones organizadas.
"Gloria" comenzaba con una declaración demoledora: "Jesucristo murió por los pecados de alguien, pero no por los míos".

Oh!!, por favor !!. Eso era parte de un poema que escribí en 1970. No podía imaginarme que, casi cuarenta años después, tuviera que seguir definiéndome por esos versos.
Ahora lo expresaría de otra manera, no quisiera ofender las creencias de los cristianos o la memoria de Jesucristo. Más que un rechazo de las religiones, era una proclama personal, una afirmación del deseo de crearme una vida fuera de las expectativas que nos legaron nuestros mayores.

Me da la sensación de que ahora pretende limar sus aristas. Imagino que me dirá que, para usted, "White rabbit", de The Jefferson Airplane, ya no tiene connotaciones psicodélicas.

Si se le quita las evocaciones hippies, es un trozo de "Alicia en el país de las maravillas".
Yo no estoy en contra de las drogas, pueden ser instrumentos valiosos para el conocimiento del mundo y de nosotros mismos. Lo que no soporto es el uso recreativo de sustancias peligrosas, hemos perdido el respeto por sus poderes.
Las drogas son sacramentos y deben ser tomadas como parte de rituales sagrados, igual que en la antigüedad o en las tribus indias.
De todas formas, he cantado "White rabbit" como reconocimiento a Grace Slick.
En Jefferson Airplane, ella saltaba las fronteras de su sexo. Antes había grandes cantantes femeninas que expresaban sufrimiento o sexualidad. Pero Grace entraba en territorio masculino con gran naturalidad. Recuerdo haber pensado: "Hmmmm, esto es interesante".

Ya que lo menciona, usted también rompía esquemas sexuales.
Aparte de su imagen andrógina, también hacía canciones lesbianas, tanto en su primer disco, "Horses", como en las letras que escribía para Blue Öyster Cult. Es una temática que luego abandonó, pero que ha sido reivindicada por muchas rockeras militantes.

Era una forma de provocación. Actuábamos en New York, y el problema principal consistía en sacar al público de su impavidez cool.
En realidad, no merezco ser modelo de las riot girls y movimientos similares, soy aburridamente heterosexual.

No está exagerando su normalidad. En 1980, sin siquiera una gira de despedida, Patti abandonó el mundo del rock.
Se casó con Fred Sonic Smith, guitarrista de una banda antaño revolucionaria, MC5, y se retiraron a vivir anónimamente en Detroit, urbe en decadencia industrial.
Durante 15 años no se supo prácticamente nada de ella. Precisemos, sí, sacó un disco "Dream of life"(1988), pero era tan convencional en mensajes y sonidos que apenas parecía conectar con el pasado del matrimonio.

Cuesta pensar que no había un plan maestro en su retiro a Detroit.

[Risa sarcástica]. Sí, el plan maestro era formar una familia. Me pareció más importante que mantener la fantasía de ser una estrella del rock and roll. Había vivido todo lo que me podía ofrecer la música. Empecé recitando con un guitarrista, en pequeñas librerías del downtown, y terminé actuando en grandes estadios.
Tener dos hijos me resultó mucho más estimulante que lograr discos de platino.
¡No fue un sacrificio! Bueno, sí en algunos aspectos; no teníamos mucho dinero; no teníamos asistentes o chofer.

Quiero decir, había probado otras formas de expresión antes de llegar al rock; poesía, pintura, periodismo, teatro. Pero lo dejó de la noche a la mañana.

Eso es inexacto. En Detroit mejoré mi técnica con la voz, la guitarra, el clarinete. Fred también me impulsó a componer sin ideas preconcebidas. No dejé el rock. Esencialmente, el rock es expresión, no un estilo de vida estereotipado.
Puedes hacer rock sin salir del sótano de tu casa. Fred y yo éramos dos ciudadanos más, con un pasado interesante, pero con vidas tranquilas.

De golpe, el castillo se derrumbó. Fallecieron su amante (el fotógrafo Robert Mapplethorpe), su teclista (Richard Sohl), su marido y su hermano Todd.
Tras pasar por tratamiento psicológico, hizo las maletas y se volvió a instalar en New York, donde retomó la carrera musical.

¿Cómo se sintió al regresar a su ciudad adoptiva?

Decepcionada. El alcalde Giuliani estaba convirtiendo Manhattan en un parque temático para turistas. Económicamente, estaba echando a los artistas fuera de la isla.
Ahora, en Manhattan sólo pueden vivir decentemente los millonarios. Y les gusta presumir de que son los amos. Creo que una ciudad creativa necesita la convivencia de todas las clases, como en Europa.

De todos modos, la ciudad la recibió como una hija pródiga.
El pasado año le correspondió el honor de ofrecer la última actuación en el CBGB, el antro que acogió a la insurrección punk.
En tres horas y media repasó su repertorio clásico, recordó a la quinta del imperdible y hasta tocó canciones de su próximo disco.

¿Cómo confeccionó la lista de las canciones que terminaron en "Twelve"?

Cuando intentas hacer un disco de versiones, quieres cubrir diferentes necesidades. Rendir tributo a tus maestros, desde luego, y situarte respecto a ellos. En mi caso, también quería tratar del presente, que es la guerra de Irak.
Luego, están las coincidencias. Yo suelo soñar con canciones. Una noche soñé que estaba escuchando a los Doors tocando "Soul kitchen".
Al día siguiente me crucé con un camión enorme y en la cabina estaba sonando "Soul kitchen".
Durante una semana la escuché en muchos lugares. Así que miré hacia arriba y dije: "De acuerdo, Jim Morrison, ya entiendo tu sugerencia".

Es curioso, en "Por favor, mátame" se habla del punk rock como algo que pretendía acabar con las canciones de Paul Simon y ese civilizado pop que parece pensado para lectores de "The New Yorker" y espectadores de Woody Allen. Y aquí llega usted con un tema de Paul Simon, "The boy in the bubble"?.

Yo quería iluminar el momento que vivimos. Esa canción habla del terrorismo, de la vigilancia con cámaras, de amenazas que creíamos propias de otros países y que ahora sufrimos en nuestras carnes.

Para usted, las letras son decisivas, ¿verdad?

Son un espejo que refleja nuestro tiempo. Por su gran poder sintético, su capacidad de evocación. En realidad, "Twelve" se centra en las letras.
Bastantes de esas canciones tenían originalmente mucha producción, un sonido tan embriagador que no apreciabas su mensaje; he quitado capas de música para quedarme con el núcleo.
"Within you, without you", de los Beatles, estaba tan llena de aromas orientales que ahora puedes oírla como una pieza de época, huele a incienso.
Si lo tocas con los mínimos instrumentos, como hemos hecho nosotros, descubres que George Harrison decía cosas hermosas sobre el poder redentor del amor.

("Within you without you)

Su disco comienza con "Are you experienced ?", un tema poco interpretado de Jimi Hendrix, un Hendrix hasta reflexivo.

Le conocí fuera del escenario y no se parecía en nada al Hendrix salvaje de la leyenda. Era tímido y con una gran curiosidad intelectual, le interesaba cultivarse, preguntaba por poetas sin acomplejarse.
Tenía ideas estéticamente revolucionarias, hablaba de juntar músicos de diferentes lugares para crear una "Orquesta del Mundo".
Había revolucionado la guitarra eléctrica y creo que buscaba una nueva misión, quería crear un esperanto musical.

Recupera uno de los himnos generacionales de los Rolling Stones, "Gimme shelter".

Es una canción tan arrolladora, tan buena para bailar, que quizá olvidamos que ofrece opciones. Canta Mick Jagger: "La guerra está a un tiro de distancia". Pero también dice lo de "el amor está a la distancia de un beso".
Puedes usar un arma para matar a alguien, pero también puedes abrazar a alguien.
Es una forma muy simple, pero muy poderosa, para recordar nuestras posibilidades. La letra comienza de forma ominosa; cuando la canto se me vienen a la cabeza fragmentos del Guernica, de Picasso.
Es un cuadro que me obsesiona. Lo veía regularmente cuando estaba en New York y no dejo de visitarlo cuando paso por Madrid.

("Gimme shelter")

No podía faltar un tema de Bob Dylan, ¿verdad?

Creo que no hay nadie que me haya influido tanto, desde la forma de vestir hasta las técnicas para componer. Además, Bob me ayudó cuando volví a actuar, en 1995.
Me sacó de gira en un momento muy duro. Y cada noche me besaba en el escenario.
Me faltan las palabras para describir mi agradecimiento. A veces me trata como un padre a una hija. Y debo recordárselo: "Bob, sólo me llevas dos años".

¿Tiene una teoría respecto a ese ritmo infernal de Dylan? Se tira casi todo el año girando, y no es por necesidades financieras.

Creo que es lo que justifica su vida. Es un hombre muy reservado, no está en su naturaleza el ir a fiestas o a conciertos. Su forma de conectar con el mundo consiste en actuar. Es un trovador y debe poner en práctica su oficio.

Bruce Springsteen es la notable ausencia entre los autores de "Twelve".
El mayor éxito comercial de Patti fue "Because the night", una apasionada composición de Bruce que ella adaptó.
Aquello ocurrió en 1978, la primera vez que una pieza de Springsteen llegaba a la zona alta de las listas. Dado que ambos venían de New Jersey, se les atribuyó una similitud en trayectorias que ella hoy niega.

Sólo coincidimos en New York, no en New Jersey. Él es del norte del Estado, yo soy del sur, que tira hacia lo rural. Creo que su familia era católica, mientras en la mía eran testigos de Jehová.
Dos mundos diferentes. Me ocurre lo mismo cuando veo "Los Soprano", que se supone que también transcurre en New Jersey: "Esta gente no eran vecinos míos"(risas).

Sin embargo, se pueden ver paralelismos con Bruce. Dos solitarios que son salvados por el rock.

Habría que matizar. El rock era una exclusiva de gente con un ego enorme, que presumía de su seguridad emocional o sexual. Puede que en los setenta apareciéramos personas más frágiles, con muchas dudas y carencias.
La primera vez que actué fuera de Estados Unidos fue aquí, en Londres. Aunque hablemos el mismo idioma, no creía que me entendieran.
Cuando me aplaudieron, sentí que se me despejaba el horizonte: "Esto funciona".
No sé si el rock me salvó, pero sí creo que me ha permitido llevar una vida interesante. Cuando voy a Granada y me enseñan la casa de Lorca, creo que todo ha valido la pena.
The end. :)
El último video pertenece justamente a "Because the night", es acompañada en piano por Sarah Mc Lachlan, y con un presentador de lujo.

Por último, consultada por la revista Rolling Stone sobre: ¿Que cosas creía que había cambiado su generación para bien ? Declaró :

El movimiento de mujeres continúa siendo fuerte. Es activo y observante. A nadie se le ocurriría interferir con lo cambios que las mujeres hicimos desde los 60. Habría una protesta universal.
El rock and roll, es más que música. Es una consciencia que se mezcla con nuestras ideologías; las marchas por los derechos civiles, Vietnam.
La música de los 60 era un sinónimo de lo que estaba pasando en el mundo. Y aquella música, conscientemente o no, seguirá siendo un molde del activismo.
En estos días es difícil incluso tener esperanzas, pero yo sigo rezando y agradeciéndole a Dios, por la gente que no solo es consciente, sino que además trabaja para cambiar el mundo.

David Gilmour and David Bowie - Comfortably numb

"Comfortably numb", es la sexta canción del disco dos, de la ópera rock "The Wall" de Pink Floyd.
Es considerada una de las mejores creaciones que la banda inglesa ha realizado, ya que es recurrentemente incluída en las presentaciones que han hecho tanto Pink Floyd, como Roger Waters después del lanzamiento del álbum "The Wall".
También fue el tema de cierre en la última presentación que hizo el cuarteto en su reunión en el concierto del "Live 8" realizado en Londres, lo que fue un evento mundial de "enfoque de ayuda", organizado por el protagonista de la película, Bob Geldof.
Tiene uno de los mejores solos de guitarra de la historia, realizado por David Gilmour.
Después de todo el espectáculo privado que vive el personaje de la película; que se describe desde el tema "One of my turns" hasta "Vera"; una lucha íntima que tiene un hombre solitario por volver a sentirse pleno, se llega a la conclusión de que con el tiempo y la madurez; el paso de niño a hombre; se pierde mucha de la inocencia, la capacidad creativa y la vivacidad.
En “Comfortably numb” se visualiza lo anterior.
Con la temática de una enfermedad que siente Pink, el personaje protagonista, recuerda cuando de niño vivió lo mismo.
El doctor le pregunta si se puede levantar, que cabecee, que responda si se siente bien.
Gilmour mientras, con el dramatismo de su guitarra, se posesiona de la persona de Pink: "Cuando era un niño tuve una fuerte fiebre, mis manos se sentían como dos globos. Ahora tengo esa sensación otra vez, no puedo explicarlo. Tal vez no comprendas. Este no soy quien solía ser. Me he vuelto cómodamente insensible".
Con una prodigiosa intervención, Gilmour recrea una sensación de nostalgia o de confrontar presente y pasado.
Su próxima aparición vocal es más contundente, ya que aquí muestra la idea principal:
"Cuando era un niño capté un destello de luz, con el rabillo del ojo. Volteé para mirar, pero se había ido. No puedo tocarlo ahora. El niño creció, el sueño se fué. Y yo me he vuelto cómodamente insensible".
En la historia cinematográfica, la letra de la canción revela episodios de infancia del protagonista quien crece hasta ser una estrella de rock.
Cuando la canción suena en la película, dirigida por Alan Parker, el artista cerca de una sobredosis recibe apresurada atención médica, que lo hace sentir mejor después de ser inyectado. Posteriormente a ser sedado, se siente renovado y grandioso.
Elegí el siguiente video del tema, porque me gustó mucho la conjunción de voces de los dos David; algo fuera de lo común; y que corresponde a la grabación realizada en 2007 para el dvd "Remember that night - Live at the Royal Albert Hall" del maestro Sir David Gilmour.
También podrán ver en el mismo, la participación de Rick Wright.

Espero que lo disfruten tanto como yo.
Here I Go Again !!!

Prohibido pensar

Algunos recordarán esta foto, ya tiene casi un año.
Y si, todo llega, el momento mas esperado está ahí al alcance de mi mano, solo tengo que sumergirme en él.
El título del post es bien real, es mi consigna durante mis vacaciones.
Mis enemigos dirán, "alguna vez pensás vos ???".
Es así, sin relojes, nada de diarios, nada de televisión, nada que me conecte con la realidad.
Solo mar, sol, arena, comida rica, buena bebida, excelente música por supuesto, ejercicio físico (del más placentero), y algo del otro, para no perder el estado.
No me creo importante como para que me extrañen, aunque yo si voy a extrañarlos, porque se me ha hecho una buena costumbre esto de compartir la música que me gusta con todos ustedes.
Nunca imaginé encontrarme a lo largo de este 2007 con tantas nuevas y buenas amistades. Con algunos compartiendo personalmente experiencias muy gratificantes, y con otros dialogando a través de un intercambio blogueril diario, y con la firme promesa de hacer realidad un encuentro.
No me gustan mucho los sentimentalismos, así que a todos les deseo que comiencen muy bien el 2008, que gocen de sus merecidas vacaciones aquellos que las comienzan, y los que no, ya les llegarán, y les dejo un abrazo muy grande.
Nos estaremos comunicando nuevamente en febrero, y si alguno comete el pecado de pensar en mi, me podrán ver a través de estas dos fotos.

Saludos a todos. Los quiero.

Y para no perder la costumbre, les dejo este videíto de R.E.M. , "Permanent vacation", para que no me olviden.

Fiona Apple - Never is a promise

Tu nunca verás el valor que yo conozco.
La riqueza de sus colores no aparecerá en tu mirada.
Nunca brillaré de la forma que tu brillas.
Tu presencia domina los prejuicios que te hacen.

Pero mientras el escenario crece, veo diferentes luces.
Las sombras y las formas se ondulan ante mi percepción.
Mis sentimientos se estiran y se hinchan, lo observo de grandes alturas.
Entiendo que todavia sigo siendo muy orgullosa, como para mencionarte.

Tu dirás que entiendes, pero nunca entenderás.
Dirás que nunca te darás por vencido, hasta que veas ojo por ojo.
Pero nunca es una promesa y no te puedes animar a mentir.

Tu nunca tocarás, estas cosas que sostengo.
La piel de mis emociones yace debajo de mi misma.
Tu nunca sentirás el calor de esta alma.
Mi fiebre me quema tan profundamente mas de lo que alguna vez te mostré.

Me dirás que no le tema a los miedos, que es mas fácil de lo que parece.
Dirás que nunca dejarás caer mis esperanzas de muy alto.
Pero nunca es una promesa y no te puedes animar a mentir.

Tu nunca vivirás la vida que yo vivo.
Nunca viviré una vida que me despierte en la noche.
Nunca escucharás los mensajes que te doy.
Dirás que tal vez me daré por vencida en esta pelea.

Pero mientras el escenario crece, veo diferentes luces.
Las sombras y las formas se ondulan ante mi percepción.
Mis sentimientos se estiran y se hinchan, lo observo de grandes alturas.
Me doy cuenta que ahora soy muy inteligente para mencionarte.

Tu dirás que entiendes, pero nunca entenderás.
Yo diré que nunca me despertaré sabiendo como y o por que.
No se que creer, tu no sabes quien soy.
Dirás que necesito apaciguamiento cuando empiece a llorar.
Pero nunca es una promesa y nunca necesitaré una mentira.


Álbum : "Tidal" (1996)

The Clash - London calling

En 1978 The Clash era la mejor banda punk británica, feroces, incandescentes, insuperables, ametrallando singles al top 40.
"London calling" fué su tercer álbum, y el que marcó su punto de inflexión comercial y musical, así como el que incorporó finalmente la estética punk a la mitología de la música.
La crítica musical suele considerarlo como uno de los mejores álbumes de la historia del rock, de hecho la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980 y como el octavo mejor de la historia.
Fué grabado en agosto de 1979 en Londres, una ciudad agobiada por el desempleo, y editado en diciembre, aunque en los Estados Unidos se editó en enero de 1980, inaugurando una década incierta con canciones apocalípticas y una inquebrantable fe en que el rock and roll podía vencer la oscuridad.
Mick Jones y Joe Strummer compusieron la mayor parte de los temas del álbum en el departamento de la abuela de Jones donde éste habitaba.
Durante esa primavera y verano boreales, los cantantes-guitarristas, junto al bajista Paul Simonon y al baterista Topper Headon pasaron tres meses ensayando en un garage de Pimlico (Londres) "con una lamparita y una alfombra sucia sobre las paredes para que no pasara el sonido".
La amplitud y rabia de las quince canciones son un reflejo de la velocidad y el fervor de corresponsales de guerra con que Strummer y Jones trabajaban.
"Una vez que Joe aprendió a tipear, escribía letras a toda velocidad en la máquina", cuenta Jones.
The Clash finalmente grabó el álbum doble en los estudios Wessex,
establecidos en una antigua iglesia de Highbury, al norte de Londres.
Este estudio ya había sido usado por los Sex Pistols, Pretenders y Tom Robinson, y el ingeniero de sonido fue Bill Price.
El disco que fue producido por el legendario Guy Stevens; quien murió poco después de su lanzamiento; suena como un programa de radio impreciso transmitido desde la otra punta del planeta.
Esta sátira apocalíptica y cargada de política, pone en relieve la famosa combinación de toques reggae en el bajo y las guitarras con el estilo punk de la banda.
El single "London calling" fue escrito por Strummer y Jones, y su título hace referencia a la identificación de las emisiones del Servicio Mundial de la BBC: "This is London calling..." ("Esto es Londres llamando..."), que fue usado durante la segunda guerra mundial a menudo en emisiones a países ocupados.

La letra refleja la preocupación de Joe Strummer por los eventos mundiales referidos a "un error nuclear" tras el incidente de Three Mile Island de principios de 1979.
Según sus palabras textuales: "sentimos que luchábamos por no resbalarnos cuesta abajo, agarrándonos al suelo con las uñas, y no había nadie más para ayudarnos".
La línea "London is drowning, and i live by the river" ("Londres se está inundando, y yo vivo junto al río"), viene de la preocupación por la posibilidad que el Río Támesis se desbordara inundando la mayor parte de Londres Central. Con el tiempo esto derivó en la construcción de la Barrera del Támesis.
La letra también desnuda la desesperante situación del grupo en 1979 debido a que estaban muy endeudados, sin mánager y discutiendo con su compañía discográfica sobre si el álbum "London calling" debía ser doble o no.
Las líneas "now don't look to us, all that phoney Beatlemania has bitten the dust" ("ahora no nos miréis a nosotros, toda esa farsa de la Beatlemanía ha mordido el polvo"), refleja la preocupación del grupo después de que el boom del punk rock en Inglaterra durante 1977 terminase.
Musicalmente, la canción está bastante lejos de su frenético estilo punk rock inicial , como queda bien ejemplificado en las canciones "Career opportunities" y "I'm so bored with the U.S.A.". Está en tono menor, algo que The Clash raramente había usado antes, y su inherente tono apocalíptico se intensifica por el tamboreo marcial de Topper Headon en perfecta sincronía con los acordes de guitarra, el ritmo pausado y la letra heladora de Strummer.
Los aullidos de Strummer, o quizá los cantos de gallo de Rooster durante la parte instrumental, consiguen estimular la atmósfera de desolación y paranoia que desprende toda la canción.
Como muchas otras canciones del disco, como "The card cheat", "Revolution rock" y "Jimmy jazz", ésta no termina de repente como en la mayoría de canciones de rock and roll sino que va acabando inquietantemente con las enigmáticas últimas palabras de Strummer "i never felt so much a-like..." ("Nunca sentí nada parecido..."), haciendo eco sobre el sonido del código Morse al estilo de Pete Townshend.
En un principio, el tema "Train in vain" iba a ser lanzado como flexi disc en la revista NME y no incluído en "London Calling", pero Mick Jones, autor del mismo, decidió a último momento que se incluyera en el álbum porque lo consideraba "demasiado bueno como para lanzarlo en NME".

El resultado de esta adición tardía fue que "Train in vain" no fue nombrado en la contratapa y los fanáticos de The Clash lo rebautizaron como "Stand by me" por su estribillo.
Cuando el sencillo de la canción llegó al top 30 en los Estados Unidos, se reeditó el álbum con el nombre apropiado que se ha utilizado en todas las ediciones posteriores, aunque incluyendo en algunas ocasiones "Stand by me" entre paréntesis para evitar confusiones.
El álbum doble fue vendido en el mercado al precio de uno gracias a una movida de la banda para engañar a su discográfica. El grupo le solicitó a los ejecutivos de CBS la inclusión gratuita de un sencillo junto a su supuesto único disco, ante lo cual su compañía no mostró reparos.
Sin embargo, el sencillo fue grabado como un LP y vendido en las condiciones erróneamente pactadas. Este acto del grupo fue otra de sus demostraciones en pro de sus fanáticos y en contra de sus propios intereses.
Originalmente el álbum fue emitido como disco doble, sin embargo, para su edición en CD del año 2000 fue comprimido en una sola unidad.
El 21 de septiembre de 2004, Epic Records lanzó una edición para el "25° aniversario" de la emisión original que incluyó la versión remasterizada del "London calling" original, un CD más con grabaciones alternativas que se creían perdidas, al cual se llamó "The Vanilla Tapes", y un documental en DVD.
El contenido estilístico musical del álbum es muy variado incluyendo el punk lúgubre "London calling", el blues "Brand new Cadillac", el ska "Wrong 'em boyo", la música disco "Lost in the supermarket", el reggae "The guns of Brixton" y el rockabilly "Rudie can't fail".
En cuanto a las letras, el contenido político y la crítica social se encuentran presentes como en todos los materiales de la banda. Particularmente, las canciones que más claramente explicitan la temática política son "London calling", "The guns of Brixton" y "Spanish bombs", esta última rindiendo homenaje a los "revolucionarios" y "luchadores de la libertad" que combatieron en la Guerra Civil Española y los efectos que tuvo ésta en Andalucía.

Otros temas abordados en el álbum son la soledad consecuente al uso de las drogas "Hateful", el materialismo "Lost in the supermarket", el fascismo "Clampdown" y la vida de Montgomery Clift "The right profile".
Por otro lado, la portada del mismo, que muestra una fotografía de Paul Simonon rompiendo su bajo en The Palladium de Nueva York en 1979, ha sido usualmente reconocida como la imágen emblema del punk, y de hecho, la Revista Q la calificó como la mejor foto de la historia del rock.
En un principio, ni Paul Simonon ni la fotógrafa Pennie Smith quisieron incluir la foto como portada, esta última argumentando que no era una imágen técnicamente buena. Sin embargo Strummer convenció a ambos para incluirla.
Finalmente, la tipografía que se usó para escribir "London calling" se basó en la usada para el álbum debut de Elvis Presley.
(Fuente: Revista Rolling Stone)

Que mas puedo decir, un maravilloso disco con enormes variantes musicales, muy ecléctico, y que marcó a toda una generación, solo tenés que conseguirlo y apretar "play" para disfutarlo.